Kritische Ausgabe Plus - Gesamt

Vampire mit Biss und Cowboystiefeln

Dirk Walbrühl — Wed, 22 Feb 2012 04:05:32 +0000

Vampire sind überall. Sie verstecken sich in Videospielen und Fernsehserien, lauern zwischen bedruckten Buchseiten auf ahnungslose Opfer, schauen verführerisch von Postern in Teenagerzimmern und flimmern in überschminkter Nahaufnahme in Kinosälen über Leinwände. Kaum eine andere Mythengestalt kann es derzeit mit der Popularität der Blutsauger aufnehmen. Dass viele moderne Vampire es mit dem Mythos ihrer einstigen Vorväter nicht ganz so genau nehmen, ist zum Teil der wachsenden Vampirindustrie geschuldet. Fleißige Autoren bemühen sich, auch die letzten Winkel des überstrapazierten Trends auszuloten und eine eigene Version des Kinds der Nacht zu Papier zu bringen. »Schreiben Sie doch einfach irgendetwas über Vampire, das verkauft sich«, ist längst zu einem ein geflügelten Wort unter Verlegern geworden. P.C. Cast (House of Night), Stephanie Meyer (Twilight) und viele andere haben dies wörtlich genommen. Dabei wirken einige Vertreter der Spezies ›Vampyr litterarius‹ zahnloser als Graf Zahl aus der Sesamstraße. Doch es gibt auch einen Trend gegen den Trend: Und genau hier kommt American Vampire ins Spiel.

Von blutigen Bissen im wilden Westen

Bereits das Cover von American Vampire macht klar, dass es sich um einen eigenen Vampirmythos handelt, den Scott Snyder hier schreibt und Rafael Albuquerque zeichnet. Über und unter dem Schriftzug des Titels verbinden sich die beiden Elemente, die im Comic zusammengeführt werden sollen: Vampire und der Wilde Westen. Die Idee ist nicht neu: Als Rollenspiel und Buchserie Deadlands zeigte Shane Lacy Hensley, wie lohnend eine Verbindung von Western und klassischem Horror sein kann. American Vampire geht einen ähnlichen Weg und versetzt die Vampirgeschichte um den untoten Gesetzlosen Skinner Sweet ins Amerika des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Als Reflektorfigur dient dabei über weite Strecken Pearl Jones, eine junge Stummfilmschauspielerin, die in die Fänge alten Vampiradels gerät. Für diesen wiederum ist Skinner Sweet der erklärte Feind, da er einer neuen Spezies eines Vampir angehört: Stärker und ohne Schwächen wie Anfälligkeit gegen Sonnenlicht, führt Sweet einen Rachefeldzug und zieht Jones mit herein. Als sie stirbt, macht er sie selbst zum Vampir. Zusammenhaltende Erzählerfigur ist William Bunting, Augenzeuge und Verfasser von »Bad Blood«, eines fiktiven Vampirromans im Comic über die erlebten Ereignisse.

Die Zeichnungen von Alburquerque sind stimmig und fangen den Wechsel zwischen altem Wilden Westen und Moderne gut ein. Die Geschichte hingegen hält sich mit zu vielen Nebencharakteren auf, etwa James Book, einem Gesetzeshüter, der Sweet jagt und ebenfalls als Vampir endet. Dies wäre passend für eine Geschichte, die sich Zeit lässt, nicht aber für einen vergleichsweise kurzen Vampircomic, dessen unruhige überlagernde Panelführung und häufigen Sprünge in der erzählten Zeit ein hastiges Tempo vorgibt. Andererseits müssen ja auch irgendwo die Charaktere herkommen, die Sweet in großen Panels und mit viel Blut ermordet. Und blutig ist American Vampire allemal. Die Panels in denen Horror über Deformation des menschlichen Körpers erzeugt wird, bleiben aber die Ausnahme. Ansonsten wird hauptsächlich gebissen und geschossen. Schade eigentlich, denn gerade die körperlichen Szenen, etwa der Beginn des Kapitels Ein aufgehender Stern mit der sterbend durch die Wüste wandernden, halbnackten Pearl Jones über dem gekonnt platzierten Paratext des Titels, gehören zu den stärkeren Seiten des Werkes.

Blasse Gesichter unter breiten Hutkrempen

Ansonsten sind Snyders Vampire eher blasse Charaktere und zwar in mehr als nur der Hinsicht ihres untoten Hauttons. Vor allem Skinner Sweet wirkt abseits seiner Morde eher harmlos und ähnelt optisch einer cowboyhuttragenden Version des verstorbenen Sängers Curt Cobain. Nur selten, etwa im Kapitel Ein Tropfen Blut gewinnt der Vampir düstere Größe, wenn er auf einem aus Leichen und Schrott getürmten Thron, von Fackelschein erleuchtet seine Bande befehligt (comickundige Leser erkennen hier natürlich das optische Zitat aus Todd McFarlanes Spawn). Sweets Motivation aber bleibt unklar – seine Gegenspieler, die alten Vampire, tauchen kaum auf. Auch Pearls Entwicklung von einem ängstlichen Opfer zur monströsen Vampir-Killerin wirkt mit weniger als vier Seiten eher unglaubwürdig. Der Fokus des Comics liegt auf der Action: entgleisende Züge, Handgemenge, Schießereien, Verfolgungsjagden und Morde, wobei sich die Gewalt teils visuell deutlich, oft aber in guter Comic-Tradition zwischen den Panels im Kopf des Lesers abspielt. Ein grundsätzliches Grauen aber kommt nicht auf. Amercian Vampire ist für klassischen Horror zu sehr dem Western verpflichtet. Das verwundert umso mehr, da der Altmeister der gut verkauften Horrorliteratur, Stephen King, am Comic mitwirkte. Doch dieser verfolgt ein ganz eigenes Projekt.

Eine Kampfansage an Edward, Lestat und Co.

»Vampire sind keine blassen Detektive, die Bloody Mary trinken […] keine netten Herren aus den Südstaaten, die an unerwiederter Liebe leiden. Keine magersüchtigen Teenies. Oder Gespielen mit feuchten großen Augen«, schreibt Stephen King in seinem Vorwort Bis aufs Blut und holt damit zum Rundumschlag gegen die Vampirdarstellung der letzten zwei Jahrzehnte aus. Als Co-Autor des Werkes ist sein Projekt eine Brutalisierung des Vampirmythos, dessen Emanzipation über schmachtende Teenieherzen und der Deutungshoheit von »soften Romantikern«, kurz, die Darstellung des Vampirs als blutgieriger Killer. Aber gelingt dies wirklich im Werk?

Die Verbindung mit dem Westen ist der erste Schritt seines Programms, der eine barbarischere Kulisse, in dessen Wirklichkeit das Recht des Stärkeren und Treffsichereren vorherrscht. Hier kann der Vampir wieder zum Jäger und Mörder werden und seinen Blutdurst ausleben, welcher in den High-School-Klassenzimmern (der von King kritisierten Werke) unterdrückt wurde. Dabei schaffen Snyder und King das Programm einer Revolution, ein ›Wir-gegen-die‹, was sich auch auf die Handlungsebene wiederspiegelt. Skinner Sweet ist Vertreter der neuen Generation von Vampiren, ein getriebener Killer, der gegen seine angepassten, Anzug und Schirm tragende Vorgängerversionen kämpft. Besonders deutlich wird dies in den Panels, in denen Sweets (und Pearls) physische Darstellung mit verzerrten Proportionen, gestreckten Gliedern und langen Klauenfingern ins Monströse übergeht. Am Ende triumphiert Sweet über seine Widersacher und jagt noch dem Augenzeugen und Schreiberling Bunting bei dessen Vortrag über Vampire durch seine bloße Anwesenheit Furcht ein. Sweet triumphiert, weil er besser an den barbarischen Wilden Westen angepasst ist, der wiederum ein solches Wesen erfordert und hervorbringt, wodurch beide zur »Nachtseite« (so King im Vorwort) stilisiert werden. Figur und Setting verbinden sich zum anachronistischen Symbol einer Kehrseite des Vampirmythos und der Kultur des modernen Amerikas.

Doch American Vampire kann Kings Gegenentwurf nicht liefern. Skinner Sweets Figur ist zu getrieben und fremdbestimmt, zu viele Aspekte seiner Person bleiben vage. Zu selten sind die blutigen Panels und zu oft zitiert der Comic doch die Klischees der Vampirliteratur, etwa im Kapitel Doppelbelichtung, als Pearls Mann Henry Preston ihr nach dem Angriff eines Vampirs freiwillig anbietet, von seinem Blut zu trinken und sie anschließend mit ihm schläft. Der tagwandelnde, vampirjagende Vampirrächer erinnert zu sehr an Blade von Marvel Comics (erstmals erschienen bereits 1973 in Tomb of Dracula #10). Auch Skinner Sweet selbst bleibt eine Antwort auf den Gegenentwurf schuldig. Als Erklärung ihrer Natur schreibt er Pearl auf einem Zettel »SIE / Vorlieben: Blut, Mondlicht, Elder Zwirn […] / WIR … / Oh, ich will Dir die Überraschung nicht verderben.«

Was würde Stoker dazu sagen?

Stephen Kings Vorwort zu American Vampire und dessen Programm gegen den Trend des angepassten Vampirs kann als Rückbesinnung auf frühere Horrorliteratur gelesen werden, als Vampire noch zum Fürchten waren. King spricht damit, will man einigen Fanbriefen glauben, vielen Lesern aus der Seele. Doch ein Anzeichen für eine Trendwende in der Popkultur noch dessen Auslöser ist American Vampire nicht. Auch verkennt King in der Kritik an den Romantikern den Ursprung des modernen literarischen Vampirs: Abraham »Bram« Stoker schrieb Dracula 1897 als rückwärtsgewandten Briefroman und Verneigung vor Autoren der vergangenen Schauerromantik wie Ann Radcliffe (Thy Mysteries of Udolpho, 1794) oder Mary Shelley (Frankenstein or The Modern Prometheus, 1818). Und welche literarische Figur könnte eine bessere Projektionsfläche für eine romantische Rückschau, eine Vermischung von Zeitebenen und Anschauungen sein, als der Vampir, der als unsterblicher Augenzeuge alle Zeitalter und Trends durchlebt? Dracula diente Stoker als perfekte Leinwand und vereinte sowohl angepasste viktorianische Etikette als auch widersprüchliche anachronistische Züge. American Vampire hingegen meidet programmatisch die Rückwärtsgewandtheit der Vampirfigur. Der Comic bleibt eine Überzeichnung in beständiger Angst vor dem Klischee, ohne bestimmten Topoi vollends zu entkommen. Immerhin bereichern King und Snyder den Vampirmythos um eine interessante, unverbrauchte Facette, außerhalb des Jugendromans. Alleine dafür hat das Werk den erhaltenen Eisner Award redlich verdient.

Scott Snyder, Rafael Albuquerque, Stephen King: American Vampire. Band 1. Stuttgart: Vertigo Verlag 2010. ISBN: 978-3-86201-025-7. 16,95 Euro.

Die mächtige Frau

Marcel Diel — Thu, 16 Feb 2012 23:01:09 +0000

Charles Dickens’ Heldinnen waren zumeist junge Mädchen, die leiden und dann tragisch sterben mussten wie die kleine Nell im Old Curiosity Shop. Auch seine Schauspielerin Ellen Tennant war ja erst 18 und er 45. Jeder Autor hat seine Biografie, seine Vorlieben. Das Gegenbild der jungen, arglosen Heldin ist die mächtige Frau, die Große Mutter. Sie ist ein Archetypus im Sinne C. G. Jungs, und Schriftsteller – natürlich Männer – haben sie gestaltet.

Sacher-Masoch

Im 19. Jahrhundert muss man Leopold von Sacher-Masoch (1836–1895) nennen, der in seinem Roman Venus im Pelz (1870) eine mächtige Frau schildert, Wanda.

»›Wart’ nur, du sollst mir noch wie ein Hund wimmern unter der Peitsche‹, drohte sie und begann mich zugleich zu peitschen. Die Hiebe fielen rasch und dicht, mit entsetzlicher Gewalt auf meinen Rücken, meine Arme, meinen Nacken, ich biss die Zähne zusammen, um nicht aufzuschreien. Jetzt traf sie mich im Gesicht, das warme Blut rann mir herab, sie aber lachte und peitschte fort.«

Der Erzähler liebt Wanda, und sein Angebot, ihr Sklave zu sein, nimmt sie an. Sie erzieht und demütigt ihn, verlässt ihn aber, da sie – paradoxe, aber nicht unlogische Wendung – einen starken Mann suchte. Da war eine bislang unbekannte Leidenschaft geschildert, eingebettet in schwüle Atmosphäre, verstörend und erregend. In Gottesmutter (1883) wird ein junger Mann, Sabadil, von Mardona, der Oberpriesterin einer Sekte, gefoltert. Sie ist die ideale Frau des Masochisten: kalt, grausam wie die Natur, strafend. Dennoch liebt sie Sabadil und wird geliebt, doch es geschieht ein Verrat, ein Missverständnis, und daraus entspringt grausame Strafe.

Weibliche Statuen in einer Höhle auf Sri Lanka. (Foto: Manfred Poser, 2005)

Ich habe eine italienische Ausgabe, und auf der Rückseite steht ein geglückter Satz: »Ein im höchsten Maße dramatischer psychologischer Komplex (nodo), der dazu beiträgt, jene schwüle (torbida), mystisch-rituelle Atmosphäre zu schaffen, die aus Warten, Reue, Angst, Verlangen und Schuldgefühl besteht und das Werk des österreichischen Schriftstellers charakterisiert.« Die Faszination der mächtigen Frau ist nicht nur das Verlangen nach der Peitsche; es ist weitaus subtiler.

Sacher-Masoch war ein Erfolgsautor, geschätzt von Victor Hugo, Emile Zola und Henrik Ibsen. In der Folge des Venus-Buchs erschien die Psychopathia sexualis von Krafft-Ebing, und plötzlich fand sich Sacher-Masoch als Namensgeber einer sexuellen Pathologie wieder. Er und seine Anhänger wehrten sich so verzweifelt wie vergeblich. Sein Werk ist vergessen, nur im Masochismus lebt Leopold fort.

Bald nach Venus im Pelz erhielt er glühende, schwärmerische Briefe, die mit Anatol unterzeichnet waren. Sacher-Masoch nahm es als Spiel und genoss es, wollte aber ein Treffen, das der geheimnisvolle Anatol lange ablehnte. Es kam dazu, doch der rätselhafte Briefschreiber verbarg sich. Es war nur zu erahnen, dass er groß war und seine Stimme voll und tief. Erst 1881, bei einem Gespräch mit Dr. Grandauer in Passau, wurde alles klar, wie Wanda von Sacher-Masoch in ihrem Buch Meine Lebensbeichte erzählte: Anatol war mit ziemlicher Sicherheit der bayerische König Ludwig II. (1845–1886).

Schreckliche Ehrfurcht

1886, im Todesjahr Ludwigs II., kam dann She. Es ist ein Abenteuerroman, der großartige Schauplätze und viele Wendungen bereithält, und Spielbergs Indiana-Jones-Filme verdanken Rider Haggard einiges; doch Ayesha, die Schöne und zugleich Diabolische, lässt einiges zu wünschen übrig. Sie taucht auf, in weiße Schleier gekleidet, verbreitet Furcht und Schrecken, doch als sie dann mit dem Erzähler konferiert, den sie schwärmerisch mit »Oh Holly« anspricht, wirkt sie wiederum zu brav und weibchenhaft, als dass sie einen faszinieren könnte.

»Schreckliche Ehrfurcht kann der Hohen Liebe vorausgehen und sie hervorrufen, und manchmal muss sie das auch«, schreibt Rabbi Adin Steinsaltz in seinem Buch In the Beginning (1992) über das chassidische Gedankengut. In der jüdischen Kabbalah steht ja oben Kether (die Krone), unten Malkuth (die Erde). Chockmah, die Weisheit – ein männliches Prinzip –, projiziert sich auf Binah, die Formgeberin und Große Mutter. Jedoch ist Chockmah der Regent des ›Pfeilers der Liebe‹. Binah dagegen beherrscht den linken Pfeiler, den ›Pfeiler der Strenge‹, denn Form diszipliniert den Geist. Ein Mann ist in eine Frau verliebt und wirbt um sie; seine Liebe hat sein Objekt und unterwirft sich den Gegebenheiten, wie der Geist sich in Form kleidet.

Eine der dicken Frauen von Niki de Saint-Phalle, hängend unter dem Dach des Hauptbahnhofs Zürich. (Foto: Manfred Poser, 2010)

In meinem Roman steht:

»Völlig überraschend der Auftritt: Das muss Cherry sein, im schulterfreien Kleid, eine Art Tarnanzug mit Schlitz im Kleid, hochhackige Schuhe, einen langen roten Schal in der Hand, den sie sich über die Schulter wirft. Sie ist mager, nicht mehr ganz jung, vielleicht vierzig, mit hervorstehenden Wangenknochen, wild und großartig: ›She was savage and superb, wild-eyed and magnificent‹, schrieb Joseph Conrad.«

In seinem Buch Heart of Darkness (1902) hat eine Afrikanerin am Flussufer ihren Auftritt, und das ist eine spektakuläre Szene.

Matriarchat

Von de Sade bis Joseph Conrad reicht das 19. Jahrhundert, das sich inmitten von Viktorianismus und Industrialisierung fruchtlos und endlos mit der Beziehung zwischen den Geschlechtern herumschlug. 1861 erschien das Buch Das Mutterrecht des Basler Wissenschaftlers Johann Jakob Bachofen (1815–1887), der zu einem wichtigen Theoretiker des Matriarchats wurde. Er fing bei den Griechen an – Venus/Aphrodite, Göttin der Liebe, die ›Gliederlöserin‹ – und postulierte einen Hetärismus, dem die ›Gynaikokratie‹ oder das Matriarchat folgte, um vom Patriarchat entmachtet zu werden.

Dazu fand ich in Konrad Federls Antiquariat in Landsberg am Lech das Buch Eros im Alten Orient: »Aus der Urflut erhob sich in der Vorstellung des Ägypters die befruchtende und lebenspendende weibliche Götter-Trinität Hathor, Nut und Isis.« Aus dem Schoß der Riesenkuh Hathor entsprang alle Tage die Sonne. Hinter ihr stand »gewaltig in ihrem geheimnisvollen Dunkel die Gestalt der großen Himmelsgöttin Nut«, welche den Sonnengott auf ihrem Rücken trug. »Wie alle Urzeitgöttinnen war sie die Mutter ihres Vaters und die Tochter ihres Sohnes in einem.« Das Männliche hing vom Weiblichen ab; entscheidend war die Trinität der Muttergottheit, die als »Vater der Väter, Mutter der Mütter von Anbeginn der Welt existierte und diese schuf«. Männer waren von den Mysterien ausgeschlossen.

Das von Johanna Fürstauer (geboren 1931) geschriebene Buch gehe auch auf »gewagte Fragen« ein, schreibt der Verlag in der Ausgabe von 1965. In jener Zeit wurde wohl mit den Ergebnissen der Forschung auch an die Erregungs- und Vorstellungsbereitschaft des Lesers appelliert. (Man sollte bei Wikipedia Fürstauers Veröffentlichungsliste durchsehen: Da bleibt kein Wunsch offen.) Nächstens mehr davon.

Ein nachhaltiges Gefühl von Gleichgültigkeit

Ute Friederich — Wed, 15 Feb 2012 07:33:47 +0000

»Ja, sicher, warum nicht.« – Diese Erwiderung findet sich auf den mehr als 700 Seiten von Clemens J. Setz’ Die Frequenzen immer wieder und sie wird von immer anderen Figuren im Dialog mit ihnen nahe stehenden Personen geäußert. Sie lässt die Gleichgültigkeit erkennen, die sowohl die sozialen Beziehungen der Protagonisten kennzeichnet als auch das Verhältnis des Rezipienten gegenüber dem Text prägt. Zunächst wirkt es auf den Leser, als würde sich dieses Gefühl wie ein Leitmotiv durch den gesamten Roman ziehen und das ist wohl auch ein Grund dafür, dass der erste Leseeindruck nicht viel mehr als Gleichgültigkeit gegenüber den Figuren des Romans hervorbringt.

Da sind vor allem Alexander und Walter, die beiden Protagonisten, aus deren Perspektiven der Roman abwechselnd in der ersten und dritten Person erzählt wird. Die beiden Männer sind Jugendfreunde, die sich aus den Augen verloren haben und sich eher zufällig wiedertreffen. Walter versucht als Laiendarsteller die Gruppensitzungen der Therapeutin Valerie in die von ihr gewünschte Richtung zu lenken, Alexander hat seit kurzem eine Affäre mit eben dieser Valerie. Von diesem Bindeglied zwischen ihren doch recht gegensätzlichen Lebensläufen ahnen die beiden Männer jedoch nichts. Was sie verbindet ist eine problembelastete Beziehung zu ihrem Vater. Während Alexanders Vater ganz plötzlich und ohne Erklärung die Familie verließ, quält Walters Vater seinen Sohn mit Über-Fürsorge. Jeden noch so abwegigen oder halbherzig geäußerten Berufswunsch versucht er mit dem größten Ernst zu unterstützen, indem er Walter dank seiner Beziehungen Praktikumsplätze in allen möglichen Branchen verschafft, immer in der Hoffnung, der Sohn werde eine ebenso große Karriere machen wie er selbst, der berühmte Architekt.

Die eingangs konstatierte Gleichgültigkeit ist in Setz’ Roman aber nicht lediglich aufseiten des Rezipienten so omnipräsent. Auch die Vater-Sohn-Beziehung der beiden Protagonisten ist von einer Gleichgültigkeit geprägt, die wie ein Schatten über dem Leben der beiden liegt und sie förmlich zu erdrücken scheint. Bereits bevor Alexanders Vater seine Frau und seinen Sohn an einem Wintertag bei einer Autopanne im wahrsten Sinne des Wortes stehen lässt – die beiden müssen das festgefahrene Auto anschieben, mit dem der Vater dann kommentarlos wegfährt – brachte auch seine Mutter ihm deutliches Desinteresse entgegen. Als er bei einem gemeinsamen Ausflug in den Park wegläuft, während die Mutter sich mit einer Freundin unterhält, scheint diese sich kaum Sorgen um ihren Sohn zu machen. Erst gegen Abend kehrt Alexander wieder nach Hause zurück: es ist alles wie immer.

Sie hätte mich zwar kurz gesucht, sagte sie, aber da sie mich nicht gefunden hätte, sei sie nach Hause gegangen. [...] Es war ein weiterer Testlauf gewesen, eine Simulation, so nahe der Wirklichkeit, wie man überhaupt kommen konnte. Aber das Ergebnis des Testlaufs war katastrophal: keines.

Im Gegensatz dazu bekommt Walter die Gleichgültigkeit seines Vaters nicht in Form von Desinteresse oder Nichtbeachtung zu spüren. Vielmehr trägt das schier unstillbare Interesse an den Aktivitäten und Karriereversuchen seines Sohnes eine solch gleichförmige Empathie zur Schau, dass der Sohn sich am Ende nicht ernst genommen fühlt und selbst nur noch mit Gleichgültigkeit auf den Vater reagieren kann.

Er wusste, dass er den Kampf verloren hatte. Nein, noch schlimmer, dass es überhaupt keinen Kampf gegeben hatte. Alles, wogegen er rebellierte, war weich und durchlässig.

So ruft auch die Tatsache, dass sich Walter bei einem Familienbesuch im Alkoholrausch auf der Couch im elterlichen Wohnzimmer übergibt und danach heimlich durch den Garten verschwindet, keine erkennbare Reaktion beim Vater hervor. Es scheint, als wäre das einsame Trinkgelage, in dessen Verlauf Walter sich mit einem Ahnenporträt an der Wand unterhält, die einzige Form der Rebellion, zu der er noch fähig ist.

Diese Familienkonstellationen lassen Alexander und Walter einsam erscheinen und bilden eine reichlich traurige Bilanz. Trotzdem fällt es dem Leser schwer, den Eindruck distanzierter Gleichgültigkeit zu durchbrechen und sich in die Protagonisten einzufühlen. Selbst das Lachen über Szenen, wie das besagte Zwiegespräch mit einem Wandbild, von denen man annehmen könnte, dass sie ein gewisses Maß an Komik entfalten würden, mag nicht gelingen. Vielleicht liegt es an der selbstbemitleidenden und resignativen Art, mit der sich Alexander und Walter auf sehr ähnliche Weise in ihr jeweiliges Leben fügen; vielleicht liegt es aber auch an der Breite, die diesen Szenen im ohnehin sehr umfangreichen Roman eingeräumt wird, dass der Leser eher genervt als belustigt reagiert.

Am deutlichsten tritt dieser Effekt bei der Figur Alexanders zutage, dessen Slapstick-Einlagen als Altenpfleger genausowenig eine komische Wirkung entfalten, wie seine seltsame Marotte, scheinbar telefonierend durch die Stadt zu laufen. In Wahrheit wählt Alexander in diesen Situationen die Nummer der Zeitansage und beginnt dann ein Telefonat mit einem imaginierten Gesprächspartner, das sich jedoch schnell zu einem selbstverliebten Monolog wandelt. Dies scheint ihm in Stresssituationen zu helfen, die Kontrolle über seine Gefühle zu wahren, spätestens beim dritten Auftauchen im Text führt es jedoch zu Langeweile aufseiten des Lesers, weil Alexander die immer gleichen Phrasen aneinanderreiht. Selbst die Pointe, dass auch Alexanders Mutter sich dieser Methode bedient und mit einem fiktiven Telefongespräch den Abschied des Sohnes nach einem Besuch hinauszögert, kann keine rechte Komik entfalten.

Warum, fragt man sich, hat Setz’ Roman 714 Seiten, wenn das zentrale Thema, die Entfremdung innerhalb der Familie und die Entfremdung von sich selbst, bereits auf Seite 218 mit einer eindrücklichen Charakterisierung Alexanders seinen Höhepunkt erreicht:

Es schien mir, dass ich im Grunde nie etwas anderes getan hatte als vorzutäuschen. So zu tun als ob. Diese zwei unscheinbaren Wörter, als ob – vielleicht waren sie das Schlüsselloch, durch das man mein Leben betrachten musste. [...] Ich schämte mich nicht einmal. Denn vor wem hätte ich mich schämen sollen, wenn mein Marionettentheater das war, was von allen Alexander Kerfuchs genannt wurde. Ich war ein Komödiant, über den ein einziger Mensch lachte – und der war für alle unsichtbar und wohnte als finsterer, rechthaberischer Einsiedler hinter meiner Stirn.

Diese Selbsterkenntnis Alexanders berührt und man wünscht sich, auf den folgenden 500 Seiten diesem »finsteren, rechthaberischen Einsiedler« näher zu kommen. Bis zum Ende des Romans bleibt er jedoch weitgehend im Verborgenen. Wer zu solch tiefgreifender Selbsterkenntnis fähig ist, dem nimmt man den stoischen Gleichmut, mit dem er jede weitere Reflexion dieses Befundes vermeindet, nicht recht ab. Wie, fragt man sich, hat Alexander sich damit arrangiert, seinen Mitmenschen weiterhin eine Rolle vorzuspielen? Indem er über seine eigene Komödie lacht? Doch dieses Lachen kann der Leser nicht teilen, der Text präsentiert weiterhin den Heuchler und Schauspieler, das »als ob«. Das ist auf die Dauer anstrengend, weil man das Gefühl hat, die Marionettenpuppe Alexander mit seinem immer gleichen Spiel bereits zur Genüge zu kennen. So wirkt der Aufbau des Romans wie eine Rube-Goldberg-Maschine, bei der eine möglichst komplizierte und über viele Redundanzen führende Kettenreaktion in Gang gesetzt wird, um einen simplen Effekt zu erzielen.

Trotz der überschaubaren Zahl an Figuren ist die Handlung von Die Frequenzen komplex und – bedingt sowohl durch die wechselnde Erzählperspektive als auch die wiederholten Zeitsprünge – nicht immer einfach nachzuvollziehen. Neben den beiden Protagonisten, ihren Familien und ihrer Beziehung zu Valerie entspannt sich ein Gewirr aus weiteren Handlungssträngen. Erzählt wird – sowohl aus der Perspektive des Kranken als auch aus der Sicht der Pflegerin – von Valeries Vater, der im Sterben liegt, von einem Paar aus ihrer Therapiegruppe, das mit sich, der Welt und ihrem Neugeborenen nicht zurechtkommt, von dem verwirrten Hausmeister aus Alexanders Haus und von dessen vernachlässigtem Nachbarsjungen. Dazwischen mischen sich Passagen, die aus der Perseptive eines streunenden Hundes geschildert sind. Erst in der Rückschau wird klar, dass diese einzelnen Fäden zu einem großen Netz versponnen sind, ohne dass den Figuren diese Verbindungen offenbar werden.

Diese komplexe Konstruktion erinnert wiederum an die Funktionsweise einer Rube-Goldberg-Maschine und die Beschreibung ihres Funktionsprinzips ist wohl nicht ohne Grund dem ersten Teil des Romans als Motto vorangestellt. Doch was ist das Resultat der Überführung dieser Logik in ein ästhetisches Prinzip? Setz konstruiert seinen Roman aus einer Aneinanderreihung von Redundanzen sowie einem möglichst komplizierten Geflecht an Handlungssträngen. Vor allem die Wiederholungen tragen dazu bei, dass die Lektüre des Romans streckenweise etwas anstrengend ist. Und auch die Verflechtung der zahlreichen Handlungsfäden wirkt mitunter konstruiert, vor allem, weil es am Ende keine echte Lösung gibt. Was ist also der simple Effekt, den die Textmaschine erzielt? Es ist das ebenso hartnäckige wie irritierende Gefühl der Gleichgültigkeit, das einem noch lange nach der Lektüre nachhängt und das dazu führt, dass man immer wieder über das Gelesene nachdenkt. Warum, fragt man sich, beschäftigt einen dieser Roman so sehr, obwohl man während des Lesens eher indifferent und genervt reagiert hat? Man würde Setz’ Roman Unrecht tun, wenn man ihn kurzerhand als mühsames Buch abtun würde, denn es ist genau dieser so nachhaltige und irritierende Effekt, der eine Einfühlung in die Protagonisten am Ende doch noch möglich macht: Er führt dem Leser die Entfremdung, die Alexanders und Walters Leben prägt, eindrücklich vor Augen, indem die erzeugte Gleichgültigkeit ihn erleben lässt, wie es sich anfühlt, gegenüber anderen Menschen abzustumpfen.

Clemens J. Setz: Die Frequenzen. München: btb Verlag 2011. 714 Seiten. ISBN: 9-783442-741113-01. 12,99 Euro.

In der Welt der Wunder und Vokabeln Abel Nemas

Benedikt Viertelhaus — Mon, 06 Feb 2012 22:46:03 +0000

Der Übersetzer Abel Nema wurde zum Opfer eines Gewaltverbrechens. In der willkürlichsten Straßenflucht einer beliebigen Großstadt finden Arbeiterinnen am frühen Morgen seinen vielfach misshandelten Körper. Eine Tat, die trotz oder gerade aufgrund ihrer Brutalität in den gegenwärtigen Diskursen einer sich vermeintlich in sozialen Konflikten zuspitzenden Urbanität kaum mehr zu einer nachhaltigen Aufmerksamkeit gereichen würde, schon eher zur Bestätigung medialer Sensations- und Hysteriemechanismen.

Doch Terézia Moras erster, 2004 erschienener Roman Alle Tage, der mit dem Auffinden des schwerverletzten Abel Nemas einsetzt, entfaltet weder die klassischen Strukturmomente einer Kriminalgeschichte noch stereotype Topoi einer gesellschafts- oder medienkritischen Reflexion. Vielmehr eröffnet bereits die in einem überwiegend protokollarischen Bericht gehaltene Anfangsszenerie eine leicht irritierende und darin äußerst eindringliche, unaufgeregte Ruhe im Erzählfluss:

An einem Samstagmorgen zu Herbstbeginn fanden drei Arbeiterinnen auf einem verwahrlosten Spielplatz im Bahnhofsbezirk den Übersetzer Abel Nema kopfüber von einem Klettergerüst baumelnd. Die Füße mit silbernem Klebeband umwickelt, ein langer, schwarzer Trenchcoat bedeckte seinen Kopf. Er schaukelte leicht im morgendlichen Wind. Größe: circa ... (sehr groß). Gewicht: ... (sehr dünn).

Die Dramatik des Verbrechens – »schließlich kann man sich, und sei man noch so fähig, nicht selbst in so eine Lage bringen« – verbindet sich mit der Unaufgeregtheit des Berichts zu einem die Erzählung anleitenden Spannungsbogen: Wer ist Abel Nema und was ist mit ihm geschehen?

Wer ist Abel Nema?
In einem narrativen Kaleidoskop aus übergangslos ineinander verschachtelten Rückblenden, Kurzberichten einzelner Charaktere sowie eingestreuten Reflexionen des Protagonisten entfaltet der Roman eine überwiegend auktorial erzählte Migrationsgeschichte, die sich in zahlreichen, z. T. märchenhaft skurrilen Wechselfällen fortentwickelt. Ihren Ausgangspunkt nimmt die Odyssee Abel Nemas in der osteuropäischen Kleinstadt »S.«, in der er als Sohn des Lehrerehepaars Mira und Andor Nema geboren wird und aufwächst. Die wenigen, gleichwohl markanten geographischen Details lassen das Grenzgebiet rund um das ungarische Sopron durchscheinen, aus dem die heute in Berlin lebende Terézia Mora stammt. In diesem laufen die Territorien Österreichs, Ungarns sowie der Slowakei (bzw. vormals der Tschechoslowakei) an den Ufern des Neusiedler Sees zusammen.

In ihrem Debüt Seltsame Materie – eine Sammlung kurzer Erzählungen, in der sich auch das Prosastück Der Fall Ophelia findet, für das sie 1999 den Ingeborg-Bachmann-Preis erhielt – bevölkert Mora diesen Schmelztiegel sprachlicher sowie kultureller Vielfalt mit den unterschiedlichsten Figuren, die sich mit den Gegebenheiten im Schatten sowie im Fall des Eisernen Vorhangs arrangieren, mit ihnen ringen oder an ihnen scheitern. Sie alle eint vor allem eins: das Leben mit der Grenze in dem Gefühl einer unhintergehbaren Fremdheit: »Alles ist hier Grenze«, wie die Protagonistin der Erzählung Der See mit Blick auf die geographischen, historischen sowie politischen Verstrickungen ihrer Kindheit an den Rändern der Staatengebilde pointiert.

Auch Abel Nema teilt dieses Fremdheitsgefühl seiner grenznahen Heimat, in der sich bereits die Risse eines nahen politischen Umschwungs abzeichnen. Allerdings treiben ihn einschneidende, persönliche Erlebnisse zum Aufbruch:

Das waren, im Wesentlichen, die ersten zwölf Jahre. Himmel, Erde. Am letzten Unterrichtstag des dreizehnten Jahres, acht Stunden vor Beginn der Sommerferien, stand Andor Nema früh auf, verließ, darauf achtend, dass er weder seine Frau noch seinen Sohn weckte, die Wohnung und kam nicht mehr wieder.

Eine erfolglose Suche nach Andor führt seine Frau Mira und seinen Sohn Abel mit dem Ende der Sommerferien wieder zurück in das kleinstädtische »S.«, wo Miras Mutter den Platz Andors auf der verwaisten Seite des Ehebetts einnimmt. Kurz darauf verliebt sich Abel in seinen Mitschüler Ilia Bor, dessen Zurückweisung nach Abschluss ihrer gemeinsamen Schulzeit sein Empfinden fortan mit einer nachhaltigen Unsicherheit, einem ziel- und gestaltlosen Antrieb versieht.

Aus der enttäuschten Liebe heraus begibt sich Abel erneut auf die Suche nach seinem Vater. Bei Bora, einer Ex-Geliebten Andors, spürt er dessen ehemaliges Versteck auf, trifft ihn jedoch auch dort nicht an. Vielmehr nimmt sein jugendliches Leben infolge eines Unfalls eine erneute Wendung. Durch eine offene Gasquelle entrinnt er nur knapp dem Erstickungstod.

So organisierte etwas, so organisierte sich das Labyrinth in Abel Nemas bis dahin in allen Schulfächern gleichermaßen begabten und desinteressierten Verstand so lange um, bis alles, was bis dahin eine Rolle gespielt hatte, das Gewusel von Erinnerung und Projektion, Vergangenheit und Zukunft, das die Gänge verstopfte und in den Zimmern lärmte, irgendwo verstaut war, in geheimen Wandschränken, und er, nun leer, bereit zur Aufnahme einer einzigen Art von Wissen: von Sprache. Dies ist das Wunder, das Abel Nema wiederfahren ist.

Doch schon das im Zuge des »Wunders« weitgehend verlorene Sinnempfinden (vor allem Geschmack, Geruch, Gehör) deutet an, dass sich Abel Nemas Leere von nun an allein in einer eindimensionalen Bewegung füllt. Er nimmt die Eindrücke und Gegebenheiten seiner Umwelt wie einen Datenstrom selektiv bzw. gedämpft auf, um sich in ihnen möglichst unscheinbar einzupassen. Ein passives ›Erlernen‹ tritt an die Stelle eines aktiven ›Verstehens‹, einer wechselseitigen Interaktion: »Die Welt als Vokabel! Das ist mein Trost!«

Die sich wandelnden politischen Umstände verhindern zudem eine Rückkehr in seine Heimat, so dass Abel Nema nach »B.« – in vielen Anklängen lässt sich das Berlin der späten 80er und 90er Jahre erkennen – aufbricht, da ihn seine Mutter dort an Prof. Tibor B. vermittelt. Wie in dem von Ilia erfundenen Spiel »Gottesurteile« – an »jeder Straßenkreuzung, Abzweigung, etc. blieben sie stehen und gingen nicht eher weiter, als dass ihnen ein Zeichen gegeben wurde« – treibt er durch die wunderlichsten Zufälle und Begegnungen, ohne sich in seinem schweigsamen Auftreten oder empathiearmen Empfinden wesentlich zu verändern. »Ein Mensch ohne Menschheit«, wie sein erster Mitbewohner Konstantin Tóti bemerkt. Durch Tibor B. mit Stipendien versorgt eignet er sich im Sprachlabor zehn Sprachen an, die er unmittelbar akzentfrei beherrscht; er arbeitet als Dolmetscher und später als Redakteur für Skurrilitäten aller Art; er verbindet sich wiederholt mit den Musikern Kinga, Andre, Kontra und Janda; verkehrt regelmäßig in der Rotlichtbar »Klappsmühle«; heiratet Tibors Witwe Mercedes, um seine Aufenthaltserlaubnis aufrechtzuerhalten, und baut allein zu ihrem Sohn Omar eine wechselseitige, interessierte Beziehung auf. Im Kontext seiner Scheidung von Mercedes spitzen sich die Verflechtungen der Erlebnisse Abels allerdings zu und er gewinnt durch ein erneutes »Wunder« nicht allein seinen Geschmackssinn zurück.

Die Wunder der Alltäglichkeit

»Manchmal verdichten sich, wie Eiter, die Dinge.« Terézia Mora erzählt von diesen sich in einer umbruchreichen, stets wandelnden (sozial, politisch, kulturell, etc.) Alltäglichkeit verdichtenden Dingen. Doch vor allem zeichnet sie in ruhigen, eindringlichen Konturen die paradoxe, häufig komisch-sympathische Tragik eines Individuums in den Wechselfällen einer wunderlich-dynamischen Welt. Auch wenn sich in diesem ungemein facettenreich arrangierten Roman verschiedene autobiographische Bezugspunkte abzeichnen, ist Alle Tage an keiner Stelle auf eine Migrationsreflexion zu reduzieren, vielmehr eröffnet Mora in ihren poetischen Sprachbildern ein grandioses Spektrum, das von der tragischen Liebesgeschichte, dem überaus klugen Großstadtroman bis hin zur fragmentarisch pervertierten Heilsgeschichte reicht. Eine Vielschichtigkeit, die sie auch in ihrem neuesten Roman Der einzige Mann auf dem Kontinent im Kontext aktuellster Themenfelder (u. a. Wirtschaftskrise und anonymisierte Arbeitsverhältnisse) gelungen realisiert.

Die in Alle Tage geschilderten »Wunder« Abel Nemas verschmelzen in ihren vielfältigen Fügungen augenscheinlich mit den von ihm als Nebenerwerb gesammelten sowie redigierten Zufallsgeschichten des Alltags, wie sie ein nicht weiter detaillierter »Redakteur« in den knappen Zeilen, die Terézia Mora ihrem Roman voranstellt, charakterisiert:

Wovon ich rede, sind herzzerreißende undoder komische Geschichten. Extremes und Skurriles. Tragödien, Farcen, echte Tragödien. Kindliches, menschliches, tierisches Leid. Echte Ergriffenheit, parodierte Sentimentalität, skeptischer und ehrlicher Glaube. Katastrophen selbstverständlich. Natur- und andere. Und ganz besonders: Wunder. Was die anbelangt, ist die Nachfrage stets enorm.

Terézia Mora: Alle Tage. München: Luchterhand Literaturverlag, 2004. 432 Seiten. ISBN: 978-3630871851. 22,50 Euro.

Über die Einsamkeit in der Vielheit der reizüberfluteten Möglichkeiten

Ute Friederich — Mon, 06 Feb 2012 15:32:06 +0000

Wenn wir sterben, wogegen tauschen wir unser Leben ein?
»Die Erinnerung betrügt einen gerne«, sagt Stine. »Ich war gehemmt. Ich war unsicher. Ich hatte keinen Mut. Die Leute haben mich gefragt: Christine, haben Sie auch Mut zur Niederlage?« Ich habe geantwortet, »ich kann Versagen nicht verkraften. Dazu tut es zu weh.«

Am Anfang steht die Firma

Wirtschaft, Globalisierung, Industrie, die ganz großen Geschäfte, das ganz große Geld, Banken, Finanzierungsprozesse, Kalkulation, Produkte, Kauf, Verkauf, Karriere, und noch mehr Karriere, Renditen, Mieten, rentable weniger rentable Immobilien, Grundstücke, Joint Venture, Trug und Betrug. All diese Begriffe bilden die terminologische Fassade des 2002 erschienenen Romans Wenn wir sterben von Ernst-Wilhelm Händler. Ergänzen kann man sie um das sogenannte Halbierungsspiel, oder Tornadospiel, beide von einer Romanfigur Händlers entwickelt, um die Produktion exponentiell zur eingesparten Arbeitskraft zu steigern – unweigerlich muss man an das Unwort des Jahres 2004 denken, das damals zu heftigen Diskussionen führte: Humankapital.

Aber hinter all diesen der Wirtschaft entstammenden Termini und Prozessen verbirgt sich vor allem die Frage nach der Möglichkeit in einer solch materiell gesteuerten, schnelllebigen Zeit ein Mensch mit Konturen zu bleiben, oder ob es auf der anderen Seite möglich ist auf Konturen zugunsten einer Karriere innerhalb dieser Strukturen zu verzichten.
Wenn man an dem Putz der Fassade aus wirtschaftlichen Prozessen kratzt, die Händler in diesem Roman beschreibt, bleibt ein Handlungsgerüst zurück, dass eine Fallstudie über den Menschen bildet, dieser bloßgestellte Mensch wirkt völlig unfrei. Händler hat sich den Menschen zum Thema genommen und die Wirtschaft dient ihm als Mahnmal für unsere heutige Welt, die Gefahr läuft gesichtslos zu werden – Kreativität schwindet zu Gunsten von Masse. Somit ist Wenn wir sterben auch neun Jahre nach seinem Erscheinen von beachtlicher Aktualität – wie z. B. die jüngsten Proteste der Occupy-Bewegung zeigen, die sich u.a. gegen eine allzu wirtschaftsfreundliche Politik wenden.

Keiner für Alle – alle für keinen

Händler beschreibt in seinem vierten Roman die Karriere dreier Frauen, die gemeinsam eine Firma führen. Charlotte, die Leiterin der Firma, wird in den engsten Angelegenheiten von Stine und Bär beraten. Alle drei sind ungefähr gleichen Alters, alle sind erfolgreich, alle sind auf ihre Art schön – das perfekte »Triumvirat«. Doch Händlers Roman ist kein Loblied auf die erfolgreiche Führung eines Unternehmens, vielmehr handelt es sich dabei um einen Abgesang auf das Scheitern einer viel zu schnelllebigen Welt, in der die Menschen, die produzieren, von ihren eigenen Visionen und Produkten überholt werden. So kommt es wie es kommen muss, das »Triumvirat« bröckelt bevor es überhaupt zur vollen Blüte seiner Herrschaft gelangen kann. Stine lockt zuerst Charlotte und dann Bär in einen Hinterhalt, um die Firma alleine leiten zu können. Unterstützt wird sie dabei von ihrem Freund Egin und einem Makler. Der Verrat an ihren Kolleginnen kommt sie aber teuer zu stehen: Die Betrügerin Stine wird im Laufe des Romans selbst zur Betrogenen und muss die Firma an eine noch größere Okkupationsmacht, verkörpert durch eine weitere weibliche Figur namens Milla, abgeben. Milla kann Stine übertrumpfen, weil sie sich völlig von sich entfernt hat, quasi den lebendigen Teil von sich abgespalten hat, um auf die Weise funktionieren zu können, wie das Business es von ihr erwartet. »Die Welt ist dir so groß vorgekommen, aber seit du aus deiner Haut gefahren bist, hast du auf einmal den Eindruck, die Welt ist nur ein Zimmer.«

Alle sind müde, niemand spricht es aus

Kundschafterinnen sind wir, die sich verkleiden, die sich befreit haben vom Komment der Kompositionen von Individuen, die die diskutierbaren Vergnügungen individueller Betrachtbarkeit hinter sich gelassen haben.

Wenn wir sterben ist eine Schau in die geistigen Abgründe Karriereangetriebener Menschen. Das Leben dieser Menschen gestaltet sich als ein Sequel aus: Ich will erfolgreich sein, auch wenn ich nicht weiß, warum, ich will nicht erfolgreich sein, auch wenn ich nicht weiß warum, ich will nicht erfolgreich sein und ich weiß warum.

Schon ganz zu Anfang des Romans wird deutlich, dass eigentlich jede Person ihrer Aufgabe nicht mehr gerecht werden kann, dabei ist es nicht das Arbeiten für die Firma, das sie zermürbt, sondern der Anspruch auf Unfehlbarkeit. Händler macht sehr schnell deutlich, wie seine Figuren innerlich zusammengeschrumpft sind, wenn sie von der Müdigkeit nach dem geschäftigen Hin und Her des Tages, von dem Genuss einer momentan suspendierten Welt sprechen: »Wir merken, dass wir den Atem anhalten um besser zu sehen.« »Wir hätten gerne so vieles, was unvereinbar ist« und letztendlich bleibt nichts anderes übrig als »alle Kräfte aufbieten zu müssen, um dem Tag entgegenzuleben«. Eines der stärksten, weil immer wiederkehrenden Motive, ist der Wunsch nach Bedeutungsleere und Entschleunigung. So sitzt der Makler am liebsten in seinem Haus vor einem Fenster und schaut nach draußen:

Warum muss denn alles einen Sinn haben? Warum muss man immer so schlau sein und so aktiv? Man kann doch auch anders glücklich werden. Ich bin jedenfalls überhaupt nicht unglücklich, wenn ich aus dem Fenster gucke oder die Wand anstarre.

Doch es bleibt bei diesen Gedankenkonstrukten – keine der Figuren weicht von ihrem Weg ab.
Die Welt in Händlers Roman scheint sich in eine große Firma zu verwandeln, die stetig von den Menschen ausgebaut wird. So ist es auch nicht verwunderlich, wenn Charlotte in ihrer Fabrik ein organisches Wesen sieht, das eigener Handlungen fähig ist:

Wie sollte man mit einer jungen Fabrik sprechen, die man in der Mitte seiner Jahre aufgebaut hat, seiner reifen Jahre sogar. [...] Die Fabrik war stumm, aber sie wollte reden. Dabei wusste die Fabrik schon immer alles, von dem Augenblick an, als sie fertiggestellt war.

Letztendlich ist es auch die Fabrik, die als einzige Instanz als »die überlegene Ressource« nicht gescheitert aus den intrigierenden Inszenierungen Händlers Roman-Figuren herausgeht.

Händler schreibt und schreibt und der Leser wird nicht müde

Händler weiß, wovon er schreibt, da er selber Unternehmer ist, und so erscheint sein Geschriebenes einem Medium gleich, als die Stimme, die zwischen den einzelnen Firmengängen herumwandelt und den Leser durch diese zu führen gedenkt. Die Einzelschicksale der Protagonisten rücken in den Hintergrund ob der Sprachgewaltigkeit Händlers, der seine Kritik nie vordergründig als Parole zum Aufstand formuliert: So wird Charlotte nach ihrer Entmachtung kaum noch erwähnt. Vielmehr entäußert er sie durch unterschwellige Anklage in einer manchmal schonungslosen, manchmal melancholischen Poesie des Entwurfs, die sich durch den ganzen Roman zieht. Dies geschieht auch durch die immer wiederkehrenden Motive der Müdigkeit, der Angst vor Machtverlust, der Angst vor Preisgebung von Gefühlen und der dadurch offenbarten Angriffsfläche, der Angst verletzlich zu sein, indem man menschelt. Der in der Wirtschaft agierende Mensch, so scheint es, muss ein Roboter sein, um zu bestehen. So sagt Milla auch bezeichnenderweise, dass es in ihrem Geschäft nicht um Kreativität geht, sondern einzig um den Profit. Das Endergebnis misst sich an den Verkaufszahlen, gut ist, was der Masse gefällt.

Händlers Schreibe ist ein Komposition aus Stillagen, Collagen, Rhythmen und Perspektiven. Beinahe beiläufig greift er Bekanntes auf und pflanzt es in sein neues Handlungskonstrukt ein. So erinnert der Vergleich der Firma mit einem Käfer, der nur daran denkt »dass der Feind versuchen könnte ein Stück von ihm abzubeißen«, an Kafka und eine Verszeile aus Schillers Glocke: »Drum prüfe, wer sich ewig bindet, ob sich das Herz zum Herzen findet«, hat gleich wortwörtlich Einzug in den Roman gefunden.

Es gibt keine wirkliche Profilzeichnung der vorkommenden Personen, es gibt keine Stringenz außer vielleicht die der Überschriften, durch die Händler fast zu akribisch versucht eine Ordnung in das Gewusel zu bringen, indem er sehr ausführlich schon auf das kommende Ausschau gibt, damit der Leser nicht ganz in dem Strudel dieses Gedankenkonglomerat untergeht. Mal rennt Händler ohne Interpunktion durch sein Szenario, mal entschleunigt er bewusst durch das Beschreiben langsamer Bilder und so unterstützt die Klangfarbe seiner Sprache auf beeindruckende Weise den Inhalt seines Romans.

Was den Roman manchmal sperrig erscheinen lässt, ist seine Freude an dem Jonglieren mit Erzählperspektiven: Mal Innen- mal Außenansicht, mal wird alles aus der Sicht eines kollektiven Wir betrachtet, mal erscheint es unmöglich Fiktion von Realität zu trennen. So scheint es fast als hätte Händler beabsichtigt, dass der Leser nicht immer folgen kann, wie die einzelnen Figuren sich zueinander verhalten, da er dem Leser in einer seiner Überschriften »Jeder Figur ihre Erzählerin, doch wer ist wir?« die Verwirrung schon vorwegnimmt. Manchmal lässt sich noch nicht einmal eruieren, wer gerade in den Fokus der Erzählung gerückt ist: Seltsamerweise, und das ist auch eine Stärke dieses Romans, scheint diese Frage gar nicht so wichtig zu sein.

Am Ende muss man selber schauen, was der Tag bringt

Wirtschaft, Globalisierung, Werbung, Konsum sind nicht der Teufel, so einfach lässt sich die Aussage Händlers Romans nicht herunterbrechen. Vielmehr geht es hier um eine kritische Betrachtung dieser Prozesse, um die Frage, ob der Mensch sich zu sehr anpasst an das, was ihm vorgesetzt wird.
»Das Ziel müsste nicht der Erfolg der Industrie sein, so fängt es an, deswegen kannst du nicht so anfangen, das Ziel müsste sein, den Menschen Möglichkeiten aufzuzeigen, ihnen Vorschläge zu machen« – das hat Händler mit seinem Roman sicherlich getan.

Ernst-Wilhelm Händler: Wenn wir sterben, Frankfurt am Main: Fischer, 2011. 475 Seiten. ISBN 978-3596190027. 10,99. Euro.

Charles Dickens und die gefallenen Frauen

Marcel Diel — Thu, 02 Feb 2012 23:01:00 +0000

Von Charles Dickens’ zwei Dutzend Romanen habe ich etwa die Hälfte gelesen, aber das ist schon 25 Jahre her, damals in Hamburg. Nicholas Nickleby, Little Dorrit, Bleak House, Great Expectations ... Es waren Feste. Er wurde vor 200 Jahren, am 7. Februar 1812, geboren, ein Wassermann-Sternzeichen wie ich. Also: ein eigener Kopf mit blühender Fantasie; wortmächtig und charmant; aber auch irgendwie flüchtig, immer auf dem Sprung; wenig Erotik und Sexualität. Da steht der Wassermann drüber.

In Zürich zeigt das Museum Strauhof am Ende der Augustinergasse (Nähe Rennweg) noch bis 4. März die gelungene Ausstellung Die Geheimnisse des Charles Dickens (1812–1870). Ich erfuhr, dass es nur wenige Neuausgaben seiner Werke gibt: Dickens wird heute nicht mehr viel gelesen. Seine Werke bieten ebensoviel Atmosphäre wie Handlung, sind voll von kuriosen Charakteren und langen Schilderungen; zu anstrengend für heute. Doch er wurde gelesen, und wie! Von 1840 bis 1870 war Charles Dickens der berühmteste Engländer, und die berühmteste Frau der Inseln war seine Königin Victoria. Manchmal trafen sich die beiden auch.

Der berühmte Autor am Schreibtisch seines Swiss Cottage
(Stich von Samuel Hollyer, 1826–1919)

Ich habe mir die Ausstellung angeschaut, und danach war mir der Autor so lieb wie davor (Max Frisch, auch einer meiner damaligen Favoriten, kam nicht so sympathisch rüber). Dickens war vielleicht ein Ehrgeizling, der zudem überall die Zügel in der Hand behalten wollte (im Theater war er Autor, Regisseur und Hauptdarsteller in einer Person), aber er hatte ein großes Herz und setzte sich immer für Arme und Schwache ein.

Das Urania Cottage

Da andere sein riesenhaftes Werk würdigen werden, konzentriere ich mich auf Dickens’ soziales Engagement, denn er schrieb nicht nur über die Verlierer der beginnenden Industrialisierung, sondern er tat auch etwas für sie. Er gründete das Urania Cottage in Shepherd’s Bush (London), ein Heim für gefallene Mädchen, und elf Jahre lang begleitete er es. Das war nur möglich, weil er in Angela Burdett Coutts (1814–1906) eine wohlhabende Erbin kennengelernt hatte, die in das Projekt einen kleinen Teil ihrer Reserven stecken wollte.

So entstand sein »Utopia im Westentaschenformat im Westen Londons«, wie Jenny Hartley in ihrem 2008 erschienenen Buch Charles Dickens and the House of Fallen Women schrieb. Das Heim sollte »ein kleines eigenes Universum sein«, etwas wie ein Roman in drei Dimensionen, eine von ihm zu kontrollierende Welt. Trotz seiner vielen Arbeit nahm sich der Autor die Zeit, mögliche Kandidatinnen selbst zu suchen und zu befragen. Er hatte sich ja angewöhnt, täglich bis zu 20 Kilometer lange Fußmärsche durch London zu unternehmen, auch nachts, und er wusste, wo er nachsehen konnte.

Mädchen, die in Hartford (Connecticut) Zeitungen verkaufen, 1909
(Foto: Lewis Wickes Hine (1874–1940); Quelle: US Library of Congress)

Denn es gab Tausende arme Jungs und Mädchen. Aus dem Jahr 1848 sind 17000 straffällige Frauen in London bekannt, die oft nur kleine Diebstähle begangen hatten und dafür mit Gefängnis und harter Arbeit bestraft wurden. Viele lebten sonst vom Nähen, noch mehr jedoch von der Prostitution. Und im viktorianischen England herrschte die Ansicht, das sei ein unaufhaltsamer Weg in den Untergang. Dickens teilte diese Ansicht nicht. Sein Heim stattete er »mit all der Wärme aus, die seine Romane zelebrierten«, und es sollte wenigen Glücklichen vieles bieten. Von 1847 bis 1862 gab es das Haus, und im Schnitt lebten dort 53 Mädchen.

Die Regeln, das Ziel

Die Regeln lauteten: kein Privatbesitz, keine Privatsphäre. Dafür war die Vergangenheit ausgelöscht. Jenny Hartley hat wunderbar recherchiert. Das Urania Cottage muss »gutes Theater« gewesen sein. Es gab Zickenkriege. Manche Mädels verschwanden wieder, andere stahlen, es gab Dramen, und »Generalissimo Dickens« spielte sich als Richter auf, der aber nach anfänglicher Strenge immer entschlossen war, Milde walten zu lassen. Übrigens war er auch sehr penibel. Alles musste sauber und ordentlich sein.

Er selbst hat auch von dem Heim profitiert. 1848 erschien Hard Times, 1853 Bleak House, 1857 Little Dorrit, und manche Urania-Mädels wurden in Romanen porträtiert. Hartley fasst zusammen: »Die Frau als Geheimnis, die Frau mit einem Geheimnis: Ihre Erfahrungen mit verbotenen Erlebnissen sollten Dickens’ Arbeit in den 1850er Jahren antreiben und ein neues Genres prägen, die Gefühlsprosa (sensational fiction).«

Dickens’ Engagement dauerte von 1847 bis 1858. Im Jahr davor hatte der 45-Jährige die 18-jährige Schauspielerin Ellen ›Nelly‹ Ternan kennengelernt, was zum Ende seiner Ehe führte. (Diese Beziehung, die bis zu seinem Lebensende andauerte und über das Platonische hinausging – oho! –, wurde erst ein halbes Jahrhundert danach bekannt.) Das Jahr 1858, als sich Dickens nur mehr am Rande für das Urania Cottage interessierte, wurde für ihn zu einer Wende. Trauer und Unrast kamen über ihn.

Er lebte teilweise ruhig in seiner Villa am Gad’s Hill Place; durch einen Tunnel konnte er auf die andere Straßenseite in sein kleines Swiss Cottage wechseln, wo er wie immer fiebrig schrieb. Doch immer wieder brach er zu gefeierten Lesereisen in vielen Ländern auf, bei denen er sich nicht schonte. Warum er, obwohl gewarnt und oft von Ärzten begleitet, darauf bestand, mit Leidenschaft und bis ans Ende seiner Kräfte seine Werke zu rezitieren, bleibt eines seiner Geheimnisse. Am 8. Juni 1870 brach er zusammen. Er erlitt einen Gehirnschlag und starb am Abend darauf.

Jenny Hartley hat sich auf die Spur der Urania-Mädchen begeben. Das Zauberwort hieß damals Emigration. Wer geeignet war, sollte auf einem Schiff nach Australien reisen und dort, wenn möglich, einen Ehemann und eine neue Existenz finden. Doch es gab kaum noch Spuren, abgesehen von Rhena Cole, die 1856 in Kanada einen Otis heiratete und bürgerlich wurde. Immerhin gibt es an dem Ort, an dem bis 1862 das Urania Cottage stand, das 1999 gegründete Limegrove Hostel für arme Jungs der St. Christopher’s Fellowship. Hartley schreibt stolz: »The spirit of Urania lives on.«

Wenn aus Eisbergen Pfützen werden

Ute Friederich — Mon, 30 Jan 2012 10:05:25 +0000

Als Annja die Wohnung ihres Vaters aufsucht, findet sie ihn eingefroren in der eigenen Kühltruhe liegen. Das Gerät ist nicht an das Stromnetz angeschlossen und so liegt der Vater mysteriöserweise ohne jegliche Energiezufuhr bei -18° Celsius auf Eis. Annett Gröschner beginnt ihren Roman Moskauer Eis gleich mit dieser Entdeckung und schafft damit zunächst eine weniger frostige, als fast schon phantastische Atmosphäre.

Handelt es sich um einen Science-Fiction-Roman? Einen außergewöhnlichen Kriminalfall? Ein Märchen? Nichts davon soll man in diesem Buch vorfinden, dafür aber umso mehr Erzählungen aus einem Leben in der DDR der Ressourcenknappheit und Spitzensportler, Geschichten von Speiseeis, Kälte und der Schwäche des Großvaters für seine Sekretärinnen.

»Gehemmte Eisblöcke« nennt Annjas Mutter ihren Ehemann und ihre Tochter in ihrem Abschiedsbrief, als sie die Familie verlässt, um in Berlin ein neues Leben anzufangen. Annja ist damals noch ein junges Mädchen und ganz falsch ist diese dem omnipräsenten Thema ›Eis‹ entsprungene Bezeichnung, die die Mutter verwendet, nicht, denn sowohl Klaus Kobe, der Gefrierforscher in zweiter Generation, als auch seine Tochter Annja sind kühle und distanzierte Charaktere. Doch ihre Beziehung zueinander ist weniger angespannt, als man denken könnte: Es ist das klassische Bild des alleinerziehenden Vaters, der zwar den Bedürfnissen einer pubertierenden Tochter nicht immer gerecht wird, jedoch stets versucht, ein sicheres Heim zu schaffen. Allerdings bleibt er dabei immer der Gefrierforscher und so wächst Annja im Grunde genommen im Kälteinstitut auf.

Ich würde ihn natürlich sofort fragen, warum er sich für so einen Versuch hergibt, und er würde mir wahrscheinlich ausweichend antworten: »Ich bin ja noch gut dran, ich friere bloß, aber mein Kollege vom Gemüseinstitut hat sich einkochen lassen.«
»Ich denke, ihr seid Wissenschaftler und keine Versuchskaninchen«, würde ich darauf entgegnen, und Vater würde sagen: »Ehe es ein Laie macht oder einer aus dem Westen, tue ich es lieber selbst.«

Annja, die aus Berlin anreist, wo sie als junge Frau wohnt, ist zunächst schockiert, als sie den eingefrorenen Körper ihres Vaters findet, entwickelt dann aber ein abgeklärtes und teilweise sogar liebevolles Verhältnis zu der Truhe, die in der Küche steht und um die sie täglich herum tänzeln muss, während sie ihre kranke Großmutter pflegt. In den letzten Wochen des Jahres 1991, in denen sie sich um Großmutter Kobe kümmert, versucht sie, das Rätsel der Truhe zu lösen und sucht nach Hinweisen für den Zustand des Vaters.

Mit dem Eispickel durch die DDR

Annett Gröschner präsentiert uns so die Familiengeschichte der Kobes, indem sie Annja in zahlreichen Rückblenden, die keiner Reihenfolge zu unterliegen scheinen und doch zu einem festen Netz aus naher und ferner Vergangenheit verwoben sind, ihre eigene Geschichte erzählen lässt. Wie aus einer Kühltruhe werden Kapitel für Kapitel Anekdoten und Geschichten herausgenommen und aufgetaut - um der Über-Metapher Gröschners treu zu bleiben. Der Roman ist in vier Teile gegliedert, die nach und nach immer tiefer in die Vergangenheit der Familie hinabtauchen. So wird zwar im ersten Teil schon angedeutet, dass Großvater Kobe ein stets frivoles Verhältnis zu seinen Sekretärinnen pflegte, das Seelenleben der Großmutter und die Umstände dieser Beziehung werden aber erst im dritten und vierten Teil klar. Auch Annjas Leben vor der Entdeckung des eingefrorenen Vaters wird nur langsam erzählt: Wie ein dicker Eisblock taut die Figur Annjas die gesamte Dauer des Romans über auf, bis man am Ende in einer Pfütze Wasser steht. Gröschner gelingt es durch schnelle Wechsel zwischen Gegenwart und Vergangenheit, die Informationszufuhr zwar langsam zu gestalten, jedoch trotzdem keine Langeweile aufkommen zu lassen. Gleichzeitig bleibt alles stets übersichtlich, nicht zuletzt wegen Annjas distanzierter, beobachtender Erzählweise. Allein die Geschichte um den eingefrorenen Vater bleibt bis zum Ende ungelöst, das sei dem neugierigen Leser an dieser Stelle gesagt.

Der Vater experimentiert im Labor, um das perfekte Speiseeis zu finden. Seine Tochter dient ihm dabei immer als Probandin – ein Traum eines jeden Kindes! Jedoch nicht, wenn man sich in der DDR befindet und es im Wechsel an Milchfett oder Aromastoffen mangelt. Dass sich der Sohn mit der Herstellung von Eiscreme beschäftigt, stört den Großvater, seinerzeit ebenfalls Gefrierforscher, in seinem Bild der leistungsorientierten DDR-Wissenschaft.

»Wir waren Spitze im Weltmaßstab, und was macht ihr, ihr fahrt das Ding gegen den Baum. Sensorische Qualitätsprüfung für Eiskrem! Wir haben ›Blitzkost‹ im Weltraum erprobt, wir haben die besten Kühlhäuser gebaut, wir waren dem Westen Längen voraus, und was macht ihr daraus? Eiskrem. Daß ich nicht lache. Versager seid ihr!«

Klaus Kobe dagegen verschiebt seine das Land betreffenden Ambitionen auf den Sport, den er sein Leben lang intensiv verfolgt. Schließlich aber erfolgt der berufliche Durchbruch, er erfindet das »Moskauer Eis«, eine Eissorte, die fortan sehr beliebt ist unter den Bürgern der DDR. Spätestens jetzt erfährt der Leser, das der Buchtitel weniger mit Moskau, dem großen und mächtigen Bruder der DDR und dem dicken Eis auf den winterlichen sibirischen Seen zu tun hat. Das Eis verfolgt Annja durch das ganze Leben: Als sie das elterliche Haus verlässt und nach Berlin geht, fängt sie an, als Eisverkäuferin zu arbeiten und verkauft das Eis ihres Vaters. Später stellt sie es als Arbeiterin in einer Fabrik selbst her und muss nach der Wende erleben, wie es von den neuen Marken aus der westlichen Welt verdrängt wird. Hat Annja vor allem in ihrer Schulzeit nicht das beste Verhältnis zum DDR-Staat und ist sie auch sonst weniger nostalgisch, als bloß enttäuscht von dem, was man sich vom Westen versprach, hängen für sie doch viele verklärte Erinnerungen am »Moskauer Eis«.

Nostalgie statt ›Ostalgie‹

Man erfährt später, dass sich Annja nach dem Tod der Großmutter mithilfe des Erbes selbstständig macht und in einem eigenen Betrieb das »Moskauer Eis« produziert. Damit geht also auch das Erbe des Klaus Kobe weiter.

Mein klappriger Mercedes braucht eine Weile, ehe er anspringt.
»Komm endlich«, sage ich, »du bist doch kein Trabant.«
Früher habe ich immer ein Rad geschlagen, wenn ein Mercedes durch die Straßen auf der Insel fuhr. Ich wollte zeigen, daß auch bei uns glückliche Kinder leben.

Annjas Erzählungen bergen keine ›Ostalgie‹. Es ist vielmehr die Vergangenheit an sich, von der sie schwärmt, die Tatsache, dass man eine eigene Geschichte hat, die man nach dem Mauerfall aber fast vergessen hätte. Die Eis-Thematik passt gut in den Kontext, auch wenn am Ende der (im übertragenen Sinne) ständig im Bild stehende Eisverkäufer doch ein wenig aufdringlich ist. Erfreulicherweise ist die Protagonistin trotz kühler Art jedoch nicht vor Eis erstarrt, sie bleibt dynamisch genug, um die Familiengeschichte lebhaft erzählen zu können. Annett Gröschner gelingt dabei inmitten des Kälteinstituts der Balanceakt, die DDR nicht zu idealisieren, sie aber trotz einer kritischen Beleuchtung als Teil der eigenen Vergangenheit und der eigenen Identität zu akzeptieren.

Annett Gröschner: Moskauer Eis. Roman. Aufbau Taschenbuch, Berlin 2009. 288 Seiten. ISBN 978-3-7466-2580-5, 9,95 Euro.

Befindlichkeit und Verlust

Dirk Walbrühl — Wed, 25 Jan 2012 16:52:49 +0000

In der Einleitung von Stadt Land Fluß versichert ein Autor namens »C.P.«, der Ich-Erzähler seines Romans weise keinerlei biografische Deckung mit ihm selbst auf. Sein Romanwerk, so möchte er den Leser damit glauben machen, sei frei von der schnöden Plünderung des Autobiografischen – keine ›Befindlichkeitsliteratur‹ also, als welche so viele Produktionen der jungen und jüngeren Literatur gebrandmarkt worden ist. Ganz so einfach ist die Lage der Dinge dann aber doch nicht. Ein kurzer Blick in die Autorenbeschreibung des Verlages deckt auf: Christoph Peters stammt sehr wohl selbst aus Kalkar und hat Kunst (wenn auch nicht Kunstgeschichte) studiert. Die erzählerische Instanz »C.P.« bleibt im Dunkeln, das Werk entpuppt sich als Autobiofiktion.

"Thomas Walkenbach war nicht mein Freund, der sich das Leben genommen und mir seinen Nachlass anvertraut hat. Ich hatte weder privat noch beruflich je mit ihm zu tun. Ich war weder sein Untersuchungsrichter noch sein psychologischer Gutachter. Ich habe seine Papiere auch nicht beim Kauf meines Hauses auf dem Dachboden gefunden – ich habe gar kein Haus. (S. 8)"

Inventarisierung der Vergangenheit

Die Einleitung von Peters Werk lässt sich damit lesen als ironischer Kommentar zum kreativen Dilemma einer ganzen Autorengeneration, ein passender Auftakt zur (wie es sich für moderne ›Befindlichkeitsliteratur‹ gehört) nicht-chronologisch erzählten und mehr als doppelbödigen Handlung, deren Kern sich schnell zusammenfassen lässt: Thomas Walkenbach, ein verkrachter Kunsthistoriker mit Hang zur Trunksucht, umkreist unruhig seinen Esstisch, auf dem ein ungeöffneter Brief mit einem medizinischen Befund liegt. Rekapitulierend legt er einen Bericht über sein bisheriges Leben vor, beginnend mit seiner Kindheit und Jugend in der bäuerlichen Umgebung von Kalkar, die er als untergangenes bukolisches Idyll beschreibt, das er aus der Gegenwart heraus versucht zu inventarisieren. Der Verlust dieser Welt, den er recht nostalgisch beklagt, geht einher mit dem Verlust eines ganzheitlichen Lebens oder Erlebens, das dem erwachsenen Walkenbach vollkommen abgeht.
Dazu passend, präsentiert sich der zweite Teil des Romans fragmentarisch und unchronologisch als Reminiszenz der Geschichte der Liebe zu und Ehe mit der Zahnärztin Hanna. Peters stellt dar, wie der Protagonist, seit dem Studium am Mittelrhein lebend (die Stadt mag Wiesbaden oder Mainz sein) die fünf Jahre ältere und etwas verklemmte Ärztin langsam umgarnt, und wie sich schließlich ihr gemeinsames Leben in völliger Alltäglichkeit vollzieht – abgesehen davon, dass Walkenbach in vollständiger finanzieller Abhängigkeit von Hanna lebt, da er selbst außer fruchtlosen Studien über das Leben des niederrheinischen Holzschnitzers Henrick Douwermann in seiner beruflichen und akademischen Entwicklung keine Fortschritte macht.

Der ungeöffnete Befund auf dem Esstisch, das wird schnell klar, hat etwas mit Hanna zu tun, die am chronologischen Ende der erzählten Handlung nicht mehr bei Walkenbach ist. Was mit ihr geschehen ist, bleibt im Unklaren: Ist sie gestorben, wird sie sterben, ist/war Walkenbach gar für ihren Tod verantwortlich? Ihr Tod wie auch die gesamte Beziehung erscheint jedoch nicht als kriminologisches Rätsel; vielmehr versteht der Leser nach der Lektüre (und wirklich erst dann), wie realistisch diese Erzählweise ist, mit der hier über ein Leben berichtet wird: nämlich mit Auslassungen und Ausblendungen, die im Strom des Bewusstseins und des Erinnerns zwangsläufig auftreten (Dieser Strom übrigens wird hier durch den Rhein verkörpert, der schließlich, in guter Hölderlinscher Tradition, Mainz und Kalkar nicht nur geografisch verbindet).

Befindlichkeitsliteratur im stärksten Sinn

Der Ich-Erzähler Walkenbach beschäftigt sich immer von neuem mit dem Projekt einer »Philosophie der Zentralperspektive« in der Malerei, scheitert jedoch auch immer wieder daran. Letztlich aber demonstriert der Text selbst in seiner Schreibweise die Wirkung einer individuellen Zentralperspektive: er zeigt, wie die Welt aussieht, wenn der übergeordnete, zweidimensionale, der ›göttliche‹ Blick fehlt (der vielleicht immer nur eine Illusion war). Die Selbstbeobachtung dieses Ehe- und Liebeslebens ist kühl-distanziert und (selbst-)ironisch geschrieben, so dass sich erst im ›Nachhall‹ der Lektüre, dann aber umso schmerzlicher ein darunter verborgenes Gefühl von Verlust erschließt. Die Bedeutung eines Augenblicks erweist sich zwangsläufig erst, wenn er vergangen ist – für den Ich-Erzähler wie für den Leser. Stadt Land Fluß ist somit Gegenwartsliteratur wie auch Befindlichkeitsliteratur im besten und stärksten Sinne: Es ist ein Roman über die Unfähigkeit, das von Richard Kämmerlings beschworene »kurze Glück der Gegenwart« zu verstehen – oder auch nur zu erleben; und über die Unfähigkeit, Befindlichkeit zu artikulieren: Letzten Endes kann sie sich immer nur in den Leerstellen der Beschreibung ausdrücken. Da, wo etwas fehlt, liegt Sinn und Bedeutung; gerade da, wo die Beziehung zu einem Menschen am unerklärlichsten scheint, ist die Trauer über seinen Verlust am größten.

Peters hat mit seinem Debüt-Roman, der 1999 den aspekte-Literaturpreis gewonnen und ein nachhaltig berührendes Werk geschaffen. Etwas weniger kunsthistorischer Ballast hätte ihm möglicherweise gut getan; die für den Laien oft unverständlichen Referenzen versperren immer wieder den Blick auf die großen Themen seiner Geschichte. Aber letztlich sind sie damit wiederum nur realistischer Ausdruck der Selbstbespiegelung der Hauptfigur, die verzweifelt Analogien aus der Kunst bemüht, um das eigene verlorene Glück zu fassen zu bekommen – und damit scheitern muss.

Christoph Peters: Stadt Land Fluß. Frankfurt am Main: Frankfurter Verlagsanstalt, 1999. 278 Seiten. ISBN 978-3627000660.

Im Schraubstock von Logik und Libido oder »Wir wollen alles sein«

Grischka Grauert — Mon, 23 Jan 2012 12:06:42 +0000

Es gibt sie, jene unwirklichen Momente der Lektüre, die für ein Schwindelgefühl beim Leser sorgen, weil weltgeschichtliche Ereignisse der Romanhandlung buchstäblich den Boden unter den Füßen weggezogen haben. Einen solchen Moment hält Thomas Lehrs im Jahr 1999 erschienener Roman Nabokovs Katze bereit, als Protagonist Georg gegen Ende mit seiner Geliebten Mary in die 107. Etage des World Trade Centers fährt, um von oben auf das Häusermeer New Yorks hinabzublicken:

»Für ein, zwei Sekunden glaubte er, die Glasscheibe zerschmelze vor seinen Augen, und er und Mary würden mitsamt der Bank zentimeterweise über den Abgrund hinausgedrängt, auf dessen Boden man die Fußgänger kaum mehr ausmachen konnte.

Angesichts der nur zwei Jahre nach Veröffentlichung des Romans geschehenen Ereignisse, angesichts dieser prophetisch anmutenden Vision, liest man diese Szene, in deren weiteren Verlauf Georg die Zwillingstürme des World Trade Centers wie die Kommandobrücke und Manhattan wie der Rumpf eines »Weltdampfers« vorkommen, mit einem ungläubigen Schaudern.

Dass am wenigsten dem Autor selbst diese unheimlich anmutende Überblendung seines Werkes durch die Wirklichkeit entgangen ist, lässt sich an Lehrs jüngstem Roman September. Fata Morgana (2010) deutlich ablesen. Allein wegen dieser kaum drei Seiten umfassenden, für die Handlung eigentlich nebensächlichen Sightseeing-Szene, in der Georg und Mary auf der bald einstürzenden Spitze der westlichen Zivilisation stehen, ist die Lektüre des fünfhundert Seiten starken Romans von Thomas Lehr unbedingt (noch einmal) zu empfehlen.

Ein in halluzinogener Hinsicht höchst gelungener LSD-Trip

Natürlich ist Nabokovs Katze sehr viel mehr als eine bloße Hochhausbesteigung. Es ist die Geschichte von Georg, der nach einem misslungenen – das heißt, in halluzinogener Hinsicht, höchst gelungenen – LSD-Trip als Fünfzehnjähriger im Sommer 1972 beschließt, keinen derartig verstörenden Rausch mehr zuzulassen und stattdessen sein Leben der Klarheit und Vernunft zu widmen. So erscheint es nur konsequent, dass er sich nach dem der starken Wirkung der Droge geschuldeten Krankenhausaufenthalt in einer Buchhandlung Sartres Das Sein und das Nichts kauft, um »den wahren Hintergrund der Dinge« zu erfahren. Unmittelbar darauf jedoch trifft Georg unter dem Wehrturm des Provinzstädtchens S., das der Leser ohne große Schwierigkeit mit Lehrs Geburtsstadt Speyer identifizieren wird, auf seine Bekannte Camille. Obwohl sie vorher nur über ihre Clique lose miteinander befreundet waren, küssen sie sich auf der Stelle.

Was folgt, ist der episodenhaft beschriebene, über zwanzig Jahre lang andauernde Entwicklungs- beziehungsweise Verwicklungsprozess von Georgs weiterem Leben, wobei der Protagonist mit zunehmendem Alter seine Umwelt immer mehr wie durch das kühle Objektiv einer Filmkamera beobachtet. Auf faszinierende Weise lässt sich hier der Versuch beobachten, Zooms, Closeups, Schwenks und andere Techniken aus dem Medium Film in die Literatur zu übertragen. Dies mutet stellenweise etwas gewollt und künstlich an, lässt sich aber kaum vermeiden und erzeugt jene »gewisse Laboratoriums-Kälte«, die vom Autor durchaus beabsichtigt zu sein scheint. Zugleich wird die Atmosphäre der beschriebenen Jahrzehnte von Lehr mit herrlicher (Selbst)Ironie wiedergegeben, etwa wenn Georgs Jugendjahre in den Siebzigern kaleidoskopartig den »Schülerinnenreport« mit »transzendentalen Meditationstechniken« mit »US-Army-Parkas« mit »Jungsozialisten« mit »Tchibo-Stehcafés« mit »Partykellern« mit »Pink-Floyd« mit »Liedermacherfesten« mit »Cunnilingus« vermengen und verquirlen.

Die Kolonisation der Erinnerung

Obwohl Camille in diesem Sommer ’72 nur einige Wochen mit ihm geht, kommt Georg nie wieder ganz von ihr los. Sein Leben, das er zunächst der Mathematik und später, als Regisseur, dem Film widmet, ist ein nicht enden wollender Versuch der Annäherung an und zugleich der Abkehr von Camille. Eine Ehefrau und zahllose Geliebte pflastern dabei seinen Weg, wobei Lehr mit der Beschreibung expliziter Sexszenen nicht knausert und dabei eine geradezu barockhaft wirkende Bilderflut entfaltet. Da werden »Kriegsbeile« in »Wigwams« vergraben, da gibt es eine »warm umwulstete Cañon-Furche«, einen »Anus, so rührend verletzlich wie ein vor Jahren ausgestochenes Auge«, »klitorale Kapellchen im Feenwald« sowie »Venusflaum und –schaum und darunter schläfrige Nacktschnecken«. Das hingebungsvolle, stellenweise leider arg bemüht wirkende Schwelgen in Metaphern, das sich keineswegs auf die Umschreibung menschlicher Geschlechtsteile und Beischlafpraktiken beschränkt, zieht sich wie ein roter Faden durch den Roman und demonstriert die grundsätzliche (Ver)Formbarkeit und Relativität von Sprache und menschlichen Beziehungen, eines der zentralen Themen in Lehrs Werk.

Trotz aller Affären und Liebschaften bleibt die »camilloide Struktur des Universums« für Georg unverändert bestehen, wobei er sich keine Illusionen darüber macht, dass er sich letztlich aus einigen über die Jahre verstreuten Begegnungen eine Frau erfindet, die mit der Realität, mit der Camille, die schließlich in Heidelberg verheiratet ist, zwei Kinder hat und ein gutbürgerliches Leben führt, nichts mehr gemeinsam hat. Er selbst nennt diesen Vorgang, den der Leser in Nabokovs Katze in zahlreichen Windungen und Schlaufen hautnah verfolgen kann, eine »Kolonisation der Erinnerung«.

Auf Don Quijottes Spuren

Jene Berechenbarkeit, ja Ausrechenbarkeit des eigenen Daseins, die Georg bei Sartre, der Mathematik, beim Film und nicht zuletzt den Frauen zu finden erhofft, ist zum Scheitern verurteilt. Die Logik triumphiert nicht über die Libido, aber die Libido triumphiert auch nicht über die Logik. Georg ist vielmehr zwischen diesen beiden ihn maßgeblich bestimmenden Polen bis ans Romanende eingeklemmt. Thomas Lehr versucht dabei anhand seines Protagonisten zu ergründen, wie weit ein Mensch bereit sein kann, jegliche (mühsam) errungene Stabilität im eigenen Lebensplan zugunsten einer selbst geschaffenen Fiktion aufzugeben, alles hinter sich zu lassen und dem Wahnsinn in all seiner Negativität, aber eben auch Positivität, zu erliegen. Wenn Georg im sechsten Teil des Romans über Nacht seine Frau verlässt und einzig aus dem Grund nach Mexiko aufbricht, weil Camille seiner Meinung nach indianische Züge trägt, die er dort wiederzufinden hofft, ist endlich jene Schwelle überschritten, über die vor vierhundert Jahren bereits Cervantes’ berühmter ›Ritter von La Mancha‹ ging – und nicht mehr zurückkehrte.

Die tiefe Verunsicherung, die Nabokovs Katze beim Leser hinterlässt, liegt in der im Roman aufgezeigten Möglichkeit begründet, dass jede zwischenmenschliche Beziehung auf einer (beiderseitigen) Erfindung, einer stark einsturzgefährdeten Konstruktion basieren könnte. Jedes Aufeinanderzugehen, jede körperlich-geistige Durchdringung wäre insofern einem ewigen Kampf mit Windmühlen gleichzusetzen. Abschließend lässt sich festhalten, dass Nabokovs Katze dem Leser neben der eingangs erwähnten Passage auf dem Dach des World Trade Centers rund um Georgs und Camilles Schicksal eine so vielschichtige, spannende, lehrreiche und nicht zuletzt traurig-fröhliche Geschichte präsentiert, dass die Lektüre sich auch (und gerade) heute, über zehn Jahre nach der Erstveröffentlichung, uneingeschränkt empfiehlt.

Thomas Lehr: Nabokovs Katze. Berlin: Aufbau Taschenbuch Verlag, 2002 (2. Aufl.). 511 Seiten. ISBN3-7466-1741-3. 10,- Euro.

Im Berg

Marcel Diel — Thu, 19 Jan 2012 23:01:00 +0000

Ein Autor kriecht »den Lichtern der Grubenlampen entgegen« und hat eine Erleuchtung: Die Literatur ist wie ein Bergwerk. »Sie war doch auch etwas wie Schichten und Stollen und Querschläge und Fahrten und verbrochene Strecken, und ein Feld darin hieß ›Romantik‹ und eine Strecke ›E. T. A. Hoffmann‹, und die nächste Generation setzt da fort, wo die letzte aufgehört hatte ...«

Dann besucht er eine Tanzveranstaltung, »darin sich in einem Rhythmus an- und abschwellenden Lärms aus erregten Rufen und Reden und Einbrüchen scharrender Geräusche etwas Ungutes vorzubereiten begann« ... »›Dies ist der Seele wunderliches Bergwerk‹, hörte ich den Doktor einen Vers Rilkes wie als Kommentar zu Freud paraphrasieren«. Eine fürchterliche Schlägerei hebt an, und danach, »dermaßen unbeteiligt erscheinend, dass man wußte, sie war Anlass des Kampfes gewesen, stürzte eine aufgedunsene rothaarige Frau schwer zu bestimmenden Alters ... ein Seidel Bier in sich hinein, die Beine beim Trinken weit gespreizt und den Schoß zur Vorderkante des Stuhles geschoben ...«

Der Autor geht heim. »In der Tür stieß ich mit der Rothaarigen zusammen, sie trug nun eine Kunstlederjoppe, grellrot, mit dicken grünen Wülsten über den Schultern und unter der Hüfte ... und wir sahen uns einen Augenblick an, eins im jähen Erkennen des andern, dann trennten uns die Nachdrängenden. – Vom Doktor erfuhr ich, ohne dass ich ihn fragte, ihren Namen: Regina Kuypers, sie wohne im äußersten Winkel der Altstadt, schon vor der Mauer, zwischen Alt- und Neustadt, in einer recht verrufenen Gegend, die allgemein nur ›dort drunten‹ hieß.«

Büste im Ägyptischen Museum Kairo (Foto: Manfred Poser, 1994)

Ist das nicht wunderbar? Die Literatur als Graben im Unbewussten und die Lockung des grellen Weibs als Verkörperung alles Verdrängt-Triebhaften. Was an Georg Büchner denken lässt, wurde 1983 geschrieben, in der DDR. Franz Fühmann, der am 15. Januar 90 Jahre alt geworden wäre, untertitelte sein Fragment Im Berg mit »Bericht eines Scheiterns«. Im Juli des folgenden Jahres ist er gestorben und bleibt einer der weniger bekannten Autoren Ostdeutschlands. Er hat sich abgequält mit dem Klassenbewusstsein des Schriftstellers und der Suche nach einem Ort für ihn – und unter der Erde, im Bergwerk, fand er eine Art Heimat. Fühmann war ein Nachfahre der Romantiker.

Novalis

Nun gehen wir zu diesen zurück, 200 Jahre zurück. Novalis, der Freiherr von Hardenberg (1772–1801), studierte ab 1797 an der Bergakademie in Freiberg und arbeitete danach in der Salinendirektion Weißenfels an der Saale als Bergwerksingenieur. Dort wurde er zum Salinenassessor ernannt. Sein Roman Heinrich von Ofterdingen blieb unvollendet. Im Kapitel fünf sagt ein alter Eremit dem Helden Heinrich: »Wie ruhig arbeitet dagegen der arme genügsame Bergmann in seinen tiefen Einöden, entfernt von dem unruhigen Tumult des Tages, und einzig von Wissbegier und Liebe zur Eintracht beseelt. Er gedenkt in seiner Einsamkeit mit inniger Herzlichkeit seiner Genossen und seiner Familie und fühlt immer erneuert die gegenseitige Unentbehrlichkeit und Blutsverwandtschaft der Menschen.«

Der Alte rezitiert ein Gedicht, das er aus seiner Jugend kennt. Man kann sich nicht helfen, dahinter einen anderen Sinn zu spüren und es etwa ›tongue in cheek‹ zu lesen, wie der Engländer sagt: mit Humor. Vielleicht hat es Novalis Spaß gemacht, über den Bergmann zu sprechen und Sexualität zu meinen. So lesen wir es probeweise.

Der ist der Herr der Erde,
Wer ihre Tiefen misst,
Und jeglicher Beschwerde
In ihrem Schoß vergisst.

Wer ihrer Felsenglieder
Geheimen Bau versteht,
Und unverdrossen nieder
Zu ihrer Werkstatt geht.

Er ist mit ihr verbündet,
Und inniglich vertraut,
Und wird von ihr entzündet,
Als wär’ sie seine Braut.

[...]

Er trifft auf allen Wegen
Ein wohlbekanntes Land,
Und gern kommt sie entgegen
Den Werken seiner Hand.

Ihm folgen die Gewässer
Hülfreich den Berg hinauf;
Und alle Felsenschlösser,
Tun ihre Schätz’ ihm auf.

Das Pumpwerk im Unbewussten

Die Sexualität ist die heilige Hochzeit, der hieros gamos der Griechen. Geist und Seele kommen zusammen, Yang und Yin, doch sicher ist es – wie in der Literatur – die im Unten angesiedelte Seele, die dabei die Oberhand behält. Es ist plakativ, aber es ist so: Die Frau als die Seelenhafte empfängt den Mann, der in die Tiefen ihres Geschlechts eindringen muss, was auch zur literarischen Bilderwelt der Grotten und Schlünde, Höhlen und Klüfte geführt hat. Literatur ist die Suche nach unserem Kern, die Suche nach Gott in uns, und die Liebe ist Religion und die Suche nach Gott im anderen, und nur Männer können das metaphorisch als Reise in den Berg gestalten.

Erotik im Flöz. Abeiter im früheren Kalibergwerk Buggingen (Landesbergbaumuseum Sulzburg/Baden, mit freundlicher Genehmigung)

Sigmund Freud gehört das Verdienst, hier Klarheit geschaffen zu haben. Er schätzte den 1887 erschienenen Roman She: A History of Adventure (deutsch: Sie) des englischen Autors Henry Rider Haggard (1856–1925) und reichte ihn an Carl Gustav Jung weiter, der darin seine Gedanken bestätigt fand. Das Buch um die unsterbliche Göttin Ayesha hatte Jahrzehnte unerhörten und unerklärlichen Erfolg.

Die kanadische Schriftstellerin Margaret Atwood schrieb 2002 in einem Vorwort zu dem Buch: »Er [Haggard] konnte eine Probebohrung direkt im Unbewussten des englischen Viktorianischen Zeitalters vornehmen, wo Ängste und Wünsche – besonders männliche Ängste und Wünsche – in der Dunkelheit wie blinde Fische umherschwärmen ...«. Der britische Kritiker V. S. Pritchett (1900–1997) hatte zuvor amüsiert über H. Rider Haggards Ruhm bemerkt: »E. M. Forster sagte einmal, der Romancier senke einen Eimer ins Unbewusste hinab. Haggard installierte da ein wahres Pumpwerk. Er zapfte das ganze Reservoir der geheimen Wünsche seiner Leser an.« Beim übernächsten Mal müssen wir die Sache mit She weiter vertiefen.

Die ästhetischste Müllkippe der Welt

Dirk Walbrühl — Wed, 18 Jan 2012 20:16:04 +0000

Die Redaktion der Kritischen Ausgabe wühlt sich tiefer in Richard Kämmerlings persönlichen Literaturkanon und fördert Erstaunliches zu Tage: Rainals Goetz Abfall für alle, ein Text, der 14 Jahre zu früh erschien und schon 1998 am Puls der heutigen Zeit war; ein Werk für und aus dem Internet, über Gedankenabfall und an den Grenzen des Sagbaren.

Abfall für Alle

Einer tanzt auf der »Müllkippe« namens Deutschland und betrachtet die Reste populärer Kultur: Rainald Goetz, geboren 1954. Er studierte in München und Paris Geschichte, Theaterwissenschaft und Medizin. Das Studium der Geschichte sowie der Medizin schloß Goetz jeweils mit einer Promotion ab. Seit 1983 veröffentlicht Goetz Romane, Erzählungen, Theaterstücke, Berichte, etc. und wurde aufgrund seines literarischen Schaffens nach Frankfurt als Poetikdozent berufen. Für sein Gesamtwerk wurde Goetz mit dem Berliner Literaturpreis 2012 ausgezeichnet. Legendär wurde Goetz bereits 1983 durch seinen Auftritt beim Ingeborg Bachmann Preis, den er nach Aufschneiden der eigenen Stirn, blutüberströmt beendete.

Dieser provozierende, wissbegierige Autor bietet in diesem Roman ein modernes Gedankenarchiv des alltäglichen Lebens, in dem Zeitungsartikel und Fernsehsendungen gleichwertig neben Theatervorführungen und Museumsausstellungen versammelt sind. In seinem Œuvre stellt Abfall für alle: Roman eines Jahres einen Versuch dar private Erlebnisse für die Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Auf knapp 900 Seiten schreibt Goetz einen Rundgang durch die Erlebnisse eines Jahres und fragt sich dabei permanent selber nach der Möglichkeit des Sagbaren.

Digital Nation 98

Erstaunlich an Abfall für alle ist die Tatsache, dass Goetz damit bereits 1998 ein Format schuf, das irgendwo zwischen Poesiealbum, Tagebuch, Facebook und Twitter die Grenzen des Interessanten und des Nervigen für sich selbst und das literarische Publikum auslotet. Denn Abfall für alle ist zunächst ein Internet-Tagebuch. Als solches verfasst, erscheint es bereits optisch als vom Buch unterschieden. Digitale vierstellige Zahlen markieren die Uhrzeiten der Niederschrift. Wochentag, Datum, Ort des Geschehens, alles wird gespeichert, eingetippt, in einem fließenden Textdokument versammelt.

»2324. Küche aufgeräumt. Harald Wieser mit Juhnke bei Jauch. Davor die Programmplätze des Fernhsehers neu geordnet. Davor ein Wigald Boning
Proträt in Spiegel Interview. Danach ein Film über Spielmaschinen in den
USA.

warum lesen Sie
nicht mal wieder n Buch?
das Wetter

meint Ulrich Wickert, zum Abschluß seiner Tagesthemen. Im Anschluß an
den Bericht von der Leipziger Buchmesse.« (S. 140/41)

Von Ein-Wort-Einträgen, über Einkaufszettel und andere Nebensächlichkeiten, schafft Goetz es immer wieder intellektuelle Höhen zu erklimmen und spektakuläre Reflexionsschleifen eingänglich darzustellen. Diese synchronistische Daten-Darstellung kommt zunächst befremdlich daher, da der Leser in diesem ›Pool-of-Consciousness‹ einen langen Atem braucht, um Land zu sehen. Doch die Leuchttürme der Pop-Kultur retten vor dem Untergang, denn früher oder später taucht eine Referenz auf, die den Leser wieder auf Kurs setzt.

Texttrotz

Eindrucksvoll decken sich bei der Lektüre von Abfall für alle die Probleme des Lesers mit denen des Erzählers. Das Verhältnis von Fiktion und Realität, subjektiv und objektiv und eben Produktion und Rezeption werden umfassend behandelt und machen diesen Roman zu einer sehr intensiven Lektüre.

»630. Plötzlich kams mir: daß das FIKTIVE natürlich der Ort des PRIVATEN ist. Da ist es dann sozial gehalten und gefaßt. Und daß das Nichtfikitive, das sozusagen AUTHENTISCHE fürs ALLGEMEINE zuständig wäre. Also genau umgekehrt als man doch im ersten Moment so denken würde, ganz automatisch auch denkt. Bloß ein unklarer Instinkt einem sagt: irgendwas daran stimmt nicht so ganz. Daran hatte ich vor Morgengrauen rum gemacht, ergebnislos, an diesem Problem. Immer verzwirbelter. Unter der Dusche löste sich das dann auf, im Wasser, ja. (…) Gerade solche Allgemeinheiten sind ja zugleich das Allerprivateste. (…) Bloß ob sie für andere genauso wichtig sind wie für einen selber im Moment, ist sehr die Frage. « (S. 125)

Die titelgebende Frage nach dem Abfall ist die Frage nach dem Standort der Kunst innerhalb der zeitgenössischen Welt. Gibt es eine Grenze zwischen High-Culture und Low-Culture? Ist eine Unterscheidung überhaupt zulässig? Und natürlich: Liegt die Kunst im Objekt selbst oder im Verständnis des Betrachters?

„Das Fernsehen ist DER öffentliche Raum überhaupt, über allen, für alle, das Firmament. Was jeder sehen kann, wie er will, nach vollkommen eigenem Ermessen, nach eigener Lust.” (S. 120)

Abfall für alle bietet eine programmatische Antwort auf diese Fragen, indem der Erzähler mit sich selbst über diese Möglichkeiten und Standpunkte diskutiert, mit sich hadert, verwirft und neu ausprobiert. Die Kunst von Goetz ist die Gabe der reflektierenden Beobachtung. In dem er darstellt ohne zu werten kann er Grenzen überwinden. Alles ist gleichwertig, alles hat die Berechtigung zum Ästhetischen. Doch wohin damit? Natürlich auf den Müll, dann kann sich jeder rauspicken, was ihm am besten gefällt.

ALLgemein

»1133. Andere machen Post, gehen mit dem Hund raus oder bringen ihre Kinder in die Schule. Ich mache Abfall. Und werde davon im guten Fall ruhiger, konzentrierter und geordneter für die eigentliche Arbeit am Text.« (S. 129)

Die Pointe dieses Roman(s) eines Jahres ist, dass sich Goetz ausgerechnet für den Abfall entscheidet. Abfall für alle ist eine Müllkippe für Gesagtes, Gedachtes, Erlebtes, Verschwiegenes, das eben doch mitgeteilt werden will. Für das es keinen Ort gibt an dem es abgelegt werden könnte, ausser in diesem Abfall-Format der Literatur. Das abweichende Format sowie die sprachliche und stilistische Rafinesse erzeugen den Eindruck von Anarchie im Text, als Text. Abfall für alle verwirft die geltenden Regeln der Kunst und probiert völlig Neues aus. Wild, chaotisch, zuweilen gehetzt teilt der Erzähler seine Eindrücke mit. Präsentiert dem Leser schnelle Bilderfolgen, wie ein 90er-Jahre Technoclip. Immer mehr immer weiter immer schneller. Alles ist Kunst alles ist Müll: alles ist für alle!

Goetz, Rainald: Abfall für Alle. Roman eines Jahres (Online-Tagebuch, 1998/99, 5.5.). Frankfurt am Main: Suhrkamp, 1999. 864 Seiten. ISBN 987-3-518-45542-5. Euro 19,50.

»Man denkt noch rasch an Geld und solche Dinge«

Ute Friederich — Tue, 17 Jan 2012 07:00:00 +0000

Das 23. Heft der »Kritischen Ausgabe« (»K.A.«) wird sich dem Themenschwerpunkt »Geld« widmen. Damit wendet sich die »K.A.« einem Begriffsfeld zu, dessen anhaltende Aktualität gerade mit Blick auf die finanzpolitischen Entwicklungen in Europa außer Frage steht. Aber nicht nur politisch ist dieses Thema immer wieder aktuell und wird es wohl auch im Jahr 2012 bleiben. Auch in Literaturproduktion und -wissenschaft hat es in den letzten Jahren gleichermaßen verstärkte Beachtung gefunden.Prominente Beispiele sind Christof Magnussons Roman Das war ich nicht oder der Essay Das Gespenst des Kapitals des Berliner Literaturwissenschaftlers Joseph Vogl. »Geld« wurde jedoch nicht erst nach der Jahrtausendwende als literarisches Thema entdeckt. Bereits im 18. Jahrhundert entwickelte es sich zu einem der großen Motive der Literatur.

Der 1919 gestorbene, österreichische Schriftsteller Peter Altenberg schrieb: »Geld ist eine vollkommen gleichwertige Kraft zur Erhaltung unseres Organismus wie unsere übrige Nervenkraft. Es ist ganz ebenso ein Erzeuger, Erhalter, Steigerer unserer Gesamt-Lebens-Energien.« Geld ist also nicht lediglich ein Thema, das von der Literatur in vielfältiger Weise aufgegriffen wird, die Beziehung zwischen beiden ist komplexer, sind doch beide Mittel, die demselben Zweck dienen: dem Austauschen von Inhalten und dem Transport von Werten vermittelt durch bestimmte Zeichen. Und noch etwas wird in den Worten Peter Altenbergs deutlich: die Schnittstelle zwischen Geld und Persönlichkeit bzw. das spannungsreiche Verhältnis zwischen Individualität und Kapitalismus.

Für ihr nächstes Themenheft sucht die »Kritische Ausgabe« wissenschaftliche Beiträge, die sich dem oben skizzierten Thema widmen und es nicht nur aus literaturwissenschaftlichem Blickwinkel beleuchten, sondern sich dem Thema »Geld« auch aus der Perspektive anderer wissenschaftlicher Disziplinen nähern.

Wir möchten Sie zunächst bitten, Ihr Thema in einem kurzen Exposé von etwa 3.500 Zeichen (inklusive Leerzeichen) zu skizzieren. Bitte schicken Sie dieses Exposé bis einschließlich Mittwoch, den 29.02.2012, an: heft@kritische-ausgabe.de.

Sie erhalten dann bis zum 31.03.2012 eine Rückmeldung zu ihrem Exposé, in der wir Sie ggf. um einen ausführlich formulierten Beitrag bitten, den Sie bitte spätestens am 31.05.2012 einreichen. Der Text sollte einen Umfang von 18.000 Zeichen (inklusive Leerzeichen und Anmerkungsapparat) nicht überschreiten. Erscheinungstermin des Heftes: Oktober 2012.

Wir freuen uns auf Ihre Beiträge!

Einfältig? Nein, präzise, nüchtern & sensibel!

Mon, 16 Jan 2012 07:00:00 +0000

»Die Erde dreht sich, und man kann nur warten, daß sie sich weiterdreht und sich dadurch die Perspektive ändert, so daß man die Dinge eben auch mal wieder anders sieht.« Insgesamt 29 kleinere und größere Perspektivwechsel, verpackt als Simple Storys, bilden beziehungsweise entschlüsseln auf 320 Seiten den Roman aus der ostdeutschen Provinz.

Ingo Schulze, 1962 in Dresden geboren, lebte vier Jahre in Altenburg, dem Hauptschauplatz seines 1998 im Berlin Verlag erschienenen Romans. Im selben Jahr erhielt er dafür den Berliner Literaturpreis mit Johannes-Bobrowski-Medaille.

Obschon sich viele Gründe für den Erfolg des Romans und dessen Auszeichnung finden lassen, wird schnell deutlich: Die äußere Handlung ist keiner davon. Hat man diese und die Zusammenhänge zwischen den etwa 20 Protagonisten erst einmal entwirrt und zusammengepuzzelt, wird man schmerzlich feststellen, dass man daran seine Zeit verschwendet hat – sie sind einzig Instrument des Erzählers. Ingo Schulzes Intention, die Auswirkungen der Wende in Ostdeutschland, im von ihm gewählten Zeitraum von 1990 bis 1997, aufzuzeigen, erreicht den Leser auch ohne sie.

Die Geschichte einer Entwicklung, besser gesagt eines Zusammenbruches, des ehemaligen SED-Mitglieds Ernst Meurer wird auffällig deutlich und aufwendig in den Roman eingeflochten. Ihm wird aufgrund eines noch vor der Wende verfassten Leserbriefs die Zugehörigkeit zur Stasi nachgesagt, worauf er seine Arbeit als Schuldirektor kündigt und aus der Partei austritt. Nachdem er im Februar 1990 auf einer Italienreise mit dieser Vergangenheit konfrontiert wird, setzen bei ihm Misstrauens- und Verschwörungsängste ein. Diese erreichen ihren Höhepunkt mit Meurers Warnschuss aus seiner Gaspistole im Treppenhaus, mit dem er sich endgültig Ruhe verschaffen will, und enden mit der anschließenden Einweisung in die Psychiatrie. So platt bekommt der Leser die Akte Meurer selbstverständlich nicht vorgelegt. Sie bildet sich aus Reiseberichten oder Psychiatriebesuchen, berichtet aus immer wechselnden Perspektiven, langsam heraus.

Oder nehmen wir eines der wenigen persönlichen Aufeinandertreffen zwischen Ost- und Westdeutschland in der zweiten Story. Connie Schubert kellnert im »Wenzel« – Harry Nelson war ein gern gesehener Gast aus Frankfurt, der in der Gegend nach Bauland suchte. Diese Episode endet damit, dass Connie Schubert von Harry Nelson vergewaltigt wird und beide die Stadt nach kurzer Zeit in unterschiedliche Richtungen verlassen. Beide Personen tauchen im weiteren Verlauf nur noch als Randfiguren auf. Dennoch brennt sich die Geschichte ein. Vielleicht durch die prominente Stellung auf Nummer zwei, vielleicht dadurch, dass man schnell lernt Verknüpfungen zu erstellen oder alte Fäden aufzugreifen und hier enttäuscht wird. Vielleicht aber auch, weil Connie zu den wenigen gehört, die es rechtzeitig in den Westen geschafft haben und denen es dadurch besser ergeht.

Doch mehr als diese sparsamen Informationen, die vom Erzähler äußerst präzise gesetzt werden, braucht es nicht, um ein Gefühl für die Bitterkeit, den Zerfall und die Problematiken der Zeit nach der Wende zu erhalten. Dass, wie beispielsweise in Ernst Meurers Fall, aus immer wechselnden Perspektiven auf die Geschehnisse geblickt wird, verbindet die Erzählungen ebenso geschickt miteinander, wie deren klarer und punktgenauer Stil.

Man trifft als Leser nur vereinzelt auf starke Gefühle oder gar innere Monologe, auch wenn in 16 der 29 Storys ein Ich-Erzähler zu Wort kommt. Selbst die Wiedergabe unfassbarer Todesfälle, wie dem des verkannten Schriftstellers Enrico Friedrich, der nach einem Selbstmord im Treppenhaus von seinen Nachbarn gefunden wird, ist nüchtern und protokollarisch.

Friedrich lag eine Treppe höher unterm Fenster, das Gesicht nach unten, das rechte Bein unnatürlich verdreht. Erst nach einer Weile bemerkte ich das Blut, das ihm aus Mund und Nase lief. Sein linkes Auge war geöffnet, das rechte nicht zu sehen. Niemand wollte Friedrich berühren. […] Zuerst dachte ich, Friedrich habe wohl selbst gemerkt, daß niemand sein Zeug lesen wollte, und sich deshalb kopfüber die Treppe heruntergestürzt. Petra sagte jedoch, das sei noch lange kein Grund, sich umzubringen.

Eine weitere Besonderheit sind die Momente, in denen die Handlung durch das sensible Beobachten des Erzählers in den Hintergrund gerückt wird. In »Kapitel 16 – Büchsen« trifft Schwesternschülerin Jenny auf Marianne Schubert, mit deren Mann sie noch bis zu seinem Tod eine Affäre hatte und sie unterhalten sich. Worüber ist egal. Das Wesentliche ist die Aspirintablette im Wasserglas, die immer wieder das Gespräch unterbricht:

Sie zog das Glas zu sich heran und ließ eine Aspirintablette aus der Verpackung ins Wasser fallen. […] Beide Frauen beobachteten die Aspirintablette, die sich am Glasboden wie eine Flunder bewegte. […] »Wie Brausepulver«, sagte Jenny. […] Die Tablette schwamm an der Oberfläche. Einzelne Stücke lösten sich ab und trieben zum Rand. Aus dem Glas sprühte es auf den Briefumschlag. […] Die Frau hielt das Glas mit der aufgelösten Tablette in der Hand. […] In dem leeren Glas war von der Tablette ein schmaler weißer Ring zurückgeblieben. […] »Ist Ihnen besser – mit der Aspirin?«

Nimmt man sich also die Zeit, alle Handlungsstränge und Konstellationen aufzulösen und den Roman anschließend ein zweites Mal zu lesen, gleicht dieser das Entwirren und Puzzeln mit all seinen Besonderheiten aus und Erfolg und Auszeichnungen erweisen sich als durchaus angemessen.

Schulze, Ingo: Simple Storys. Ein Roman aus der ostdeutschen Provinz. München: Deutscher Taschenbuch Verlag, 1999. 320 Seiten. ISBN 978-3-423-12702-8. Euro 9,90.

Gekommen um zu bleiben?

Benedikt Viertelhaus — Wed, 11 Jan 2012 17:39:49 +0000

Es ist kein großes Geheimnis, daß sich Gegenwartsliteratur weder als Ganzes erfassen noch sinnvoll kategorisieren läßt. Zu groß ist die Zahl der jährlichen Veröffentlichungen, zu unübersichtlich die verschiedenen Strömungen. Anders als bei zeitlich weiter zurückliegenden Publikationen, haben hier noch wenige Kräfte gesiebt. Umso bemerkenswerter ist es immer wieder, wenn ein Kritiker wie zuletzt der Feuilletonredakteur der Welt Richard Kämmerlings mit seinem Buch Das kurze Glück der Gegenwart. Deutschsprachige Literatur seit `89 eben diesen Versuch unternimmt, einen ersten Überblick zu bieten.

Daß dabei ein vor allem persönlicher Einblick in die deutschsprachige Literatur aus etwas über 20 Jahren herauskommt, wundert kaum. So betont Kämmerlings in dem schmalen Bändchen wiederholt, daß einzelne Bücher ihn selbst besonders geprägt haben, und so wird klar, warum einige Texte stärkere Beachtung finden als andere, an die man selber vielleicht gedacht hätte. Dennoch versucht er zu verdeutlich, was für ihn Kriterien eines guten Romans sind. Seine Hauptforderung an Gegenwartsliteratur ist, daß sie die Gegenwart verhandeln soll. Interessanterweise beginnt er das erste Kapitel, »Jeschichte wird gemacht: Berlin als Topos des Terrors«, jedoch nicht mit Büchern, die über die Gegenwart im strengen Sinne berichten, denn mit Terror ist, wenig verwunderlich, der Naziterror des vergangenen Jahrhunderts gemeint.

Der Gegenwartsroman der frühen neunziger Jahre ist daher zuallererst ein Vergangenheitsroman, denn die Rückkehr dieser Vergangenheit war gerade ein Teil dieser Gegenwart.

Somit wird klar, daß er mit Gegenwart auch eine gewisse Kollektiverfahrung seiner Generation meint, die für uns heute eine solch prägende Bedeutung verloren haben dürfte: Es ist schwer, Marcel Beyers recht komplexen Roman Flughunde die Relevanz beizumessen, die Kämmerlings ihm gibt. Indem er darstellt, daß hier ein Buch vorliegt, das »angesichts der realen, neu zugänglichen Topographie [...] selbst Arbeit am neuen Berlin Mythos« ist, verdeutlicht er, daß die NS-Vergangenheit damals besonders in die Gegenwart ragte: »Beyers Roman reagiert seismographisch auf das Geschichtsgefühl der neunziger Jahre.« Daran, daß Flughunde eigentlich ein historischer Roman ist – der intelligent ist, aber kaum berührt – ändert diese Einordnung in die damalige Gegenwart kaum etwas, seine Wichtigkeit für die damalige Zeit können wir Kämmerlings heute nur glauben oder nicht.

Seine Aufzählung, er wisse »einfach nicht, was Julia Francks Mittagsfrau, Daniel Kehlmanns Vermessung der Welt oder Tellkamps Turm mit der Gegenwart zu tun haben«, könnte man heute um Beyers Flughunde guten Gewissens erweitern. Andererseits gilt für Überbleibsel der DDR das gleiche wie für das, was er für Berlin der 90er Jahre feststellt: »In Berlin ragen die Reste einer immer noch nicht bewältigten Vergangenheit in die Gegenwart.« Warum, so drängt sich beim Lesen auf, paßt also Tellkamps Roman dann nicht auf gleiche Weise in sein Gegenwartskonzept?

Sieht man jedoch von seinem nicht immer nachvollziehbaren Beharren auf der Forderung nach Gegenwärtigkeit der Literatur ab, erweist sich sein Einblick in die letzten Jahre deutschsprachiger Gegenwartsliteratur als sehr erhellend. Spannend sind nicht nur seine Erinnerungen an schon fast wieder Vergessenes, sondern natürlich auch Hinweise auf Nichtwahrgenommenes. Aufgabe des Kritikers ist es, die neuen Bücher zu sichten und zwischen Lob, Verriß oder Nichtbeachtung zu entscheiden. Die Tendenz, Rezensionen im Daumen-hoch oder -runter Modus zu verfassen und Bücher nicht weiter einzuordnen, hat in Zeiten von Amazonkundenrezensionen leider oft auch in Tageszeitungen Einzug gehalten und so fordern Rezensenten scheinbar immer seltener von sich, das gesamte Werk eines Autors gesichtet zu haben. Mitunter schaffen sie es sicher einfach auch aus Zeitmangel nicht, umfangreichere Bücher in gleicher Genauigkeit wie schmalere zu betrachten, wie Jörg Sundermeier in einem Artikel vergangenes Jahr andeutete. Konsequent ist Kämmerlings Versuch also vor allem auch in der Hinsicht, sich für einen Überblick mehr Zeit und Raum zu geben, als dieser in den Tageszeitungen gegeben wäre, und somit auch alte Fäden aus seinen Rezensionen wieder aufzunehmen.

Kämmerlings und die Literatur

Kämmerlings betrachtet die Literatur vor allem anhand von Themen des Zeitgeschehens seit 1989. Auf das Kapitel über »Berlin als Topos des Terrors« folgen acht weitere Kapitel, die sich u. a. mit der Frage, warum Krieg in der deutschen Literatur trotz z.B. des Jugoslawienkonflikts kein Thema sei, der Wiedervereinigung oder zeitlosen Themen wie dem Tod beschäftigen. Mit jedem der Abschnitte fokussiert Kämmerlings die Darstellung von vier bis fünf Werken, oft lobend, mitunter auch kritisierend, wenn sie zum Beispiel seiner Meinung nach das Thema knapp verfehlten, das er als das eigentliche Hauptthema erwarten würde.

Seine Reise durch die Literatur der letzten Jahre schreibt Kämmerling in lockerem, mitunter süffigem Ton und man merkt ihm seine Lust an der Literatur an. Daß er hierbei auch gezielt den Wiederspruch sucht, zeigt, wie er seine Forderungen an die Literatur, die er im Vorwort ausführt, formuliert:

Das Historische im Roman darf kein Selbstzweck sein, schon gar nicht nur bunte Kulisse, sondern muss immer auch »Vorgeschichte« des Heute sein, wie eine Krankheit oder ein Verbrechen eine Vorgeschichte hat.

Das schreibt er, nicht ohne zuvor äußerst prägnant In seiner frühen Kindheit ein Garten von Christoph Hein oder Die Mittagsfrau von Julia Franck niedergebügelt zu haben. Franck schildere in ihrem Roman »eine Weimarer Republik [...], die wie von einem Kostümfilm über die Goldenen Zwanziger abgepinselt wirkt.« Das macht Freude und verspricht eine unterhaltsame Lektüre seines Buches.

Mitunter sind die in den einzelnen Kapiteln fokussierten Bücher zu ausführlich beschrieben und man hätte sich einen breiteren Einblick in die Literaturproduktion der verhandelten Jahre gewünscht. So stellt er selbst fest, daß »moderne Klassiker« wie Christa Wolf, Martin Walser oder Peter Handke »zu kurz gekommen« sind. Doch gehören sie nicht zu dem, was er »im weitesten Sinne als Zeitgenossenschaft« empfindet. Dabei wäre gerade der Blick auf einen modernen Klassiker, den er in seiner Erklärung interessanterweise ausläßt, nicht minder wichtig, wenn man die gegenwärtige Auseinandersetzung mit der Geschichte des Naziterrors als gegenwärtig akzeptiert: In Beim Häuten der Zwiebel beschreibt Günter Grass deutlich intensiver die Nazizeit als Marcel Beyer. Grass‘ Buch ist zugleich eine Auseinandersetzung mit dieser und das Eingestehen der eigenen Schuld, was ihn offensichtlich Jahrzehnte später noch beschäftigt. Damit ist dieser Text gegenwärtiger als Marcel Beyers Flughunde, denn man sollte nicht vergessen, daß gerade Grass durch seine in Beim Häuten der Zwiebel umkreiste Mitgliedschaft in der Waffen-SS und die darauf folgenden Diskussionen Gegenwart erzeugte, wie es Literatur nur selten gelingt. Hier war weniger die Gegenwart Auslöser für den Roman als dieser Auslöser einer breiten Debatte, die auch vor Leuten nicht verborgen blieb, die sich sonst kaum mit Literatur beschäftigen.

Die besten zehn Bücher der letzten 20 Jahre

Daneben bietet auch der von ihm aufgelistete Kanon von zehn Büchern (der Klappentext kündigt diese als die »besten zehn Bücher der letzten 20 Jahre« an), die er wiederum explizit als rein persönlichen betrachtet, Gelegenheit zu einem wunderbar produktiven Streiten. Thomas Hettches Die Liebe der Väter zum Beispiel, das er ausgiebig thematisiert und den er auch als einen herausragenden Autor immer wieder – oft sehr kritisch – behandelt, ist in seiner Liste eine Leerstelle, über die zu sprechen wäre. Aber das Schöne an seinem Buch ist eben, daß man darüber diskutieren kann, welche Publikationen nun als die wichtigsten Titel der Gegenwartsliteratur der letzten Jahre zu gelten haben.

Anlaß, sich die zehn Bücher genauer anzusehen, ist sein Text allemal. Dies greifen die Redakteure der Kritischen Ausgabe in unterschiedlichen Herangehensweisen auf, indem sie die Bücher wieder- oder neulesen. Unsere Meinungen zu lesen und gegebenenfalls auch zu diskutieren, möchten wir Sie in unserem Onlineschwerpunkt einladen.

Richard Kämmerlings: Das kurze Glück der Gegenwart. Deutschsprachige Literatur seit `89. Stuttgart: Klett-Cotta 2011. 208 Seiten. ISBN: 978-3-608-94607-9. 16,95 Euro.

Faust und das Ewig-Weibliche

Marcel Diel — Thu, 05 Jan 2012 23:01:00 +0000

Körper, Geist und Seele: Daran knüpfe ich an. Eine wichtige Gestalt der deutschen Literatur überschreibt seine Seele dem Teufel. Der Film Faust des Russen Alexander Sokurow bekam am 11. September 2011 den Goldenen Löwen der Filmfestspiele von Venedig. Michael Fassbender spielt den Faust in dem auf Deutsch gedrehten Film. Weitere Darsteller: Florian Brückner und Hanna Schygulla. Es geht um einen Sexsüchtigen, und wenn man las, der Regisseur habe den Stoff »ziemlich frei behandelt«, sollte das wohl bedeuten, dass von Goethes nach Wissen gierendem Geist, der seine Seele dem Mephisto verkauft, nicht viel übrig geblieben ist.

Vorbild für den Doktor Faustus könnte der gnostische Prophet, Wundertäter und Zauberer Simon Magus gewesen sein, von dem in der Apostelgeschichte ein Wortgefecht mit Petrus überliefert ist. Hans Jonas (1903–1993) schreibt in seinem Buch Gnosis, »dass Simon in der lateinischen Umwelt den Beinamen Faustus (›der Begünstigte‹) benutzte: dies zeigt, gemeinsam mit seinem ständigen Beinamen ›der Magier‹ und der Tatsache, dass er von einer Helena begleitet wurde, die, wie er behauptete, die wiedergeborene Helena von Troja war, dass wir hier eine der Quellen der Faustlegende der frühen Renaissance vor uns haben.«

Bei Goethe trifft Faust Helena im dritten Akt des zweiten Teils. Ihr Sohn Euphorion (gezeugt mit Achilleus) wurde von Zeus, dessen Liebe er nicht erwiderte, durch einen Blitz getötet und bittet seine Mutter: »Lass mich im Jenseits nicht allein.« Sie klagt noch: »Zerrissen ist des Lebens wie der Liebe Band. / Bejammernd beide, sag’ ich schmerzlich Lebewohl. / [...] Persephoneia, nimm den Knaben auf und mich.« Sie umarmt Faust und lässt ihm seine Gewänder zurück.

Die Gnosis war früher als das Christentum, wollte aber dennoch christlich sein. Simon Magus war ein Rivale der Apostel, und er machte keine halben Sachen: Er gab sich als die höchste Gotteskraft aus, noch über den Weltschöpfer erhaben, und seine Helena war »die aus den oberen Himmeln herabgeführte Weisheit, die Mutter des Alls«. Hans Jonas äußert sich bewundernd über Simons ›Unverfrorenheit‹.

Helena oder Luna gehörte zu einem Kreis von 30 Schülern des Dositheos (30 für jeden Tag des Monats), den Simon entmachtete, wobei auch Helena ihm zufiel. Also ließ er sich danach als Zeus, Helena als Athene verehren. Dass Simon sie aus einem Bordell in Tyros geholt habe, brachte der christliche Autor Irenäus in Umlauf. Die Christen taten, was sie konnten, um Simon in Verruf zu bringen.

Die Anima kann auch eine Hure sein

Der Schweizer Psychologe Carl Gustav Jung (1875–1961) erwähnt die Irenäus-Version in seinem Aufsatz Seele und Erde (1927). Darin spekuliert er über die Seele und stellt den Begriff vor, mit dem er bekannt wurde: den Archetypus. Archetypen sind der erdgebundene Anteil der Seele, vererben sich mit der Hirnstruktur und sind der Anteil, mit dem die Seele – »ein ausgedehntes Gebiet sogenannter psychischer Phänomene« – mit der Natur verhaftet ist.

Wir leben sozusagen seelisch im oberen Stockwerk eines Hauses, das nach unten hin immer älter wird und dessen Fundamente womöglich aus der Römerzeit stammen. Jung spricht von der Anima, die, weiblich gestimmt, die Emotionen des Mannes beherrscht, und vom Animus, der die Frau unterirdisch leitet, wie es in China die himmlische Schen- und die irdische Gui-Seele gibt.

Steinfigur im Etruskerort Tarquinia nordwestlich von Rom. (Foto: Manfred Poser)

Die Anima sei ein »überindividuelles Bild, das bei vielen, individuell sehr verschiedenen Männern genau übereinstimmende Züge aufweist, so dass man beinahe einen bestimmten Typus Frau daraus rekonstruieren könnte. Auffallend ist, dass diesem Typus das Mütterliche im gewöhnlichen Sinne des Wortes durchaus fehlt. Sie ist Gefährtin und Freundin im günstigsten Falle, im ungünstigsten ist sie eine Hure.« Das alte Zerrbild Heilige/Hure, das Ewig-Weibliche!

Der Philosoph Hans Leisegang (1890–1951) widmet in seinem Buch Die Gnosis dem Simon Magus 50 Seiten. Die Gnosis wurde nach Christi Kreuzigung in vielen Abwandlungen bis zum Jahr 300, vor allem durch den Perser Mani, zu einer Weltreligion. Das Christentum sah sich in Bedrängnis. Was mich nun an der Gnosis und für diesen Beitrag interessiert, ist die weibliche Komponente der Lehre.

Leisegang erwähnt Simons drei Prinzipien: den männlichen Geist, den weiblichen Gedanken (die ›Ennoia‹ oder ›Sophia‹) und dazwischen, im Luftraum, den mannweiblichen Weltschöpfer. Bei Xenokrates und den Pythagoreern entlässt der Weltgeist oder Schöpfer (als die 1) »die Zweiheit aus sich heraus [...] Diese Zweiheit ist die Weltseele; sie ist die Göttermutter [...] Der Weltgeist als das männliche Prinzip und die Weltseele als das den Geist in sich aufnehmende weibliche bringen als ihren Sohn den Kosmos hervor.« Hier hat die Frau ihre Rolle bei der Entstehung der Welt.

Die verschwundene Prophetin

In dem Buch Leisegangs wird auch erwähnt, dass es in Griechenland den Typus der Prophetin gab. »In allen Mysterien kam der Frau eine führende Rolle zu.« Der Dionysoskult, eine mystische Bewegung, wurde von Frauen getragen, und die Weissagung oder Interpretation von Zeichen (Mantik) wurde ausgeübt »von Pythien, Kassandren und Sibyllen, die vom göttlichen Pneuma befruchtet mit ›rasendem Munde‹, ohne ihrer eigenen Sinne mächtig zu sein, ihre Prophezeiungen ausstießen«.

Wo es sich um Ekstase oder Mystik handelte, war die Frau präsent. Und im gnostischen Weisheitsbuch Pistis Sophia (zwischen dem 2. und 5. Jahrhundert geschrieben), in dem Jesus seine Rettung der Sophia beschreibt, dürfen Maria, Martha und Salome ungeniert sich am Gespräch beteiligen wie auch Johannes, Philipp und Petrus, und letzterer beklagt sich sogar über Maria, die »dauernd redet und keinen zu Wort kommen lässt«.

Noch einmal Hans Leisegang: »So ist die Rolle, die Helena in der Simonlegende spielt, von hier aus wohl zu verstehen, während sie dem Juden durchaus anstößig erscheinen musste; denn hier hatte die Frau in der Religion und der Religionsausübung so gut wie nichts zu sagen; sie war zeitweise unrein, und Priesterin konnte sie niemals werden.« Auch bei den Christen nahmen Männer die Sache in die Hand, und Ekstase, Mystik und Schwärmerei hatten keinen Platz mehr.

Eine Frau auf dem Berg (Säntis-Massiv, Herbst 2005. Foto: Manfred Poser)

Frauen durften zuhören, konnten vielleicht noch einen Orden gründen, Heilige werden oder ein paar Stigmata vorzeigen, die von Männern peinlich genau unter die Lupe genommen wurden. Dabei liegt auf dem Grund der Religion eigentlich das Mysterium. Davon wissen Männer wenig. Die Seele und die Frau oder das Dunkle und die Frau, vom Manne aus betrachtet, wird uns hier noch eine Weile beschäftigen.

»Das Mittelalter ist eine fremde Zeit, die fasziniert.«

Dirk Walbrühl — Tue, 27 Dec 2011 20:45:34 +0000

Rebecca Gablé ist seit Jahren ein Name auf deutschen Bestsellerlisten. Ihre historischen Romane entführen den Leser ins englische Mittelalter und die frühe Renaissance. Nicht zuletzt durch ihre sorgfältige Recherche wird die Zeit der Ritter und Burgen in ihren Texten wieder lebendig. Mit der Kritischen-Ausgabe sprach Gablé anlässlich des Erscheinens des Heftes »Zeit« (NR. 21) über die Fremdheit einer Vergangenen Epoche und die Möglichkeiten eines Autors, diese Lesern zugänglich zu machen.

Kritische Ausgabe: Warum glauben Sie, dass historische Romane bei den Lesern in der heutigen Zeit so erfolgreich sind?

Rebecca Gablé: Das hat natürlich auch etwas mit Eskapismus zu tun. Alles was schrecklich ist in historischen Romanen – Pest, Krieg mit Schwertern Mann gegen Mann, Obrigkeitswillkür oder Hungerwinter – bedroht uns in Westeuropa heutzutage nicht. Andersherum gab es im Mittelalter nicht, was uns heute bedroht. Es ist eine fremde Welt, in die man sich reinfallen lassen und dabei wirklich seinen eigenen Alltag völlig vergessen kann. Aber ich glaube, es gibt noch einen zweiten Grund. Leser wollen in Historischen Romanen auch etwas über die Vergangenheit lernen.

K.A.: Ist es dabei das spezifisch Historische der jeweiligen Zeit, was den Leser anspricht? Oder sind es am Ende doch überzeitliche Themen, durch die der Leser eine Verbindung zur heutigen Zeit herstellen kann?

Gablé: Ich glaube, es ist durchaus beides. Das Mittelalter ist eine fremde Zeit, die fasziniert. Die Neugierde auf die Vergangenheit geht dabei immer mit den Fragen einher: »Wie sind wir geworden, was wir sind?«, »Wo sind die Wurzeln all dessen?«. Zum anderen ist es immer wieder spannend zu entdecken, dass es universelle Themen gibt, die im Mittelalter schon genauso aktuell waren, wie sie es heute sind.

K.A.: Sie haben einmal in einem Interview gesagt, Sie würden lieber heute leben als im Mittelalter. Ihr aktueller Roman, Der dunkle Thron, spielt ein bisschen später, in der Renaissance. Wie ist es denn mit dieser Zeit?

Gablé: (lacht) Finde ich noch viel schlimmer als das Mittelalter. Die Renaissance war viel brutaler. Es wurden mehr Menschen verbrannt und es kommen schauderhafte neue Hinrichtungsmethoden auf. Das ist das Abstoßende neben all den Fortschritten, dem Prunk und der Pracht – eine Art merkwürdige Dekadenz im prächtigen Gewand. Da ist mir das Mittelalter viel lieber, das ist direkter, es ist ehrlicher.

K.A.: Sie haben sich als Autorin mit beiden Epochen ausführlich beschäftigt und sogar mit Von Ratlosen und Löwenherzen ein historisches Sachbuch über das Mittelalter geschrieben. War es für Sie dabei schwierig, sich in eine fremde Zeit einzufühlen?

Gablé: Man entwickelt dabei natürlich eine gewisse Routine als Autor. Aber so richtig schwer gefallen ist es mir mit dem Mittelalter eigentlich von Anfang an nicht. Meinen ersten historischen Roman, Das Lächeln der Fortuna, habe ich ja zum Spaß geschrieben, als ich noch Studentin war. Da habe ich mich mit Wonne ins 14. Jahrhundert gewühlt und versucht mir vorzustellen, wie das war, wie sich das angefühlt hat, wie das gerochen hat, wie sich das angehört hat – das hat mich immer eher beflügelt. Bei der Recherche zu Der dunkle Thron gab es da schon Unterschiede; allein die Masse an Quellen nach der Erfindung des Buchdrucks. Jeder, der irgendwie meinte, er hätte was mitzuteilen, hat es drucken lassen. Es war eine Art von Geschwätzigkeit, die mich sehr ans Internet erinnert. Das hat mich ein bisschen erschlagen zu Anfang.

K.A.: Wie überbrücken Sie in Ihren Texten die Distanz zwischen Gegenwart und Vergangenheit für den Leser?

Gablé: Ich versuche Distanz gar nicht erst aufkommen zu lassen. Gerade bei einem so umfangreichen Buch ist die Identifikation mit den Figuren wichtig. Es ist mir ein Anliegen zu zeigen, dass die Menschen nicht so grundlegend anders waren, als wir es heute sind. Auch verwende ich keine altertümliche Sprache, sondern streue nur ab und mittelalterliche Worte ein. Das baut Atmosphäre auf, ohne den Leser zu befremden. Immerhin verbinden wir, Leser und Verfasser, mit dem Mittelalter vor allem vertraute romantische Vorstellungen, mit denen wir in unserer Kindheit aufgewachsen sind. »Der Prinz und die Prinzessin auf der Burg«, das ist kultureller Bodensatz. Auch tatsächliche Romantik ist wichtig. Die Frage »Kriegen sie sich oder kriegen sie sich nicht?« baut Spannung auf und ist eine Einladung an die Leser, sich mit den Figuren zu identifizieren.

K.A.: Vor Identifikation ist natürlich auch ein Autor nicht gefeit. Mussten Sie sich beim Schreibprozess auch ab und an zurücknehmen, um auf eine historisch kritischere Ebene zurückzukehren?

Gablé: Graham Greene hat gesagt, Identifikation für den Autor sei schlecht. Aber ich sehe das anders, also ich tu das (lacht). Eine Gefahr steckt natürlich durchaus darin. Als Autorin entwickelt man von Buch zu Buch bestimmte Techniken, mit denen man Objektivität wahrt. Ich fertige von meinen Hauptfiguren vor dem Schreibprozess sehr exakte Psychogramme an. Dadurch lerne ich sie genau kennen und laufe nicht Gefahr, dass sie mir davonlaufen. Solange ich die Figuren unter Kontrolle hab, hab ich auch die Welt, in der sie leben unter Kontrolle. Identifikation mit den Figuren, ja, aber der Gott in dem Universum ist die Autorin.

K.A.: Zieht es Sie nach Ihrem ›Ausflug‹ in die Renaissance nun wieder zurück in das Mittelalter oder vielleicht sogar in eine ganz andere, modernere Epoche?

Gablé: Es sind auf jeden Fall die Geschichten des Mittelalters, die mich faszinieren. Es ist meine Lieblingsepoche. Den Schritt in die Renaissance habe ich als großes Wagnis empfunden, wie das Überqueren einer Hemmschwelle. Als Autorin könnte ich jetzt durchaus weiter in der Zeit gehen. Warum nicht einmal ins 17. Jahrhundert, wobei ich dabei im Moment noch das Problem hab, dass das die Epoche war, in der die Männer angefangen haben, Perücken zu tragen. Ich kann mir wirklich keinen Helden vorstellen, der so aussieht. Ein historisches Werk wie Von Ratlosen und Löwenherzen werde ich aber so schnell nicht nochmal tun. Es hat mir riesengroßen Spaß gemacht, aber es war wahnsinnig viel Arbeit.

K.A.: Angenommen, Sie wären im Besitz einer Zeitmaschine, die Sie ein einziges Mal benutzen könnten. In welches Jahr und wohin soll die Reise gehen?
Gablé: Sommer 1330 nach London. Es war ein schöner Sommer und eine Aufbruchszeit, Edward III übernahm gerade die Macht, ein neuer, junger König, auf den alle ihre Hoffnungen setzten und ich glaube, das wäre eine gute Zeit gewesen, um sich einmal im Mittelalter umzuschauen.

K.A.: Frau Gablé, wir bedanken uns ganz herzlich für das Interview.

Über Rebecca Gablé

Rebecca Gablé, geboren 1964 in Wickrath/Mönchengladbach, studierte nach einer Ausbildung zur Bankkauffrau an der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf Germanistik und Anglistik. 1995 erschien ihr erster kriminalroman Jagdfieber. Ihren Durchbruch feierte Gablé 1997 mit dem historischen Roman Das Lächeln der Fortuna. Neben einer Lehrtätigkeit an der Heinrich-Heine Universität veröffentlichte sie seither zahlreiche historische Romane, von denen die meisten zu Bestsellern wurden. Gablé ist Mitglied des Autorenkreis Quo Vadis und lebt in Wickrath.

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Benedikt Viertelhaus — Mon, 19 Dec 2011 06:00:00 +0000

Anscheinend hat Jan Brandt alles richtig gemacht: Sein schwergewichtiger Ostfriesland-Roman Gegen die Welt ist fast durchgängig positiv, ja begeistert rezensiert worden. Dabei verblüffen die literarischen Referenzen, die hergestellt werden. Weit führend in diesem Feld ist Edo Reents, der nicht nur einen (wie auch mir scheint naheliegenden) Bezug zu Frank Schulz herstellt, sondern mit Uwe Johnson, Thomas Mann (»Die Rekapitulation dieser einseitigen Liebe gehört zu den vielen Glanzstücken des Romans und ist der Homosexuellen-Schilderung von Hans Castorps Hippe-Erlebnis im Zauberberg an Einfühlsamkeit und Kühnheit überlegen«) und gar Dostojewski (»Die verschiedenen Spielarten des Gottsuchertums hätten den Brüdern Karamasow alle Ehre gemacht«) winkt. Naja. Hier soll vor Allem hochgejazzt werden.

Erzählrahmen
Was wird erzählt? Daniel Kuper wächst in der unaufregenden ostfriesischen Kleinstadt Jechiro auf. Zweimal bricht er auf rätselhafte Weise zusammen:
Zum ersten Mal 1986, im Alter von 12 Jahren. Er findet nach der Schule, in der er wieder seinem Peiniger Michael Rosing, genannt »Eisen« ausgeliefert war, sein Fahrrad angeschlossen mit fremdem Schloss und Schild mit einem Pfeil, der in ein Maisfeld weist. Später irrt er halbnackt im Schnee über die Dorfstraße:

Er konnte sich an nichts erinnern. Nur das Schloss, das Schild an seinem Fahrrad, und dass er ins Maisfeld hineingegangen und dort auf eine Lichtung gestoßen war. Dann hatte ihn das Kälteschockelement schockgefroren und zu einem Kind der Minuswelt werden lassen - der Körper von Raureif überzogen, die Augen hart wie Diamanten, die Gegenwart erstarrt.

In der folgenden Zeit deliriert er v.a. von Außerirdischen, die ihn im Mais heimgesucht haben:

Eisen, Schloss, Schild, Fahrrad, Feld, Lichtung, Mais, Mais, Mais, Mais, Mais, Mais, Mais, Mais, Mais, Mais, Mais, Mais, Mais, Mais [... es folgt 341 mal das Wort Mais] Mais, Mais, Mais, Lichtung, Feld, Fahrrad, Schild, Schloss, Eisen.

Danach ist die Seite voll. Es ist die Seite 132 eine von 927 gezählten Seiten (am Anfang sind 6 nummerierte Seiten nur leer, am Ende des Buches noch einmal 6). Was genau geschah, bleibt ungeklärt.

Gegen Ende der Erzählung, mit 16, bricht Daniel bei einer Hausdurchsuchung in seinem Elternhaus, dem Haus des Drogeristen Bernhard »Hard« Kuper und seiner Frau Birgit erneut zusammen. Daniel, ist dabei erwischt worden, wie er versuchte, die zunehmend im Dorf auftauchenden rechtsradikalen Graffitis zu übermalen. Nun aber wird er mit einer neuen Art von Graffitis in Verbindung gebracht, die nachts leuchten und die Bausubstanz langsam auflösen. Die Verdächtigungen schaden nicht nur seinem Ansehen, sondern auch Hards Drogerie, die allerdings v.a. von der sich rapide ausbreitenden Schlecker-Kette in Bedrängnis kommt.

Als Daniel (auf inzwischen S. 774) wieder erwacht, ist die Schriftfarbe des Romans in ein sich zunehmend zurechtdunkelndes Hellgrau verblichen. Damit (und das setzt sich auf den nächsten Seiten bis zur Seite 852 gelegentlich so fort) soll vermutlich graphisch unterstrichen werden, dass er gelegentlich nicht ganz klar ist, nicht ganz klar kommt.

Beide Zusammenbrüche lassen sich mit dem in Jechiro sehr einflussreichen Bauunternehmer Rosing in Verbindung bringen, der mit rechtsradikalem Gedankengut den Bürgermeisterposten in Jechiro anstrebt. Rosing, dessen Frau bei einem Autounfall ums Leben kam, zieht alleine seine 13-jährige, geistig zurückgebliebene Tochter Wiebke und seinen Sohn Michael groß. Michael ist es am Ende, der anscheinend Daniel Kupers Verderben herbeiführt, indem er dafür sorgt, dass Daniel verdächtigt wird, in ein Zelt mit Jugendlichen getreten und gestochen zu haben. Daniel taucht daraufhin unter, wird schließlich verhaftet und scheint am Ende der Polizei nun alles erzählen zu wollen, was vorher passiert ist.

Umrahmt werden die beiden Schlüsselelemente von der Bekanntschaft Daniels mit Volker Mengs. Familie Mengs ist am Anfang des Romans nach Jechiro gezogen und der geschäftstüchtige Drogerist Kuper lädt den Lehrer mit seiner Familie zum Essen ein. Beim Versteckspielen entdecken Daniel und Volker Mengs das ultimative Versteck in Kupers Bungalow. Von dem aus eröffnet sich ein Blick auf das Dorf, der sich so liest:

Im Norden könnte man das Komponistenviertel, die Ausschachtungen, die Mülldeponie und die Kreisstadt sehen, im Westen die Bahngleise, das Stellwerk, die Molkerei und Schlachterei und den Hammrich dahinter, das Strandhotel, die Puddingfabrik drüben am Deich, Im Süden Petersens Poolhalle, den Güterschuppen, Rosings Werkstätten, den Raiffeisen-Markt

usw., eine Dreiviertel-Seite lang. Wer dabei an die Listen-Wut von Rolf-Dieter Brinkmann oder die Listen-Verliebtheit von Alfred Döblin denken will, der mag das gerne tun, es ist aber wohl doch nur eine Liste. Nun könnte man sagen, dass man im Laufe der Erzählung die meisten dieser Orte irgendwie kennengelernt haben wird, dass dies langweilige Panorama also einen Ausblick auf den langweiligen Handlungsort biete und das wäre ja auch richtig; aber langweilig ist es doch.

Am Ende wechselt die Erzählperspektive zu Volker Mengs , abrupt sind wir in der Gegenwart angekommen, Mengs ist inzwischen Pastor Mengs in Verden und gesteht nun, dass er vom ersten Tag in der Schule an in Daniel verliebt war, nur ist es nie soweit gekommen, dass sich diese Zuneigung hätte äußern können. Auf den gut 800 Seiten zwischen diesen beiden Rahmenerzählungen tritt Mengs nur gelegentlich in Erscheinung, in Erinnerung bleibt er v.a. als Banknachbar Daniels in der Realschule.
So wirkt der Erzählrahmen merkwürdig zusammengehauen, zusammengezwungen, zusammenkonstruiert, man weiß nicht recht, was das soll. Auf den ungefähr 600 Seiten dazwischen wird zwangloser erzählt. Beschrieben werden einige Stationen von Daniel Kupers Aufwachsen, die Tode seiner drei besten Freunde, mit denen zusammen er einst Peter Peters mobbte, bis dieser sich auf die Gleise legte. Erzählt wird die Geschichte des Lokführers, der diesen dann überfuhr und auch die unerschöpfliche Fremdgeherei von Daniels Vater Hard. Nach und nach lebt man sich in die Kleinstadt ein und kennt einige zig Personen so ein wenig, ohne dass vor Ort ansonsten viel »Weltbewegendes« passierte. Das gibt es nur außerhalb, denn das Romangeschehen ist um den Mauerfall herum gruppiert.

Gutes Buch ...
Dass man den Roman trotzdem gerne und zügig lesen kann, liegt v.a. an zweierlei:

Zum einen ist das Buch gut geschrieben, die Diktion sachlich und präzise, die Dialoge (das Buch ist über weite Strecken szenisch erzählt) sind waschecht. Immer wieder finden sich hübsche Zuspitzungen; um nur irgendein, beliebig herausgegriffenes Beispiel zu nehmen: Wenn Hard Jahre später Theda, eine flüchtige Liebe von früher, im Dorf begegnet,

unterhielten sie sich auf der Straße, beim Spaziergang im Hammrich wie zwei alte Freunde, die eine Vergangenheit, aber keine Gegenwart und Zukunft haben, höflich und aufmerksam, aber ohne echtes Interesse.

So etwas sitzt, und es klingt auch gut, Chapeau.

Zum zweiten ist die oben angedeutete Schwäche, das häufig etwas Listenhafte des Buches eben doch auch eine Stärke. Firmennamen, Albentitel, Baumaterialien, Straßennamen, KFZ-Typen, Fußballspieler, man könnte nun lange so weiter machen, die konkrete Benennung hat in einer solchen Intensität wie in einem so dicken Buch eine eigene poetische Qualität, Musikalität und Anschaulichkeit. Und natürlich zuckt man immer wieder zusammen: so staubig, so museal ist dieser ganze Plastikschrott unserer westdeutschen Vergangenheit also 20 Jahre später schon.

... aber
Zusammengefasst bleibt ein zwiespältiger Eindruck. Natürlich sind die Versuche, diesen Roman mit Uwe Johnson oder gar Dostojewski in Verbindung bringen zu wollen, unsinnig. Näherliegend ist wohl, eine gewisse Nähe zu Autoren wie Frank Schulz, Eckardt Henscheid oder Heinz Strunk auszumachen, die realiengesättigte Provinzerfahrung aus komisch eingeschränkter Perspektive erzählen. Allerdings spielt der Liebes- und Erotikwahn erstaunlicherweise kaum eine Rolle in Daniels Heranwachsen. Und der Humor in Brandts Buch ist sehr dezent, ja über weite Strecken bis zur Unspürbarkeit dezent, das ist ein sehr zurückhaltender Humor, eher so eine Art flächiger Dauer-Ironie und das befreiende Lachen, ohne das man die drei genannten Autoren wohl nicht so lieben würde, überkommt einen hier nur sehr angelegentlich. Vielleicht liegt das daran, dass sich, wenn man denn alles richtig macht, Humor wohl kaum wie von selbst einstellt. Vielleicht aber war diese Art von Befreiung auch gar nicht Jan Brandts Ziel. Dann aber fragt sich schließlich doch: was denn dann? Heimatkunde? Coming of Age? Alltagsarchivik? Irgendwie will das Buch wohl all das und auch noch viel mehr, man ist dann schnell beim Totalen als Ziel der Kunst. Auch der Klappentext spielt hiermit, indem er über 300 Realia aus dem Roman anführt, Wörter wie »Lavalampen« und »Mettbrötchen«. Jedes Kaff ist ein ganzer Kosmos, soll all das also heißen. Wenn es im Roman eine solche Totalität über die Aufzählung hinaus wirklich gibt, so hat sie sich mir nicht erschlossen. Wenn es sie nicht gibt, sondern stattdessen nur einen Haufen von disparaten Elementen und Zielstellungen, dann bleibt die Vermutung, da sollte mit einem 900-Seiter eine Aufmerksamkeit erregt werden, die einem 250-Seiter nie und nimmer zuteil geworden wäre. Von hier aus hätte dann der Einleitungssatz über einen Autor, der anscheinend alles richtig gemacht hat, einen irgendwie schalen Beigeschmack.

Jan Brandt: Gegen die Welt . Köln: DuMont Buchverlag, 2011. 928 Seiten. ISBN: 978-3-8321-9628-8. 22,99 Euro.

Die Zeit verwandelt uns nicht, sie entfaltet uns nur.

Dirk Walbrühl — Fri, 16 Dec 2011 04:01:41 +0000

Dargestellte Zeit ist kein Phänomen, das auf Text und Literatur beschränkt ist. Auch in Karten und Landkarten hinterlässt sie ihre Spuren und prägt unsere Wahrnehmung des Abgebildeten. Isabella Ferron geht diesem Aspekt der Zeit nach und zeigt auf, wie die Grenzen von Darstellung, Realitätsanspruch und narrativer Kontruktion verwischen. Niemand geringeres als Naturforscher Alexander von Humboldt ist dazu das prominente Beispiel. Lesen Sie hier den zweiten Teil unseres Schwerpunktes zur aktuellen Kritischen-Ausgabe Zeit.

Die Zeit in Karten

Im Laufe der Jahrhunderte hat sich das Erscheinungsbild der Karten grundlegend gewandelt. Ihre wesentlichen Merkmale aber bleiben Anschaulichkeit, die Markierung von Begrenzungen, die Totalität der Darstellung, sowie das Wechselspiel zwischen sukzedierender und simultanisierender Sicht. Karten stellen einen tastenden Versuch, eine konkrete Annährung an die Welt dar. 1 Das Phänomen der Zeit erscheint in Karten dabei vielfältig: Karten sind Augenzeugen, die nicht nur neue geographische Entdeckungen und Veränderung von politischen Realitäten beweisen, sondern sie zeigen auch die Ausdehnung von Kulturen und Zivilisationen als Raum-Zeitliche Informationen. Gleichzeitigkeit und Zeitüberlegenheit sind Karten beide zu eigen. Die Karte kann in scheinbarer Ruhe Bewegung und Aktion darstellen. Zeit ist dabei Kontinuum und Ordnungskonzept zugleich. Als Abstrakter Begriff wird sie durch das besondere Medium der Karte erst greifbar. Die kartographische Metapher »Kartenzeiten« fasst dieses Verhältnis. Sie meint die Verbindung von Geschichtszeit und kartographisch fassbarer und gefasster Zeit im Niederschlag in fassbaren Karten, deren Abbildungen als Repräsentation nicht immer »logisch« oder »folgerichtig« sind. Karten bilden nicht die Gegenwart ab, sondern schaffen durch Kompromisse, Verzögerungen der Herstellungszeit und Bewertungen politischer Verhältnisse eine eigene abgebildete Kartenzeit, die sich der Wirklichkeit und ihrer aktuellen Zeit größtmöglich annähert. Darüber hinaus existieren Karten in Generationen; sie werden nicht nur aktualisiert, sondern bilden sich neu mit ihrer Lebenszeit und verlöschen auch mit ihr. Das bezieht auch eine immer neue und modifizierbare Konzeption der Zeit mit ein.

Humboldts Landschaft der Anden

Als berühmtes Beispiel für diese Überlegungen kann eine ungewöhnliche Karte von Alexander von Humboldt dienen – »Die Landschaft der Anden« aus Humboldt Buch Ideen zu einer Geographie der Pflanzen nebst einem Naturgemälde der Tropenländer (1807). Diese Karte, welche Humboldt selbst als Naturgemälde bezeichnete, verbindet Raum und Zeit auf eine eigentümliche Weise. In seinem Versuch, die verschiedenen Pflanzenarten kennenzulernen und zu kodieren, skizzierte Humboldt die Landschaft der Anden anhand zweier Berge der Anden. Zur Karte wird das Bild durch die eingetragenen Informationen des Forschers über jede aufgefundene und gesammelte Pflanze seiner Expedition in diese Region. Der Name der Pflanzen steht auf der Höhe des Fundorts, ergänzt durch Temperatur, Luftdruck und dem magnetischen Feld der Umgebung. Die Karte zeigt dadurch nicht nur, wie das Klima das Leben auf verschiedenen Höhen beeinflusst, sondern zeichnet auch und vor allem ein präzises Bild der Region in einem besonderen historischen Moment. Durch solche empirischen Daten, konnte Humboldt zeigen, wie die Erde entstanden ist, wie sie in einem besonderen Moment aussieht und wie sie in Bezug auf den Klimawechsel und den menschlichen Fortschritt voraussichtlich sein wird. In Verbindung damit begriff Humboldt Zeit und Raum in der Karte nicht mehr als abstrakte und Apriori gegebene Kategorien, sondern als konkret wahrnehmbare, messbare und klassifizierbare Einheiten. Humboldt ging es dabei um eine Verzeitlichung und Historisierung der Natur wie auch ihrer Dynamisierung (Allgegenwärtigkeit der Lebensfülle). 2 Die Verzeitlichung der Natur war in seinen Augen notwendig, da eine allgemeine, zeitlos gedachte Natur zugleich auch den Menschen enthistorisiert. So vermitteln Humboldts Karten eine dynamische Sicht der Welt. Darüber hinaus fungieren sie als Zeugnisse und Tagebuch seiner Forschungsreisen.

Die Entstehung der Zeit in der Kartographie

Der Begriff Zeit wird in der Kartografie gewöhnlicher weise in eine Nebenrolle gedrängt und in einer restriktiven Bedeutung verwendet. Im Zuge der Moderne hat sich der Begriff »Zeit« aber grundlegend gewandelt, ohne dass es deswegen zu einem definitiven Begriff gekommen wäre. Eher das Gegenteil ist der Fall: Die Versuche über den Begriff zu reflektieren, neu zu fundieren, auf noch unbekannte Bereiche der Realität hin zu öffnen und bei aller Unterschiedenheit doch einen gemeinsamen Punkt finden zu wollen, hilft dabei, sich mit dem Thema in einer umgreifenden Weise zu befassen und neue oder bis jetzt kaum beobachtete Aspekte in Frage zu stellen. 3 Dabei sind beide Kategorien weiterhin grundlegende Begriffe der Wahrnehmung. Vergangene Begriffe von Raum und Zeit verschwinden aber nicht, sondern bleiben Zeuge in dieser Entwicklung des Zeitbegriffs. Der retrospektive Blick (etwa auf die Volkskulturen der Antike aber auch auf Bereiche der Naturwissenschaft wie bei Humboldt) verdeutlicht das. Karten sind ein Beispiel der bildgeschichtliche Mitbestimmung und besetzen eine Schnittstelle im Spannungsverhältnis zwischen Geschichts- und Kulturwissenschaft. Tatsächlich stellt sich das Terrain der Kartographie seit Beginn des 19. Jahrhunderts als ein Laboratorium dar, in dem die Voraussetzungen für eine neue Definition der Zeit, ihrer Elemente und Darstellungsregeln geschaffen wurden. 4 Die Abkehr vom Anspruch einer allgemeingültigen Menschen- und Weltkenntnis im 19. Jahrhundert begünstigte neue Ideen der Zeit, auch in der zu dieser Zeit entstehenden Wissenschaft der Kartographie, blieb aber gerade in dieser als Hintergrund des Diskurses erhalten. 5 Der Bewusstseinswandel führte in der Kartographie zu Entwürfen neuer Zeit- und Raumkonzepte: Das Zeitliche und Örtliche wurden zu Organisationsprinzipen des Darstellens. 6

Gerade in Anknüpfung mit dem Nachdenken über die Identität jeder europäischen Nation, mit dem Anspruch dieser Nationen auf die Eroberung der entdeckten Welt, wurden Karten im 19. Jahrhundert zum Ausdruck der Geschichtlichkeit (Gegenwart und Vergangenheit) und erhoben sich über die Zuschreibung als passives Abbild, Abdruck und Ausdruck dargestellter Zeiten. Zu dieser Zeit begannen sich in ihnen politische Projektionen in die Zukunft abzubilden, welche in der abgebildeten Zeitebene noch nicht im abgebildeten Maß realisiert waren. Damit wurden Karten zu Konstruktionen, welche etwas über Macht, Expansion und Aggression bestimmter politischer Elemente aussagten und uns heute noch vermitteln können. Diese subjektiven Zugänge zum dargestellten Zeit-Raum sind dabei oft erst lesbar, wenn die politischen Verhältnisse sich deutlich verschoben haben. Mit der subjektiven Perspektive verbunden sind die Reiseberichte des 19. Jahrhunderts, denen Karten der Zeit oft beilagen. Durch die literarische bzw. kartographische Darstellung des außereuropäischen Raumes stellte sich zu dieser Zeit die implizite Frage, ob die auf Karten dargestellte Zeit, eine veränderbare, bewegende oder kristallisierte sei, die mit der räumlichen Darstellbarkeit eng verbunden ist.

Die neue Zeit in Karten des 19. Jahrhunderts

Karten sind Repräsentationen der Welt zu bestimmten Zeitpunkten und subjektiven Einflüssen. Sie sind gebunden an Zeit und Ort als ein historisches Produkt, das über die Möglichkeitsbedingungen ihrer Tätigkeit, ihre Reichweite und Wirkungen Rechenschaft abzulegen hat. Deswegen können Karten nicht zeitlos, überhistorisch sein, sondern sind historisch determinierbar. Jede Karte hat ihre Zeit, ihren Ort und ihren subjektiven Blickwinkel, ihre Perspektive und Konstitutionsgeschichte. Insbesondere Humboldts Werk, welches sich der Karten für seine Reisen und Entdeckungen grundlegend bediente, gewährt Zugang zum wandelnden Raum-Zeit Begriff in Karten des 19. Jahrhunderts. Die sich entwickelnde Idee von Zeit, gebunden an Messungen und Daten, entspricht nicht mehr der Idee eines Apriori, sondern steht in Einklang mit empirisch fundierter Weltkenntnis. Die sich bildende Zeit ist die »empirische Zeit« und findet als bewegliches Zeitkonzept den konkretesten Niederschlag in Karten. Die in den Karten des 19. Jahrhunderts überlieferte empirische Annäherung an die tatsächliche Welt erlaubte die methodische Neubegründung und materielle Entfaltung des überlieferten Paradigmas. Die empirische Methode war dabei grundlegend für die moderne Pluralisierung des Zeitdiskurses. Der Bewusstseinswandel markiert das Ende eines geschlossenen Weltbildes zugunsten eines offenen, moderneren. Zeit wird nicht nur als Maß für historischen Wandel begriffen, sondern auch als eine ontologische Bestimmung des menschlichen Wesens und Temporalisierung im Sinne einer historischen, eigentümlichen temporalen Diversität. 7 In den Karten des 19. Jahrhunderts ist also ein neuer Zeitbegriff fassbar, der eng mit der Darstellung des erfundenen Raums verbunden ist und mit der Entwicklung und Selbstbehauptung der Kartographie als eigenständige Disziplin einhergeht und auf das moderne Zeitverständnis vorausweist: dass Zeit und Raum nicht ohne einander denkbar sind (egal ob parallel, komplementär oder gegenläufig) und ihre Veränderung von der Bewegung und der Geschwindigkeit abhängt, mit denen sich die Ereignisse auf der Welt entwickeln.

Isabella Ferron, geb.1977. Grund-und Hauptstudium Germanistik und Anglistik an der Ca' Foscari Universität zu Venedig und ander Eberhard Karls Universität Tübingen. Promotion an der Ludwig-Maximilianas-Universität München in Philosophie und Germanistik. Lehrbeauftragte (deutsche Sprache) und wiss. Mitarbeiterin an der Ca' Foscari Universität zu Venedig und ab März 2012 Lehrbeautragte an der Universität Padua. Forschungsstipendien: Nov. 2011-Feb. 2012: DAAD-Stipendium Universität Berlin.

1. Zögner, Lothar (Hg.): Von Ptolemaus bis Humboldt. Kartenschätze der Staatsbibliothek Preußischer Kulturbesitz. Ausstellung zum 125jährigen Jubiläum der Kartenabteilung. Staatsbibliothek Preußischer Kulturbesitz, Ausstellungskataloge, Neue Folge 33, Berlin 1999.
2. Humboldt, Alexander von: Kosmos. Entwurf einer physischen Weltbeschreibung. Hg. und mit einem Nachw. versehen von Ottmar Ette und Oliver Lubrich. Erscheint im Schuber mit: Physikalischer Atlas, Heinrich Berghaus. Frankfurt a.M.: Eichborn Verlag AG, 2004.
3. Diesbezüglich scheint interessant, hier die Definition der Zeit aus dem Zedlers Lexikon zu erwähnen: Die Zeit wird als »gewisse und determinierte Verweilung der Gestirne in ihrem Lauffe, wornach das Seyn und Dauern anderer Dinge gemessen; oder die Zeit ist das Maas der Währung der Dinge: oder, wie die Alten beschrieben, die Zeit ist eine Zahl oder Abmessung der vergangenen und zukünftigen Bewegung«. In: J.H. Zedler: Grosses vollständiges Universal Lexikon aller Wissenschaften und Künste. Bd. 61, Zat-Zeit, Leipzig, Halle, S. 725−779, hier 725.
4. Vgl. dazu: Harvey, D.: Between Space and Time. In: Annals of the Association of AmericaGeographers, 80 (1990), S. 418-434.
5. Siegel, S.; Weigel, P. (Hg.)zit.; Hake, G.; Grünreich, D.; Meng, L.: Kartographie, 2002.
6. Harvey, David: Between Space and Time: Reflections on the Geographical Imagination. In: Annals of the Association of America Geographers, 80 (1990), S. 418-434.
7. Vgl. dazu auch J.G. Herder: Auch eine Philosophie der Geschichte zur Bildung der Menschheit. Hg. von Dietrich Irmischer. Stuttgart: Reclam, 1997.

Der dunkelste Monat in Schweden

Wed, 14 Dec 2011 07:00:27 +0000

Ein November ohne Kerzen

16 Uhr Växjö, es wird dunkel. Bereits zehn Minuten später hat sich vollkommene Dunkelheit über den Campus gelegt. Alles ist ruhig. Es fällt mir sehr schwer noch nicht den Abend einzuläuten. Wenn ich gegen 18 oder 19 Uhr joggen gehe, fühlt es sich an, als würde ich zur Mitternachtsstunde eine Runde um die Seen drehen. Doch der sanfte gelbliche Schein der Laternen weist mir den Weg am Rande des Campus durch ein kleines Stückchen Wald. Nur ein kleiner Wind weht. Die Bäume, der See, alles ist in natürliche Stille eingetaucht. Der Blick entlang des Ufers ist gefesselt an das Lichtspiel ausgehend von den umliegenden Häusern, dem Mond und der silbrig glänzenden Oberfläche des Sees. Es herrscht eine wunderbar friedliche Stimmung.

Foto: Manuela Pittl

Wenn es schon so früh dunkel wird, muss man die Stunden der Helligkeit ausnutzen – oder sich der Stimmung hingeben und es sich nach schwedischer Tradition drinnen gemütlich machen, gesellig beieinandersitzen, zusammen kochen, backen und viele Kerzen anzünden. Denn der November ist der dunkelste Monat in Schweden, lernte ich in meinem Schwedisch-Kurs. Verwundert darüber, erklärte man mir, dass der im November einfallenden Dunkelheit erst im Dezember mit tausenden Kerzen entgegengewirkt wird. Ich möchte und kann so lang nicht warten, aber freue mich schon in allen Häusern und überall in der Stadt, in allen Läden den Kerzenschein flackern zu sehen. Richtig bitter kalt ist es allerdings noch nicht. Letztes Jahr zu dieser Zeit lag bereits meterhoch Schnee. Auf den ersten Schnee dieses Jahres muss ich wohl noch etwas warten, wenn ich ihn überhaupt miterlebe, da ich mich jetzt nach Ende der meisten Kurse auf die Reise mache.

Das Semesterende

Die Organisation der Kurse, das System in Schweden, unterscheidet sich stark von der Art und Weise an deutschen Unis. Das Semester begann ja bereits Ende August und ist erst am 15. Januar zu Ende. Direkt im Anschluss, also am nächsten Tag, beginnt das »spring«-Semester, d.h. dazwischen gibt es keine vorlesungsfreie Zeit. Erst mit dem Ende des Frühlingssemsters Anfang Juni hat ein schwedischer Student keine Vorlesungen mehr (bis zum folgenden „autumn“-Semester Ende August). Jedoch verläuft das Semester an sich ebenfalls anders. Die Kurse (mit 7,5 Credit Points) dauern nur vier bis fünf Wochen und die Prüfung folgt direkt nach Ende des Kurses. Entweder starten diese Kurse zu Semesterbeginn oder erst im Oktober oder November. Nur intensivere Kurse (mit 15/30 CP) erstrecken sich über das ganze Semester. Demnach hat ein schwedischer Student mehr oder weniger die Möglichkeit selbst zu planen, wie er sich das Lernen und die Ferien einteilt. Da meine Kurse alle direkt zu Semesterbeginn einsetzten, sind sie nun beinahe alle abgeschlossen – nur mein Schwedisch-Kurs findet bis Mitte Dezember statt, ein Kurs für den es 15 CP gibt. Die Klausuren und Hausarbeiten werden normalerweise mit VG (väl godkänt = gut) oder G (entspricht ungefähr befriedigend) beurteilt, solange man bestanden hat. So liegen weniger Noten vor, sondern es zählt vielmehr, ob man bestanden hat oder nicht. Für uns Austauschstudenten wird jedoch anders verfahren, damit unsere Heimatuniversitäten unsere Leistungen anerkennen können. Da wir Noten von A bis F bekommen, fühle ich mich – da ich dies nur aus Hollywoodstreifen kenne – wie in einem amerikanischen College. Und die Ergebnisse können sich sehen lassen, mit meinen Noten kann ich ohne Probleme Schwedens berühmteste Pop-Gruppe ABBA buchstabieren. Jetzt ist die letzte Prüfung geschrieben und ich bin gespannt auf das Resultat. Zum Abschluss der Kurse veranstalteten die Dozenten eine »Fika« für uns, aus meiner Sicht eine der besten Eigenheiten der schwedischen Kultur. »Fika« – als Verb und Substantiv zu gebrauchen – bezeichnet einen Kaffee, Tee oder »sockervatten« (=Zuckerwasser) mit verschiedensten Geschmacksrichtungen zu trinken und dazu vielerlei schwedische Süßigkeiten, Kekse und Kuchen zu naschen. Eine der vielen schwedischen Traditionen, die mir sehr zusagt.

Prüfungen, fertig, los

Mit der Beendigung meiner letzten Prüfung ist die Reisezeit gekommen – es stehen Besuche von nordischen Hauptstädten an. Zuerst galt es Tallinn zu erkunden. Das Universitätswerk für internationale Studenten organisierte einen Trip für drei Tage: vom Hafen Stockholms nach Tallinn und zurück – zwei Nächte auf einer Fähre quer über die Ostsee und den finnischen Meerbusen. Neben zwei feuchtfröhlichen Abenden auf der »Baltic Queen« der Tallink Silja Line, auch bekannt als Party-Boot, war ich vor allem gespannt wie es so weit östlich in der estnischen Hauptstadt zugeht. Meine freudigen Erwartungen wurden übertroffen. Mit all den alten Häusern, der russisch-orthodoxen Kirche und dem rosafarbenen Parlament wirkt Tallinn wie eine aus dem Märchen entsprungene Stadt. Der mittelalterliche Charme entsteht speziell aus der Atmosphäre des großen Marktplatzes, auf dem ein Paar in traditionellen Kleidern aus einem mittelalterlichen Wagen Köstlichkeiten verkauft. Davon abgehend schlängeln sich viele enge Gässchen zwischen den großen imposanten Steinhäusern mit hohen Eingängen und schweren Holztüren. Morgens legten wir in diesem urigen Städtchen an, das von ca. 600.000 Esten (von nicht ganz der Hälfte der insgesamt 1,4 Millionen Einwohnern) bewohnt wird, wie uns eine aufgeweckte Frau, unser Tourguide für jenen mittelalterlichen Stadtkern, informierte. Da wir leider am Nachmittag wieder ablegten, blieb keine Zeit das estnische Literaturmuseum unter die Lupe zu nehmen oder einen Blick in die Nationalopern zu werfen. Dennoch hatten wir vom Dachcafé eines namenhaften Hotels eine großartige Aussicht über Tallinns schöne Dächer bei Sonnenuntergang.

Müde, glücklich und zufrieden traf ich nach diesem märchenhaften Ausflug wieder in Växjö ein. Kurz darauf nahm ich die Planung für die nächste Reise auf, deren Ziel unweit von der estnischen Hauptstadt liegt. Nächster Stopp: Helsinki.

»Die Perspektive eines Außenseiters«

Dirk Walbrühl — Mon, 12 Dec 2011 23:32:07 +0000

Marcel Beyer setzt sich als deutscher Autor in seinen Werken historisch und psychologisch mit der Geschichte der DDR und des Dritten Reiches auseinander. Seine Texte reflektieren deutsche Geschichte durch die psychologische Auseinandersetzung mit individuellen Schicksalen. Mit der Kritischen Ausgabe sprach Beyer über die Faszination des deutschen Ostens und die Inspirationen für seinen neusten Roman Kaltenburg.

Kritische Ausgabe (K.A.): Viele Autoren ziehen heute nach Berlin, warum sind Sie 1996 nach Dresden gezogen?

Marcel Beyer: (schmunzelt) Ich habe 1995 meine Lebensgefährtin kennengelernt, eine Schweizerin, die in Dresden lebte. Gemeinsam haben wir tatsächlich überlegt ob wir zusammen nach Berlin ziehen sollten. Aber es war auch die Zeit als alle sagten »es muss nach Berlin gehen«. Das war schon ein Grund, es nicht zu tun. Berlin war ja nicht mehr die DDR, sondern ein ganz eigener Organismus, auch während der deutschen Teilung. Im Gegensatz zum Osten kannte ich Berlin schon und hatte große Lust tief in den Osten zu ziehen. Dresden war da der tiefste Osten, den ich mir vorstellen konnte. Und ich befürchtete, dass ich den Osten sonst nicht mehr kennenlernen würde, der sich gerade dem Westen anpasste.

K.A.: Und haben Sie in Dresden den Osten kennengelernt?

Beyer: Es war schon eine sehr andere Lebenswelt. Nun bin ich fünfzehn Jahre dort und kann mir kaum mehr vorstellen in den Westen zurückzuziehen. Man hat ganz andere Erfahrungen gemacht, die sich kaum in Worte fassen lassen; Kleinigkeiten und Äußerlichkeiten. Der Osten und der Westen werden sich immer voneinander unterscheiden. Im Umgang ist man in Dresden viel zurückhaltender als man es aus dem Rheinland kennt. Man ist nicht aufdringlich, wartet erst mal und schätzt ab. Das erkläre ich mir immer damit, dass die DDR sehr klein war und es keinen regen internationalen Austausch an Menschen gab – man hatte alle Zeit der Welt sich kennenzulernen und Freundschaften aufzubauen.

K.A.: Was war es, das sie damals am Osten interessiert hat?

Beyer: Für mich war es das Fremde und Neue. Es war ja einfach verrückt mit Gleichaltrigen zusammenzutreffen und, oft auch über Missverständnisse, herauszufinden inwiefern man sich unterscheidet, weil man in unterschiedlichen Ländern und Systemen aufgewachsen ist.

Spurenschau in Dresden

Beyer: Inwiefern waren für Sie die Geschichte des Dritten Reiches oder der DDR noch in Dresden präsent?

In Dresden gibt es natürlich Spuren des Nationalsozialismus, die wurden in der DDR jedoch ein bisschen unter den Teppich gekehrt. Es gibt auf der neustädtischen Elbseite den Rosengarten. Dort wurde zwar umgebaut, aber wenn man genau hinsieht, dann bemerkt man dass er ein Prestigeprojekt aus den 30er Jahren ist. Dort gibt es einen Fußgängerdurchgang zum Elbufer, worin an der Decke ein großes Hakenkreuz ist, welches zwar öfter in der DDR übermalt wurde, aber immer wieder durchscheint. Dort wird gerade grundsaniert, damit es endlich verschwindet (lacht).

In der Architektur ist das Ineinandergreifen der Zeiten im Osten einfach präsenter als im Westen. Gerade in Dresden sieht man die Spuren aller Zeiten. Dadurch fühle ich mich angeregt mich mit der architektonischen Geschichte einzelner Gebäude zu beschäftigen. Wenn ich durch Dresden fahre, komme ich immer wieder an Gebäuden vorbei und denke: ›Über dieses Haus willst du eigentlich mehr wissen.‹

K.A.: Ihr neuer Roman Kaltenburg spielt sich ja auch zum großen Teil in Dresden ab. Ist der Mikrokosmos der Personen des Romans auch eine Darstellung der Verhältnisse zur Zeit der DDR?

Beyer: Der Ich-Erzähler aus Kaltenburg, Hermann Funk, hat eine spezielle Perspektive. Er ist selbst kein Dresdner, kein Einheimischer. Als Dazugekommener wirft er einen Blick von der Seite auf die Gesellschaft. Außerdem hat er auch den Blick Vogelkundlers auf alles. Natürlich ist er ein parteiischer Erzähler, dessen Partei nie Mehrheitsverhältnisse wird herstellen können. Dabei geht es nicht um monolithische Objektivität – wenn es ›das eine Buch‹ zu einem Thema geben soll, bin ich immer skeptisch. Ich gehöre eben nicht zu den Autoren, die die Absicht haben, die Welt zu erfassen und objektiv darzustellen. Es ist eigentlich immer die Perspektive eines Außenseiters die mich interessiert.

K.A.: Ist die Außenseiterperspektive von Hermann Funk dabei auch ein bisschen Ihre eigene?

Beyer: Ja. Wobei ich bestimmte Parameter umgedreht habe. Ursprünglich war meine Vorstellung: Jemand Jüngeres aus dem Westen kommt in den Osten und trifft auf jemanden, der ihm aus seinem Leben in der DDR erzählt. Während des Nachdenkens über den Roman ist das aber nicht in Gang gekommen, besonders wie ich es gestalten kann, dass der Junge aus dem Westen nicht nur ein Mikrophon wird. Dann kam die Blitzentscheidung, dass der ältere Mensch, der die ganze Zeit in der DDR verbracht hat, eigentlich der Ich-Erzähler sein muss. Und dann war‘s wirklich so als würde der Erzähler, Hermann Funk, anfangen zu mir zu sprechen.

Schräge Vögel und historische Begebenheiten

K.A.: Bei Ludwig Kaltenburg kann man klare Parallelen zum 1989 verstorbenen Ornithologen und Nobelpreisträger Konrad Lorenz erkennen. Haben Sie Lorenz jemals selbst getroffen?

Beyer: Es wäre theoretisch möglich gewesen, dass ich Konrad Lorenz noch begegnet wäre. Stattdessen habe ich Menschen kennengelernt, die mit ihm befreundet waren. Aber das eigentlich zum Glück erst, als der Roman schon erschienen war. Ich könnte mir auch nicht vorstellen über eine Person zu schreiben, die ich tatsächlich kenne, geschweige denn eine Person, die auch noch lebt und von der ich umgeben bin. Dann denke ich immer, ich würde demjenigen die Möglichkeit nehmen selber zu sprechen. Es ging eher darum, meinen ostdeutschen Altersgenossen zu erzählen, was mich und mein Aufwachsen ausmacht. Dabei stieß ich auf Arbeiten vom Tierfilmer Heinz Sielmann und seine Freundschaft mit dem Künstler Joseph Beuys. Die Arbeiten der beiden waren in meiner Kindheit sehr präsent und wurden für mich zu einer Art Hintergrund. Sielmann nahm Beuys mit auf Schloss Buldern, wo Lorenz sein Institut hatte. Man weiß von dieser Begegnung, aber man weiß nicht, wie sie verlaufen ist. Das hat mich sehr gereizt. Dabei wollte ich kein historisches Buch schreiben, sondern die Biographien dieser Figuren auf eine andere Weise produktiv machen und in einen Roman-Kosmos einfügen, wo sie sich von dem realen Hintergrund ablösen. In Dresden habe ich festgestellt, dass bestimmte Szenen vor dem Hintergrund dieser Stadt noch einmal eine ganz andere Reibung ergaben. Auf einmal gewannen kleine dahingesagte Bemerkungen von Ludwig Kaltenburg eine politische Ebene und einen ganz anderen Echoraum. Das war der Moment, wo die Figuren sich von den historischen Personen gelöst hatten.

K.A.: Die Frauenfiguren aus Kaltenburg bleiben eher im Hintergrund und sind doch über das Buch weg präsent.

Beyer: Die Ornithologie ist schon eher eine Männerwelt. Das war jetzt erst mal eine Tatsache mit der ich leben musste. Alle drei Männerfiguren: Sieverding, Spengler und Kaltenburg haben auch einen militärischen, männerbündischen Hintergrund. So konnte ich die Frauenfiguren wie einen Magnet benutzen, welche Hermann zwar nicht komplett aus deren Bann ziehen, aber ihn doch immer wieder auf Distanz zu ihnen bringen. Gerade das Kindermädchen Maria macht dabei noch einmal als Bezugsperson eine andere Perspektive auf. Sie fällt aus der Welt heraus und wird zu einer unaufgelösten Erinnerung. Auch später geistert sie im Untergrund des Romans als etwas Unabgeschlossenes herum. Das gleiche geschieht mit Klara, die die Sicht des Erzählers auf die Welt verändert und ihn von seiner Ersatzfamilie (Kaltenburg) entfernt.

K.A.: Dabei ist das Ende ja eher offen.

Beyer: Kaltenburg ist ein Roman, der beim Schreiben ein Eigenleben entwickelte. Ich glaube, die Leser wären darauf abgefahren, wenn das Kindermädchen am Ende wieder aufgetaucht wäre und alle offenen Fragen beantwortet hätte. Für mich war damit aber klar, dass genau das nicht passieren darf. Dieses vermeintliche Verheilen der Wunden … nein, es gibt einfach bestimmte Dinge, da verheilt nichts.

K.A.: Das Thema Ornithologie zieht sich ja durch den ganzen Roman. Sind Tiere der gemeinsame Nenner Ihrer Texte?

Beyer: Mir sind in Dresden die Vogel- und die Tierwelt im städtischen Raum einfach viel stärker aufgefallen als im Rheinland. In Köln gab es nur die Taube. Dresden ist da sehr viel grüner. Da wurde mir beim Betrachten der Vögel klar, dass diese auch uns die ganze Zeit beobachten. Wir leben in einer Welt, in der es wieder andere Welten gibt, die uns wahrnehmen. Das fand ich faszinierend. Meine Freunde im Osten kennen sich auch ungeheuer gut mit dieser Vogelwelt aus. Dazu kam die Wiederentdeckung von Konrad Lorenz, der mit seinen Graugänsen berühmt geworden ist. Als junger Wissenschaftler hat er aber eine Dohle gehabt und wäre ohne diese womöglich nicht zum Verhaltensforscher geworden. So wurde die Dohle zum ›Leitvogel‹ des Romans. Dabei wird die Vogelwelt zum dritten Bereich in der Fremdheitserfahrung zwischen Ost und West. In den letzten Jahren fallen mir dabei öfter Sachen mit Tieren ein. Ich arbeite seit einiger Zeit immer wieder an einem Essay über Tiere, der der Abschluss der Tiere in meinen Texten sein soll. Ich darf ja nicht der ›Tieronkel‹ werden.

K.A.: Mit der Arbeit am Filmkommentar zu Revolution im Ton (Arbeitstitel) von Martin Reinhart und Thomas Tode wenden Sie sich jetzt ja einem neuen Thema und Medium zu. Können Sie sich vorstellen dass Kaltenburg einmal verfilmt wird?

Beyer: Nein! Ich wäre sehr gespannt wenn jemand sagen würde ich habe eine Idee wie man das machen könnte. Das innere vor sich hin Murmeln und Entstehenlassen von Bildern ist für den Text sehr wichtig. Wahrscheinlich würde es ein sehr langer Film ohne große äußere Handlung werden. Die meiste Zeit schwirrt halt eine Dohle herum und die Figuren sitzen am Tisch und reden. Oder? (lacht)

Über Marcel Beyer

Marcel Beyer, geboren 1965 in Tailfingen, studierte an der Universität Siegen Germanistik, Anglistik und Allgemeine Literaturwissenschaft. Bevor er 1996 nach Dresden zog, lebte Marcel Beyer in Köln. Sein erster Roman Das Menschenfleisch erschien 1991. Seitdem veröffentlicht er neben Romanen auch Lyrik und Essays. Unter anderem wurde er 2001 mit dem Heinrich-Böll-Preis und 2008 mit dem Erich-Fried-Preis ausgezeichnet. Das Interview wurde im Rahmen einer Lesung seines aktuellen Romans Kaltenburg am 4. Juli 2011 geführt.

Körper, Geist und Seele

Marcel Diel — Thu, 08 Dec 2011 23:01:00 +0000

Bin ich nun ein Roman? Bin ich viele oder niemand? Aus welchen Teilen bestehe ich, wer bin ich? Ich wollte schon länger herausfinden, was es mit Geist und Seele auf sich hat, da heute schon an Volkshochschulen gern deren Einklang beschworen wird.

Aber das hätte bedeutet, sehr viele Werke über Religion zu konsultieren. Oder – man wartet ab und lässt den Bibliothekenengel machen. Im September fand ich ein Buch, das mir Antworten auf meine Fragen nach Geist und Seele gab. Die Antworten stehen ja alle in einem Buch, indessen hätten hier weder google noch bing oder yahoo helfen können. Die Universitätsbibliothek Freiburg zeigt etwa beim Stichwort Seele 2884 Treffer (= Bücher) an, bei Geist 4056, bei Consciousness 1194. Selbst wenn man schnell ist und jeden Tag eines der Bücher läse, wäre man dennoch Jahre beschäftigt.

Unsere binäre Struktur

Das Buch. Es heißt The Division of Consciousness von Peter Novak und wurde 1997 geschrieben. Ich hatte es zunächst ungelesen zurückgeben wollen, doch dann fing das Vorwort so an: »Im Sommer 1985 nahm sich meine junge hübsche Frau, die an einer unheilbaren psychischen Störung litt, das Leben, Monate nachdem sie unserer Tochter Ayriel Gold das Leben geschenkt hatte.« Dann träumte der Autor drei Mal von seiner Frau und kam zu dem Schluss, dass es ihr gut gehe. Er stürzte sich neun Jahre in die Forschung und kam mit dem Buch heraus, das ich vorstellen will.

Auch in esoterischen Kreisen redet man von Körper, Geist und Seele, wobei die lichteren Bestandteile gern als austauschbar behandelt werden. Unmöglich! Im englischen Sprachraum heißt es body, mind und spirit, wobei mind das Problem ist und schwer zu übersetzen: etwas wie Bewusstsein, Gefühlswelt, Ich-Identität. Unser Geist steht zwischen mind und spirit. (Spirits heißen übrigens die Gesprächspartner in der spiritistischen Literatur, während die erdgebundenen Geister ghosts sind.)

In vielen alten Religionen ist unser geistiges Sein binär strukturiert. Da gibt es im Judentum ruach und nefesch, bei Navajo-Indianern einen Wind (Geist) und einen Schatten (Seele), im Zoroastrismus urvan und daena. »Was jenseits aller Form ist, wird Dao genannt, und alles, was Form besitzt, wird Gefäß (vessel) oder Instrument (qi) genannt«, schrieb Konfuzius. Im geistigen Reich wäre die Seele das Gefäß, ein weibliches, und qi, die flutende Energie, der Geist. In der Antike sah man das Blut als Sitz der Seele. Der Atem war stets der Geist, pneuma in der Gnosis. »Auf der Schwester verhauchte / Jene den Geist«, steht bei Ovid.

Das frühe Christentum kannte auch Geist und Seele, doch im Konzil von Konstantinopel im 9. Jahrhundert dekretierte man: nur noch Leib und Seele. Wir sagen deshalb, dass Essen und Trinken sie zusammenhalten.

Die animalische Seele und das Leuchtfeuer des Geistes. – Hafeneinfahrt Lindau am Bodensee (Foto: Manfred Poser)

Novak zeigt anhand von Zitaten aus der Bibel und anderen Religionen, dass der Geist das Göttliche in uns ist: königlich, unzerstörbar, ewig. Die Seele dagegen ist prekär: Sie bekommen wir mit der Geburt. Der Geist entspricht dem Bewusstsein, die Seele dem Unbewussten (und das, was nicht ganz bewusst und nicht ganz unbewusst ist, heißt Unterbewusstsein). Seit etwa 50 Jahren erst weiß man, dass im Gehirn zwei Bewusstseinszentren liegen, die in der rechten und linken Gehirnhälfte beheimatet sind. Die linke Hälfte ist rational, logisch, klar, verwaltet die rechte Körperseite und kann sich ausdrücken; die rechte Hirnhälfte ist für Bilder und Emotionen zuständig, speichert alles, spricht nicht und hat Mühe, sich durchzusetzen.

Novak sagt, dass es zwischen Bewusstsein und Unterbewusstsein eine Mauer gibt, die auch zwischen Geist und Seele steht. Vieles wird verdrängt, wir hören nicht richtig auf unsere Gefühle, und so ist die Kommunikation blockiert. Wir sind nur noch draußen und verlieren den Kontakt zu unserer inneren Stimme. Seit wir in Mann und Frau und Geist und Seele gespalten sind, sehen wir alles nur in Oppositionen, die wir dann benennen und dadurch zementieren. Müsste nicht sein.

Es gibt zahlreiche metaphorische Ausdrücke um Geist und Seele. Der »Geist« eines Vertrags (im Gegensatz zu seinen »Buchstaben«) ist sein wahrer Sinn; der »gute Geist« des Hauses arbeitet, unsichtbar bleibend; von allen guten Geistern verlassen, im Geiste des Patrons weiterarbeiten, den Geist von Camp David beschwören. Seele hat immer mit Gemüt zu tun, ist etwas dumpf und gefühlvoll. Die Seele des Unternehmens, eine gute Seele, rettet unsere Seelen (S.O.S. – save our souls), der Seelsorger und der Seelenverkäufer.

Reinkarnation und das Paradies

Peter Novak erläutert, dass eine Hälfte der Welt (der Westen) nach dem Tod des Individuums das System Himmel/Hölle proklamiert, die andere Hälfte jedoch (der Osten) die Reinkarnation. Im Osten ist der Mensch Geist, also bewusst und klar, während das Höchste Wesen unbewusst und vage dargestellt wird. Im Westen ist Gott definiert und der allmächtige Geist, während der Mensch der Seele gleicht, ein Gefühlswesen ist. (Im westlichen Theater sitzen die Zuschauer im Dunkeln als unbewusster Zirkel und starren auf das erleuchtete Rund, in dem das Bewusstsein auftritt; japanisches Theater findet unter Beleuchtung statt und legt alles offen.)

Nach dem Tod, meint Novak, könnte sich eine Trennung zwischen Geist und Seele vollziehen, die ohnehin stets durch eine Mauer getrennt waren. Das ist seine Division of Consciousness. Der Geist – bewusst, im Hier und Jetzt – hätte jedoch keinen Zugang zu Ich-Identität, Gefühlen und Erinnerungen, die in der Seele wohnen. Der Geist schweift also einsam und im ewigen Augenblick umher und ist gezwungen, sich einen neuen Körper zu suchen: er inkarniert von neuem – das östliche Modell.

Die Seele dagegen brütet vor sich hin, und da sie ohne Initiative ist, schlägt sie sich mit ihren ewiggleichen Erinnerungen herum und richtet sich: schickt sich in Himmel oder Hölle. Da sitzt sie dann und ist vergnügt oder unglücklich, kann sich aber nicht weiterentwickeln. Das wäre das westliche Modell. Zwischen beiden gibt es kaum Verständigung. Die Reinkarnation lässt sich nur schwer in unser Konzept einbauen.

The Wall knacken!

Wir kennen uns und schlagen uns mit unseren Gefühlen herum. Aber täuschen wir uns nicht: Es wird eine Menge Menschen geben, vor allem aus der älteren Generation, die völlig abgetrennt von ihrem Inneren leben und hinübergehen, ohne sich je richtig kennengelernt zu haben. Ein halbherziges Leben in einem lauwarmen Paradies danach, das klingt nach Erstarrung. Wenn jemand zu Lebzeiten die Mauer zwischen Geist und Seele durchlässig hielt, bekommt die Seele nach dem Tod noch Reize und kann sich entwickeln, was einen Aufstieg möglich macht.

Roger Waters bei einem Konzert in Rom 2006 mit den Werken Dark Side of the Moon und The Wall. (Foto: Gianni Gallina)

Wir müssen also Zugang zu unserem Inneren finden. Wir müssen The Wall knacken! In manchen Büchern gelingt das – da hat jemand plötzlich seinen inneren Schatz aufgeschlossen, wir lesen, und wir sehen! Das sollte nicht nur in Büchern möglich sein. Es ist unsere Aufgabe, heil zu werden und ganz, unser Ego klein zu halten, integer zu sein und treu zu dem, was wir spüren. Innen und Außen müssen zur Deckung gebracht werden. Das gelingt nur durch peinliche Selbstbefragung und radikale Ehrlichkeit. Dann spüren wir, dass es gut ist, und schon in diesem Leben.

»Kein Rezept für die Zukunft dieser Republik.«

Grischka Grauert — Wed, 07 Dec 2011 22:18:49 +0000

Samy Deluxe (*1977 in Hamburg als Samy Sorge) ist einer der erfolgreichsten Musiker Deutschlands. Das selbsternannte »Rapgenie«, auch unter den Namen Wickeda MC und Sam Semilia bekannt geworden, hat im Juli 2011 sein viertes Soloalbum SchwarzWeiss herausgebracht, das auf Platz 1 der deutschen Album-Charts eingestiegen ist. Mit der Kritischen Ausgabe sprach Samy Deluxe unter anderem über seinen Lieblingsautor, Weimar und sein soziales Engagement.

Kritische Ausgabe (K.A.): Samy, auf dem Track Poesiealbum Deines aktuellen Albums kommen jede Menge deutscher Dichter von Schiller über Morgenstern bis Brecht vor. Gibt es einen Autor aus der Vergangenheit, dessen Werk Du besonders schätzt?

Samy Deluxe: Ich bin ehrlich gesagt kein großer Leser der Klassiker. Von den Inhalten her liegt mir Brecht am ehesten. Kann sein, dass ich – wenn ich älter bin – noch mal auf den Geschmack komme.

K.A.: Auf Deiner »dis wo ich herkomm«-Tour warst Du 2009 neben vielen anderen Städten auch in der Stadt Deines, wenn man so sagen darf, ‚Amtsvorgängers’. Welchen persönlichen Eindruck hattest Du von Weimar?

Samy Deluxe: Hübsche kleine ruhige Stadt.

K.A.: Hast Du schon einmal mitbekommen, dass Literaturwissenschaftler sich für Deine Texte interessieren?

Samy Deluxe: Ja, einige Studierende haben Interviews mit mir gemacht zu verschiedenen Ansätzen. Es gab welche, die sprachlich untersucht haben, andere zu den Themen Rassismus und Identität.

K.A.: Gefällt es Dir, dass man wissenschaftlich an Deine Texte herangeht?

Samy Deluxe: Natürlich finde ich das interessant und oft sind die Gespräche auch gut gewesen.

K.A.: Neben Deiner Arbeit als Musiker engagierst Du Dich bei beim Projekt iChance vom Bundesverband für Alphabetisierung und Grundbildung. Vor über zehn Jahren hast Du gerappt, Du fühltest Dich selbst wie ein »Analphabet, den keiner versteht«. Fühlst Du Dich heute verstandener? Und wer versteht Dich nach wie vor nicht?

Samy Deluxe: Vor allem engagiere ich mich in meinem Verein Crossover e.V. (www.crossover-ev.de) für die Integration von Kindern und Jugendlichen unterschiedlicher sozialer und kultureller Hintergründe. Ich selbst habe keine gute Schulzeit gehabt und möchte deshalb etwas dazu beitragen, dass die Kids in der Schule auch mal Menschen sehen, die sonst in der Öffentlichkeit stehen, und erfahren, dass man sich für sie interessiert. Wir machen da Workshops mit unterschiedlichsten Mitteln und zu verschiedensten Themen. Und wer mich nicht versteht? Zum Beispiel Herr Sarrazin und seine Anhänger, denke ich mal.

K.A.: Kannst Du die Empörung rund um die Verleihung des Integrationspreises an Bushido auf der diesjährigen Bambi-Verleihung nachvollziehen?

Samy Deluxe: Ich hab da wenig von mitbekommen. Wenn er gute Sachen gemacht hat – okay.

K.A.: Mal angenommen, gleich klingelt Dein Telefon. Angela Merkel ist dran und sagt Dir: »Samy, ich kann nicht mehr, Du musst jetzt den Laden schmeißen!« Was wäre Deine erste Amtshandlung?

Samy Deluxe: Die Frage kommt mir so vor, wie man sie früher Kindern gestellt hat: Was würdest du machen, wenn du König wärst? Es gibt ja immer Sachen, die einen persönlich mehr bewegen als andere. Bei mir sind das die berechtigten Interessen von Kindern und Jugendlichen. Gute Schulen, engagierte Lehrer, Freizeitmöglichkeiten, die den Kids gefallen und sie weiterbringen. Ich glaube, dass vieles besser gemacht werden sollte – aber ich bin Musiker, will es bleiben und habe kein Rezept für die Zukunft dieser Republik.

K.A.: Samy, vielen Dank für das Gespräch.

Die Manipulation der Zeit

Wed, 07 Dec 2011 11:00:00 +0000

Nach Paul Ricœr ist die von jedem narrativen Werk entfaltete Welt immer eine zeitliche.1 Jedoch ist keine Textsorte so eindeutig der Zeit untergeordnet wie Kalender, deren Struktur und Inhalte gänzlich durch die Zeit bestimmt werden. Gemeint sind in diesem Fall Kalenderhefte, die mit ihren »ursprünglich zwölf, im späten 19. Jahrhundert bis zu 90 Seiten als weitere literarische Kleinform die Hauptmasse der billigen populären Lesestoffe«2 bildeten.

Gebraucht als Nachschlagewerk und Literaturquelle erfreuten sich Kalender nicht nur unter lesenden Bauern und Arbeitern großer Beliebtheit, sondern auch unter armen wie reichen Bürgern. Wie Rudolf Schenda expliziert, stellten sie »zwischen 1770 und 1810, neben Bibel und Gesangbuch den einzigen Lesestoff des ›Volkes‹ – der 80-90% ländlicher Bevölkerung« dar.3 Mit einem Bindfaden an einen Wandnagel gehängt und dergestalt für alle Hausbewohner stets griffbereit und verfügbar, bildeten Kalender oft den ersten Lesestoff für Kinder, die nicht selten die Rolle der Vorleser zu übernehmen hatten. Angesichts des Schulbuchmangels war es darüber hinaus im 18. und 19. Jahrhundert weithin üblich, Kalender als Schullektüre zu verwenden.4

Kalender als kulturelle Institutionen und zeitliche Landkarten
In diesem Artikel soll über die triviale Analyse von Kalendern hinausgeschaut und so eine neue Perspektive auf derartige Publikationen erschlossen werden, die im 19. und um die Wende zum 20. Jahrhundert in Posen, der Hauptstadt des damaligen preußischen Teilungsgebietes von Polen, der Provinz Posen,5 herausgegeben wurden und bisher unerforscht geblieben sind. In erster Linie handelt es sich in diesem Kontext um ausgewählte deutschsprachige Kalender und die in ihnen verzeichneten zeitgebundenen Texte. Angesichts der Tatsache, dass Kalender als kulturelle Institutionen »Funktionen übernehmen konnten, welche die sogenannte hohe Kultur nicht besetzen konnte«,6 wird der Versuch unternommen, folgende Fragen zu beantworten: Wie wird die Zeit in den einzelnen Kalenderteilen dargestellt? Wie wurde das Potenzial deutschsprachiger Kalender in Anspruch genommen, um den für die preußische Kultur spezifischen Zeitrhythmus unter polnischen Bewohnern der Provinz Posen zu konstruieren und einzuüben? Welche Ereignisse galten in dem zu untersuchenden Zeitraum als Korrelationspunkte für die »zeitlichen Landkarten«,7 die mit derartigen Druckerzeugnissen entworfen werden sollten?

»Über die Zeit anderer Menschen verfügen zu können, gehört zu den ursprünglichen Herrschaftsmitteln«,8 wie es Bernhard Schäfer formuliert. Diese These aufgreifend soll abschließend die Frage gestellt werden, inwieweit Kalender als Ressource für die Herausbildung und Etablierung von Herrschaftsbeziehungen in der Provinz Posen betrachtet werden können, auf jenem Territorium also, das von allen preußischen Ostprovinzen am längsten zur polnischen Adelsrepublik gehörte.

Gruppenbindung durch internalisierte Zeitrhythmen
»Wer Calender machen will, muß vor allen Dingen wissen, was die Zeyt sey«,9 schrieb Hans Jacob Christoffel Grimmelshausen im Jahr 1670 in seinem Ewig-währendem Calender. Die Frage danach, ob es nur eine gültige Auffassung von Zeit gibt, ist und bleibt aktuell. So spricht der Soziologe Norbert Elias (1897–1990) von kollektiven Zeiten und versteht darunter die für bestimmte Menschengruppen spezifischen Zeitkonstruktionen, Gruppenzeiten, die durch das in Kalendern vermittelte Wissen konstruiert werden.10
Auf diese Zeitkonzeption beruft sich Thomas Schmidt, der auf die Bedeutung von Kalendern als Zeit-Weiser aufmerksam macht. Seiner Meinung nach weisen sie nicht eine, sondern verschiedene Zeiten auf. Mit Hilfe verschiedener Kalender, die ein Identitätswissen vermitteln, werden jeweils verschiedene kollektive Zeitkonstruktionen gebildet. Ausschlaggebend sind in diesem Fall, die in den Kalendern verzeichneten Korrelationspunkte (wie beispielsweise Feste, Gedenktage, Jahrestage), die die Zeitmessung ermöglichen und gleichzeitig die Zeiterfahrung bestimmen.11 Somit bleibt man durch die Benutzung eines im Laufe des Lebens internalisierten Zeitrhythmus an eine bestimmte Gruppe gebunden. Alles, was die Stabilität kollektiver Zeiten gefährdet, kann im Endeffekt zur Zerstörung von Kulturen führen, denn – nach Schmidt – »wenn Daten verschoben, Initialereignisse ausgetauscht, Semantisierungscodes geändert oder Begehungen verboten werden, dann zielt das auf die Zerstörung oder Vereinheitlichung von Gruppenkulturen«.12

Kalender als Wissensverwalter
Für die kalenderfeste Gesellschaft des 21. Jahrhunderts könnte es überraschend wirken, dass man in Europa bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts ein »Kaleidoskop von Kalendern« beobachten konnte.13 Während Kalender aus gegenwärtiger Perspektive als etwas Absolutes und Universelles angesehen werden,14 gibt es viele Beispiele, die diese Behauptung widerlegen. Selbst die übliche Unterteilung des Jahres in Monate, Wochen und Tage ist eine reine Konvention, die den jeweiligen gesellschaftlichen Gegebenheiten unterliegt. Auch die Festlegung der Daten für öffentlich begangene Feste, Feier- und Gedenktage ist willkürlich. Irreführend ist auch die Überzeugung, dass sich die Zeitmessung grundsätzlich an astronomischen Beobachtungen orientiert, denn die Erstellung eines Kalenders kann rein religiöse oder politische Gründe haben.15
Die oben erwähnten Beispiele weisen auf die oft bagatellisierte Macht von Kalendern hin, »Unterscheidungen zwischen Gemeinschaften zu schaffen und aufrechtzuerhalten«.16 Zu erklären sind sie mit der Tatsache, dass der Kalender das Wissen verwaltet. So obliegt ihm die Entscheidungshoheit, welches Wissen den Lesern einerseits vermittelt wird und zu welchen Wissensbereichen ihnen andererseits der Zugang verwehrt wird.
Diese nicht zu unterschätzende wissenvermittelnde Eigenschaft des Kalenders lässt sich bereits anhand der Etymologie des Wortes erkennen.17 Von Anfang an dienten Kalender als wichtige Mittel der Popularisierung von Ideen und Vorstellungen.18 Eine große Rolle spielten dabei die erzählenden Textformen, die schon seit dem 16. Jahrhundert in Kalendern vorhanden waren und mit der Zeit an Umfang und Bedeutung gewannen. Die für Kalender spezifische Mischung von unterschiedlichsten Textsorten und die Verbindung von Text und Illustration, die immer prägender wurde, sorgten für die massenhafte Verbreitung von Kalendern im 19. Jahrhundert.

Preußen und die Provinz Posen
1793 fiel einer der wichtigsten historischen Teile Polens an Preußen, dessen Bedeutung bereits durch seinen Namen – Großpolen – zum Ausdruck kommt. Obwohl Friedrich Wilhelm III. nach dem Wiener Kongress 1815 dem polnischen Volk die Achtung ihrer Religion sowie die Gleichstellung der polnischen und deutschen Sprache in der Verwaltung zusicherte, wurde das Großherzogtum Posen de facto als eine preußische Provinz betrachtet. Diese Situation bestand über die nächsten hundert Jahre bis 1918.
Da die preußische Großmachtstellung im hohen Maße auf die Eroberungen im Osten zurückzuführen war, waren die Bemühungen, diese Gebiete möglichst schnell in das Königreich der Hohenzollern zu integrieren und den eigenen Zuständen anzupassen, besonders deutlich.19 Zu diesem Zweck wurden im Laufe des 19. Jahrhunderts die notwendigen Maßnahmen getroffen: Eine der wichtigsten und erfolgreichsten war eine konsequente Besiedlung der Provinz Posen mit Deutschen.
Die nationalen Verhältnisse spiegeln sich auch in der Kalenderproduktion der Provinz Posen wider. Publiziert und auf den Markt gebracht gab es zu dieser Zeit sowohl polnische als auch deutschsprachige Kalender, katholische und evangelische, für Landwirte und für Lehrer. Unter den deutschsprachigen Kalendern gab es im großpolnischen Raum Kalender, die 1. entweder hauptsächlich für die Bewohner der Provinzhauptstadt bestimmt waren, wie der Posener Haus-Kalender für Stadt und Land und Posener Jugendkalender oder 2. einen überregionalen Charakter hatten, wie Der Bote für die Provinz Posen. Ein Volkskalender für alle Stände und Preussischer Haus- und Volkskalender für das Gesetzgebungthum Posen und die angrenzenden Provinzen . Besonderer Aufmerksamkeit bedarf der Evangelische Volkskalender, der rund 80 Jahre lang (1861–1941) in der Provinzhauptstadt Posen erschienen ist. Zu den überregionalen Kalendern, die sich wegen der universellen Inhalte großer Popularität erfreuten, zählten unter anderem der Ostland-Kalender, der Königsberger Kalender für Ost-, Westpreussen, Posen und Pommern und schließlich der Neue Universal-Kalender für Familie und Haus für die Provinzen Pommern, Ost- u. Westpreußen, Brandenburg, Posen, Schlesien.

Die weißen Flecken sollen verschwinden
Allen diesen Kalendern war die Aufteilung in das Kalendarium und den literarischen Anhang gemeinsam. Der erste Teil stellte dem Leser ein Verzeichnis von Daten zur Verfügung, das durch land- und hauswirtschaftliche Ratschläge, Informationen über die Jahreszeiten und Sonnen- und Mondfinsternisse ergänzt wurde. Seine Funktion war es, den Leser in dem Lauf der Zeit zu verankern, denn wie es Rohner treffend formuliert: »Dem Menschen graut vor dem Leeren. Er will die Gewissheit, dass die Zeit nach der Ordnung ablaufe, wiederkehre. Die Gesetze stehen in den Sternen. Der Kalendersteller besorgte für die verfließende Zeit was der Landkartenzeichner für das Weltbild: die weißen Flecken sollen verschwinden.«20
Das Vorhaben, dem Leser ein Sicherheitsgefühl gegenüber der Zeit zu verleihen, wird in den deutschsprachigen Posener Kalendern auf unterschiedliche Weise realisiert. Schon auf der ersten Seite des Kalendariums finden sich die so genannten Jahreszählungen, die außer dem Inkarnationsjahr mehrere bedeutsam erscheinende historische, biblische und kulturgeschichtliche Daten aufführen und die Zahl der Jahre zeigen, die seitdem bis zum Erscheinen des Kalenders vergangen sind. In dem Evangelischen Volkskalender auf das Jahr 1900 heißt es beispielsweise:

»Das Jahr 1900 ist seit

Christi Geburt nach Dionysius	das 1899ste	Luthers Reformation	das 383ste
Christi Tode	das 1867ste	Erfindung d. Dampfmaschinen	das 202ste
Zerstörung Jerusalems	das 1830ste	Erhebung des Königreichs Preußen	das 199ste
Einführung des Julianischen Kalenders	das 1945ste	der französischen Revolution	das 111ste
Einführung des Gregorianischen Kalenders	das 318ste	Wilhelms II., Königs von Preußen, Geburt	das 41ste
Einführung des verbesserten Kalenders	das 200ste	Antritt seiner Regierung	das 12te
Erfindung der Buchdruckerkunst	das 460ste	Neuerrichtung des Deutschen Reiches	das 29ste.«21

Eine zentrale Rolle für die zeitliche Orientierung spielte auch die in jedem der deutschsprachigen Posener Kalender des 19. Jahrhunderts vorhandene Genealogie der europäischen Fürstenhäuser. Man fand hier die Aufzählung von Mitgliedern der königlichen Familien, eingeteilt in Deutsches Reich, Preußen, das fürstliche Haus Hohenzollern und die übrigen regierenden Häuser. Das dynastische Interpretieren von Zeit veranschaulicht ein Zitat aus dem Evangelischen Volkskalender, in dem Superintendent Münnich mit Hilfe von Abbildungen dreier preußische Könige dem Leser die zeitlichen Orientierungspunkte deutlich zu machen versucht. In dem den Bildern beigefügten Kommentar schreibt er: »Auf dem ersten Bilde der Mann der Vergangenheit [d.i. Friedrich I.; M.S.], dessen du dankbar gedenken sollst; auf dem zweiten der Mann der Gegenwart [d.i. Wilhelm II.; M.S.], dem du mit Lust und Liebe dienst; auf dem dritten der Mann der Zukunft [d.i. Friedrich Wilhelm; M.S.], auf den deine Hoffnungen sich richten, wenn du das Jubelfest begehst am 18. Januar 1901!« (EVK 1901, S.34) Der Anlass für die Publikation des Artikels war das zweihundertjährige Jubiläum des Königreichs Preußen (18. Januar 1701–1901).

Monatsverse und Geschichtsunterricht
Eher praktischer Natur, aber für die zeitliche Orientierung und die Strukturierung des Jahres genauso maßgebend, waren die Angaben zu Messen und Jahrmärkten für das gegebene Jahr in einzelnen Regierungsbezirken Preußens. Wichtige Informationen für die Landwirtschaft und den Haushalt vermittelten auch die Monatsverse (Sprüche, Lebensweisheiten und Stimmungsbilder zum jeweiligen Monat) und Lostage (mit den Heiligentagen verkoppelte Wetterregeln), wie zum Beispiel: »Wenn’s an Lichtmeß (2. Februar) stürmt und schneit, ist der Sommer nicht mehr weit.«, »St. Vit (15. Juni) bringt die Fliegen mit.« oder »Auf St. Gall (16. Oktober) treib’ die Kuh in’n Stall!« (EVK 1899, S.9ff)
Einen festen Platz in dem literarischen Anhang des Evangelischen Volkskalenders nahmen Texte ein, die Beweise für die lange Tradition der evangelischen Kirche auf dem großpolnischen Gebiet liefern sollten. Dazu gehören unter anderem Kirchenchroniken und Berichte aus den evangelischen Gemeinden in der Provinz Posen. Genauso wichtig erscheinen auch die ausführlichen Beschreibungen, sowohl der in der letzten Zeit begangenen Kirchenweihfeste, oft mit Bildern illustriert, als auch der neu gegründeten evangelischen Stiftungen. Sehr oft wurden Lebensbilder von Persönlichkeiten thematisiert, die sich um die evangelische Kirche und den preußischen Staat verdient gemacht hatten.
Auch der Geschichte Preußens wurde in den Posener Kalendern viel Platz eingeräumt. Mit großer Vorliebe hat man bei dieser Gelegenheit auf die Jahrestage, Jubiläen und Gedenktage zurückgegriffen, die als Anlass für Kalenderartikel gedient haben. Dabei kommt unter anderem die lange und gut gepflegte Tradition der Reformationsgedenktage zum Ausdruck.

»Es war Kaiserwetter, Kaiser-Wilhelm-Wetter.«
Aus Anlass des besonders festlich begangenen vierhundertjährigen Geburtstags Martin Luthers wurde in dem Evangelischen Volkskalender aus dem Jahr 1883 der Artikel Zum 10. November 1883 abgedruckt, der »in manchem Deutschen das Bild Luthers wachrufen« (EVK 1883, S.26) sollte. Es gehörte zur Tradition der Geburtstagsfeiern von Luther, dass bei dieser Gelegenheit die Persönlichkeit des Reformators gepriesen wurde.22 Dieser Text macht dabei keine Ausnahme und konzentriert sich auf drei Aspekte aus Luthers Leben: seine Kindheit und Erziehung, seine Ausbildung und das Familienleben. In den im Text geschilderten Alltagssituationen wird Luther als Vorbild dargestellt, dem man nacheifern sollte. Sogar auf dem beigefügten Bild wird er als Hausvater dargestellt.
In einem anderen Artikel wird der Schlacht von Fehrbellin gedacht, »welche die Zukunft des preußischen Staates begründete« (EVK 1875, S.33). Der Autor des aus dem Anlass des zweihundertjährigen Gedenktages im Evangelischen Volkskalender publizierten Artikels spricht zuerst den Leser an: »Versetzen wir uns, um dies in seiner vollen Bedeutung zu fühlen, in jene Zeiten.« (EVK 1875, S.33) Danach beschreibt er bildlich und suggestiv die geschichtlichen Ereignisse: »Am Rhein streckte Ludwig der Vierzehnte habgierig seine Hände nach schönen Deutschen Landen aus …« (EVK 1875, S.33)
Einer der wichtigsten Feiertage des 19. Jahrhunderts stellte der am 2. September begangene Sedantag dar. Im Jahre 1873 wurde er besonders pompös gefeiert, als in Berlin die Siegessäule enthüllt wurde. In dem Artikel Das Siegesdenkmal zu Berlin können wir im Jahre 1875 nachlesen: »Ueber das deutsche, speziell das preußische Volk sind in den letzten Jahren gewaltige Kriege hereingebrochen. Zuerst 1864 der Krieg mit Dänemark, dann 1866 der mit Oesterreich, zuletzt 1870 und 71 das schwere und harte Ringen mit den Franzosen. In allen Kämpfen hat unser Volk gesiegt. Als Andenken dieser drei Siege ist die Siegessäule erbaut.« (EVK 1875, S.52) Neben der Beschreibung der Platzierung und des Denkmals selbst stellt der Autor fest: »So war es auch eine tiefbewegende Feier […] Der große freie Platz war festlich geschmückt, ganz Berlin prangte im Fahnenschmuck, und es war Kaiserwetter, Kaiser-Wilhelm-Wetter.« (EVK 1875, S.59). Nicht zu übersehen sind auch die Erinnerungen an die Hohenzollern-Jahrestage, wie zum Beispiel der Geburtstag der Königin Luise (EVK 1877: Zum hundertjährigen Geburtstage der Königin Luise (Eine wahre Geschichte)) oder die goldene Hochzeit des Kaiserpaars (EVK 1880: An das deutsche Volk. Zur Erinnerung an den 11. Juni 1879).
Wenn es um kirchliche Feste in den deutschsprachigen Posener Kalendern geht, ist die führende Rolle des Weihnachtsfestes eindeutig, ihm widmete man viel Aufmerksamkeit in Form von u.a. Weihnachtsliedern (auch mit Noten), Gedichten, Erzählungen, Plaudereien, Weihnachtsbildern und Weihnachtsgeschichten. »Welche Missbräuche sich in Posen an die Christnachtsfeier angeschlossen hatten« (EVK 1907, S.42) und im Endeffekt zu ihrem Verbot geführt haben, erfahren wir aus dem Artikel Die Christnachtsfeier in den evangelischen Gemeinden der Provinz Posen. In dem in Posen 1831 von dem Superintendenten von Birnbaum abgefassten Bericht wird die Feier als »ein unwürdiger Gottesdienst«, »ein Kinderfest« und eine »Spielerei« bezeichnet, die zwar für eine große Menge in die Kirche ziehender Menschen sorgt, jedoch nichts mit dem eigentlichen Ziel der religiösen Erbauung und der Vorbereitung auf das Fest zu tun hat (EVK 1907, S.42).

Manipulative Durchdringung mit preußischem Geist
Das Einübungspotenzial von Kalendern, mit denen bestimmte Zeitstrukturen erlernt werden sollten, kommt in jedem der Kalenderteile auf spezifische Art und Weise zum Ausdruck. Mit den im Kalendarium verzeichneten Angaben wie Daten, Jahreszählungen, Monatsverse, Verzeichnis der Jahrmärkte etc. wurden dem Leser bestimmte Koordinaten zur Verfügung gestellt, die ihn in der Zeit selbst verankern und eine temporale Orientierung ermöglichen sollten.
Mit den zeitgebundenen Texten im literarischen Anhang wird der Leser an eine bestimmte Menschengruppe gebunden, was unter anderem anhand der hier besprochenen Jahrestage sichtbar wird. Auf ihre besondere Rolle weist Thomas Schmidt hin: »Die Jahrestage fungieren dabei – je nach Bedeutung – als unterschiedlich starke Schreibinstrumente, die Stück um Stück oder eben Jahr um Jahr an der gleichen Stelle ihre Spur hinterlassen, diese nachschreiben, vertiefen und schärfer konturieren, bis die entstehende Zeitkarte stabil und nicht mehr zu löschen oder nur schwer zu überschreiben ist.«23
In den Gebieten, in denen die preußischen Behörden ihre Integrationsbemühungen durchzuführen versuchten, fiel den deutschsprachigen Kalendern eine entscheidende Rolle zu. Es ging unter anderem um die manipulative Durchdringung der Bewohner des Großherzogtums mit preußischem Geist und preußisch-deutscher Bildung. Diese Bemühungen traten besonders deutlich in den literarischen Anhängen der Kalender hervor, in denen sowohl mit Hilfe von Sachtexten und historischen Abhandlungen als auch kleinen Formen wie Anekdoten oder Skizzen das intendierte Zeitverständnis vermittelt werden sollte, das dem Individuum die Integration in soziale Systeme ermöglichte.

Magdalena Skalska, geb. 1982. Magisterstudium Germanistik an der Adam-Mickiewicz-Universität Poznań und Magisterstudium Tourismus und Rekreation an der Eugeniusz-Piasecki-Sporthochschule Poznań. Seit 2008 Doktorandin am Institut für germanische Philologie an der Universität Poznań. Forschungsstipendien: Okt.-Nov. 2009 Universität Bielefeld; Okt. 2010 - Jul. 2011 Humboldt-Universität Berlin.

1. Ricœr, Paul: Zeit und Erzählung. Zeit und historische Erzählung. München 1988. S. 13.
2. Brunold-Bigler, Ursula: Kalender, Kalendergeschichte. In: Enzyklopädie des Märchens. Hrsg. v. Rolf Wilhelm Brednich. Bd. 7. Berlin u.a. 1993. S. 861-878; hier: S. 863.
3. Schenda, Rudolf: Volk ohne Buch. Studien zur Sozialgeschichte der populären Lesestoffe 1770-1910. München 1977. S. 281.
4. Vgl. Messerli, Alfred: Volkskalender als Lesestoff von Kindern und Jugendlichen: Eine Schweizer Fallstudie aus der Zeit zwischen Aufklärung und früher Moderne. In: Der Kalender als Fibel des Alltagswissens. Hrsg. v. Mix York-Gothart. Tübingen 2005. S. 189-212.
5. Andere für das großpolnische Gebiet benutzte Begriffe: Großherzogtum Posen, Land Posen, Ostmark. Vgl. Wojtczak, Maria: Literatur der Ostmark. Posener Heimatliteratur (1890-1918). Poznań 1998. S. 10.
6. Gelléri-Lázár, Márta: Das «Historische» in den ungarischen Kalendern der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. In: Colportage et lecture populaire. Imprimés de large circulation en Europe XVIe-XIXe siècles. Hrsg. v. Roger Chartier / Hans-Jürgen Lüsebrink. S. 253-268; hier: S. 257.
7. Rinderspacher, Jürgen P.: Wochenruhetage im interkulturellen Vergleich. In: Universitas 10 /1995. S. 960-973; hier: S. 961.
8. Schäfers, Bernhard: Zeit in soziologischer Perspektive. In: Zeitkonzeptionen, Zeiterfahrung, Zeitmessung. Stationen ihres Wandels vom Mittelalter bis zur Moderne. Hrsg. v. Trude Ehlert. Paderborn u.a. 1997. S. 141-154; hier: S. 148f.
9. Zit. nach: Rohner, Ludwig: Kalendergeschichte und Kalender. Wiesbaden 1978. S. 69.
10. Vgl. Elias, Norbert: Über die Zeit. Frankfurt am Main 1988. S. 43.
11. Vgl. Schmidt, Thomas: Kalender und Gedächtnis. Erinnern im Rhythmus der Zeit. Göttingen 2000. S. 59ff.
12. Ebd., S. 63.
13. Vgl. Fraser, Julius T.: Die Zeit: vertraut und fremd. Basel/Boston/Berlin 1988. S. 110.
14. Auf die Fragwürdigkeit unserer scheinbar klaren Zeitvorstellungen macht der folgende Artikel aufmerksam: Weis, Kurt: Zeitbild und Menschenbild. Der Mensch als Schöpfer und Opfer seiner Vorstellungen von Zeit. In: Was ist Zeit? Zeit und Verantwortung in Wissenschaft, Technik und Religion. Hrsg. v. Ders. München 1995. S. 23-52.
15. Das beste Beispiel der politischen Intervention in die Zeitrechnung stellt der in Frankreich kurzfristig eingeführte Republikanische Kalender dar, der symbolisch am Tag der Verkündigung der Republik (22. September 1792) beginnen sollte.
16. Vgl. Fraser, 1988, S. 106.
17. Kalenden (lat. calendae) bezeichneten den ersten Tag des altrömischen Monats, an dem sich das Volk auf dem Kapitol versammelte, um zu erfahren, auf welche Tage des angebrochenen Monats die Nonen oder die Iden fallen. Immer am Monatsersten rief (lat. calare – auf- und ausrufen) dieses der Pontifex minor feierlich aus. Vgl. DUDEN. Das große Wörterbuch der deutschen Sprache. Band 5. Mannheim u.a. 1999. S .2031f.
18. Schon der älteste erhaltene, mit beweglichen Lettern gedruckte buchförmige Türkenkalender auf das Jahr 1455 wurde als ein Propagandainstrument verwendet. Es handelt sich hier um einen gereimten Kampfaufruf, dessen Text auf zwölf Monate verteilt wurde. In jedem Abschnitt wurde zum Kampf gegen die Türken aufgerufen, die 1453 Konstantinopel erobert hatten und nach Europa vordrangen.
19. Vgl. Broszat, Martin: Zweihundert Jahre deutschen Polenpolitik. Frankfurt am Main 1972. S. 68.
20. Rohner, 1978, S. 72.
21. Evangelischer Volkskalender 1900, S. 3. (weiter im Text als EVK zitiert)
22. Burkhardt, Johannes: Reformations- und Lutherfeiern. Die Verbürgerlichung der reformatorischen Jubiläumskultur. In: Öffentliche Festkultur. Politische Feste in Deutschland von der Aufklärung bis zum Ersten Weltkrieg. Hrsg. v. Dieter Düding / Peter Friedemann / Paul Münch. Hamburg 1988. S. 212-236; hier: S. 227.
23. Schmidt, 2000, S. 60.

Die K.A. hat eine neue Homepage

Christoph Hartmann — Sun, 04 Dec 2011 15:53:02 +0000

Liebe Leser und Leserinnen,

ich freue mich, Sie heute im Namen der Redaktion der Kritischen Ausgabe auf unserer neuen Internetpräsenz begrüßen zu dürfen. Bereits ein flüchtiger Blick auf die neue Seite dürfte deutlich machen, dass wir grundlegende Neuerungen eingeführt haben.

Was hat sich verändert?

Menü-Führung

Auf der alten Webseite gab es eine Menüleiste mit einer Vielzahl an Rubriken für Artikel im linken Seitenrand. Wir haben diese Menüleiste vereinfacht. Sie finden nun alle Artikel zugeordnet unter die vier Hauptrubriken „Literatur“, „Theater“, „Musik“ und „Kontroverse“. Wenn Sie mit der Maus über diese Rubriken fahren, öffnet sich ein Menü für Subrubriken (z.B. „Kritik“; „Portrait&Interview“). Zu den Rubriken „Heft“ und „Shop“ kommen wir später.

Bildleiste

In der Mitte unserer Seite finden Sie eine Bildleiste, welche die Rubriken des Hauptmenüs zwecks einer vereinfachten Navigation wieder aufgreift. Die Illustrationen der Bildleiste stammen aus dem jeweils aktuellen Heft.

Boxen für Rubriken

Unter der Bildleiste finden Sie vier Boxen für die vier Hauptrubriken „Literatur“, „Theater“, „Musik“ und „Kontroverse“. Der jeweils aktuellste Text ist hier mit einem Teaser zu sehen sowie Kurz-Titel weiter Artikel aus der Rubrik.

Heft

Über die Menü-Führung auf der Startseite oder über die Anzeige am rechten Bildrand kommen Sie zu unserer Heft-Seite. Sie finden hier alle bisher veröffentlichten Hefte. Wenn Sie mit der Maus über die Cover fahren, wird der Titel der Hefte angezeigt. Klicken Sie auf eines der Cover öffnet sich eine neue Seite mit detaillierten Informationen wie etwa das Inhaltsverzeichnis und Teaser der Artikel des ausgewählten Heftes. Sie können dieses Heft erwerben, indem Sie das gewünschte Heft in den Warenkorb legen.

Shop

Im Shop können Sie unsere Hefte käuflich erwerben. Im Warenkorb auf der rechten Seite werden automatisch die Kosten für Ihre Bestellung inklusive Porto&Versand angezeigt.

Ich wünsche Ihnen nun viel Freude bei der Erkundung unserer neuen Homepage.

Das Bekannte, allzu Bekannte

Ines Böckelmann — Mon, 28 Nov 2011 23:39:05 +0000

Vorab für all diejenigen eine Warnung, die folgendes Buch mit dem Titel Der Sommer ohne Männer aufgrund des Schlagwortes ›Sommer‹ oder der Charakterisierung ›ohne Männer‹ zur Hand nehmen möchten: Ich muss sie enttäuschen. Dieses Buch macht den verregneten, deutschen Sommer nicht vergessen, die Handlung hätte genausogut im Winter stattfinden können, der Sommer ist also kein omnipräsentes Thema. Auch wer glaubt, dass dieses Buch aufzeigt, wie man eine Zeitspanne, zu welcher Jahreszeit auch immer, ohne Männer auskommen könnte oder gar müsste, muss gewarnt werden: Die Männer sind in der Handlung des neuen Romans von Siri Hustvedt trotz ihrer physischen Abwesenheit gegenwärtiger als in manch anderem Roman.

Kein Sommer ohne Männer

Der Sommer ohne Männer klingt fast nach einer Science-Fiction-Thematik, nach einer temporären, haptischen Mann-Frau Barriere, als gäbe es für einen Sommer nur Frauen und die Männer wären, warum auch immer, verschwunden – vielleicht, weil sie freiwillig auf einen anderen Planeten übergesiedelt sind. Natürlich ist dieses Szenario nur auf eine kurze Zeitspanne beschränkt, denn der Sommer dauert bekanntermaßen mehr oder weniger drei Monate. Diese zeitliche Begrenzung hätte einem vielleicht schon bevor man das Buch überhaupt nur zum ersten Mal aufschlug zu denken geben müssen: Wo eine Eingrenzung welcher Art auch immer besteht, kann keine absolute Freiheit bestehen und so handelt dieses Buch mit diesem vielleicht so lockenden Titel für alle von Männern enttäuschten Frauen auch überwiegend nicht von Freiheit, sondern von Abhängigkeit, Selbstzweifeln und dem Verlorensein zwischen diesen Zuständen.

Mia, die Ich-Erzählerin, erlebt ihre eigene, ganz persönliche Apokalypse, die sich in wenigen Worten erzählen lässt: Die 55-jährige New Yorkerin wird von Boris, ihrem 60-jährigen Ehemann, mit einer Jüngeren betrogen – von der Erzählerin immer nur »die Pause« genannt, die nicht nur jünger ist, sondern zudem auch noch Französin ist. Nachdem Mia dies erfahren hat, erleidet sie einen Zusammenbruch und wird in eine Nervenklinik eingeliefert. Diagnose: Durchgangssyndrom – schon nach anderthalb Wochen darf sie die Klinik wieder verlassen. Verunsichert von den Ereignissen, die wie im Zeitraffmodus über sie gekommen zu sein scheinen, flüchtet sie in ihre Heimat, dem Provinzort Bonden, zu ihrer schon sehr betagten Mutter und lernt in dieser Zeit mehr über sich selbst und ihre familiären Reminiszenzen als in den letzten Jahren in der Beziehung mit Boris.

In Bonden treffen verschiedene Generationen aufeinander – allesamt durch weibliche Personen vertreten – mittendrin die Erzählerin, die die Schnittstelle zwischen diesen Altersstufen bildet. Mia taucht in diesen Kreis aus weiblichen Teilnehmern ein und unter. Dieser Kreis erweitert sich im Laufe des Romans: So gibt es die »weißen Schwäne«, eine Gruppe von befreundeten Rentnerinnen, zu denen auch die Mutter der Erzählerin gehört, die Nachbarin Mias, die neben ihren Pflichten als Mutter von zwei Kindern Schmuck entwirft, die sieben Mädchen aus dem Lyrikkurs, die die Erzählerin zur Ablenkung unterrichtet, außerdem kommen die Schwester und die Tochter Mias nach Bonden. Jede Frau hat ihre eigene kleine Geschichte zu erzählen, die Älteren reflektieren über ihre Vergangenheit, die Jüngeren sind ganz mit ihren Problemen im Jetzt verhaftet und jede von ihnen hat eine Erinnerung, oder im Fall der jungen Mädchen, eine Ahnung von Begegnungen mit dem anderen Geschlecht. Das ist er dann: der Sommer ohne Männer, der im eigentlichen Sinne kein Sommer ohne Männer ist, da diese zwar nicht physisch anwesend, dafür aber umso mehr in der Psyche der erwähnten Frauen präsent sind.

Die lauten Momente

Betrug, Trennung, der darauf folgende Trennungsschmerz, der langsame Weg zur Verarbeitung, weg von der Fremd- hin zur Selbstbestimmung, sind bekannte, allzu bekannte Prozesse des menschlichen Lebens und darum in allen künstlerischen Formen des menschlichen Schaffens schon viele Male verarbeitet worden. Gerade weil diese Assoziationskette niemandem wirklich fremd sein wird und sich jeder darin wiederfindet, ist sie ewig, und es ist quasi eine logische Konsequenz, dass sich über Ewiges immer wieder geäußert wird. Das Neue muss im Detail liegen, auch die Ewigkeit ist Wandlungen unterzogen und die Aufgabe eines Schriftstellers ist es nun durch Sprache, Erzähltechniken eben dieses Neue im Alten zu evozieren.

Der 56-Jährigen Siri Hustvedt, die in New York lebt und mit Der Sommer ohne Männer ihren sechsten Roman veröffentlicht hat, ist dies aber nur zu Teilen gelungen – streckenweise lässt sie einen in einer Ansammlung von Plattitüden und hollywoodesken Szenarien kopfschüttelnd zurück, die ihre Steigerung nur noch durch die scheinbar wahllos begleitenden Zeichnungen, die, wenn sie den Inhalt der Aussage verstärken sollen, nicht gerade für diesen sprechen würden, erhalten.

Die Gesprächsfetzen, die ich mitbekam, waren äußerst stereotyp, ein primitives Geplänkel durchsetzt mit den Worten voll und krass, die hauptsächlich als Kürzel für Billigung oder Missbilligung benutzt wurden.

Um dieses Zitat in seinem vollen Ausmaße verstehen zu können, muss man wissen, dass die Ich-Erzählerin des Romans eine Dozenten-Stelle an der Columbia innehat, wo sie Doktoranden im Schreiben unterrichtet. Zudem ist sie selber Lyrikerin. In ihrer Flucht vor dem Bruch mit ihrem Ehemann gibt sie in ihrem Geburtsort einen Lyrikkurs für sieben Mädchen im Teenageralter. Hier offenbart sich quasi eine Selbsttherapie in der Therapie anderer, denn die Mädchen sind allesamt in eine Verschwörung verwickelt, von der später noch die Rede sein soll. Die Erzählerin kommt also mit der Jugend in Kontakt und gerade diese Jugendlichkeit kann Hustvedt nicht überzeugend darstellen, ebenso wenig den Bildungsstand der deutlich älteren Mia. Es ist nicht befriedigend, dass Jugendsprache auf diese stereotype, karikierenden Worte wie »voll« und »krass« reduziert wird, auch nicht, wenn die Erzählerin sich selbst als stereotyp entlarvt – das ist zu einfach, zu plakativ, ebenso wie die unbeholfene Erklärung, dass diese Worte »als Kürzel für Billigung oder Missbilligung benutzt werden«. Diese lebensfremde Herangehensweise ist ebenfalls eine plakative Darstellung einer Vorstellung wie ein Wissenschaftler das Leben sieht. Dadurch entsteht in der Sprache eine Aufgesetztheit, die auf Dauer übel aufstößt. Grotesk wird es, wenn sich die beiden Sprachebenen verschieben und die Ich-Erzählerin sich quasi selbst jugendlichen Jargons bedient:

Ich sah nacheinander ihre sieben verschlossenen Gesichter an, und ein Spruch, den ich seit meiner Kindheit nicht verwendet hatte, fiel mir ein: Was’n das’n?

Solche Sätze, die von der Autorin wohl als Komik-Moment gedacht sind, wirken wie Füllsätze und hinterlassen bei dem Leser in Wirklichkeit weniger ein Schmunzeln als das Gefühl, mit Bedeutungslosigkeit konfrontiert zu werden. Dabei ist es gerade Bedeutungslosigkeit, gegen die die Erzählerin nach dem Bruch mit ihrem Ehemann verzweifelt anzukämpfen versucht:

Nachdem ich in kleinste Teilchen zerbröselt bin, hatte ich dieses forsche Vertrauen in das Funktionieren meines Verstandes verloren, jene Erkenntnis, die mir irgendwann mit Ende vierzig gekommen war: dass man mich zwar ignorieren könnte, dass ich es aber beim Denken mit fast jedem aufnehmen konnte, denn dieser enorme Wust an Gelesenem hatte mein Gehirn in eine künstliche Maschine verwandelt, die in einem Atemzug Philosophie, Naturwissenschaften und Literatur herbeizitieren konnte.

Die Charakterisierung als Hirnmaschine zieht sich durch den ganzen Roman: Bildung stellt Mias Statussymbol dar. Literatur, Naturwissenschaften, Philosophie sind Wissensquellen, aus denen sie ihr Selbstvertrauen schöpft. Hustvedt überzeichnet diesen Bildungsgrad und genau dies bildet den nächsten störenden Faktor in dem Roman: Der lehrhafte Duktus, den die Autorin durch Mia sprechen lässt, führt streckenweise zur Ermüdung, wenn nicht sogar zur Lähmung des Geistes. Ständig werden Lyriker, Romanciers, Wissenschaftler zitiert, erklärt, erwähnt oder teilweise sogar nur aufgezählt. Diese Sequenzen werden zusätzlich mit eigenen Gedichten oder Verszeilen der Erzählerin aufgestockt. Der Charakter Mias braucht sicherlich einen solchen Kunstgriff, um aufzuzeigen, wie ihr Denken funktioniert, aber es ist die Masse dieser Ansammlung, die diese Wirkung verdirbt. Ebenso, wenn sie Absätze lang gewisse Sachverhalte zu erklären versucht, als sei sie nicht sicher, ob der Leser ihr sonst folgen könnte. So z. B. der Abschnitt über den Ostrakismos, der mit dessen Ursprüngen in Griechenland beginnt und mit einer philosophischen Betrachtung über Abgrenzung im Allgemeinen endet. Hustvedt hätte um ihrer eigenen Wirkung willen dem Leser mehr vertrauen müssen, dass er diese Metapher auch in ihrer Andeutung versteht, denn letztendlich ist vollkommen verständlich, wieso Mia über Ostrakismos spricht, schließlich fühlt sie sich selbst als eine von ihrem Ehemann verbannte und ins Exil geflüchtete Ehefrau ohne momentane Aussicht auf eine Wiederkehr.

Hustvedt scheitert in solchen Momenten an der Transparenz ihres Erzählstils und als wäre sie sich dessen selbst bewusst, fügt sie mystische, surreale, morbide Handlungsebenen ein, die sie mit Verfremdungseffekten in der Erzählweise paart und die allesamt als Verschleierungsmoment des allzu Alltäglichen ihrer Geschichte gedeutet werden können. Da ist z. B. der schon angedeutete Hexenzirkel, den sechs der sieben Mädchen aus dem Lyrikkurs der Erzählerin gegründet haben und in dem Arme geritzt werden, um mit Blut das ewige Band der Treue auf einem Dokument festhalten zu können. Eben dieser Zirkel des Bösen ist es dann auch, der sich gegen das siebte Mädchen aus dem Lyrikkurs verschwört. Letztendlich schaukelt sich die Stimmung hoch und die Mädchen beichten alles ihren Müttern und Mia. Alice, das Mädchen, das den Mobbingattacken der anderen ausgesetzt ist, wird selbstverständlich als diejenige charakterisiert, die sich immer ein wenig von den anderen unterschieden hat, gerne liest, in ihrer eigenen Welt lebt und damit nicht nur, wenn auch auf recht oberflächliche Weise, Assoziationen zu Alice im Wunderland hervorruft, sondern auch noch Parallelen zu der Erzählerin, die sich in diesem Mädchen wiederzuerkennen scheint. Diese Teeniegroteske, die auch direkt aus dem Drehbuch einer Daily-Soap Einzug in den Roman gefunden haben könnte, wird durch ein weiteres pseudomystisches Sujet ergänzt: Mr. Niemand. Dieser selbsternannte Mr. Niemand steigt als unbestimmbare Bedrohung aus den Weiten der virtuellen Welt empor und kontaktiert die Erzählerin per E-Mail. Erst beschimpft er diese wüst – nennt sie »geisteskrank«, »verrückt«, »übergeschnappt« – avanciert dann aber nach und nach von der aggressiven Stimme aus dem Nirgendwo zu einem geschätzten Philosophiepartner, der sogar sorgenvoll angeschrieben wird, wenn er sich längere Zeit nicht mehr meldet. Als Begründung für seine längere virtuelle Abwesenheit nennt er daraufhin furchtbarerweise nur dieses eine Wort: »Nierensteine« – so entmystifiziert sich Hustvedt selbst. Die letzte E-Mail, die Mr. Niemand, dessen Identität übrigens nie wirklich aufgeklärt wird, an Mia verfasst, kann man allerdings als ein Beispiel für die durchaus auch funktionierenden Momente in Hustvedts Romans heranziehen:

Manchen von uns ist es bestimmt, in einer Schachtel zu leben, aus der es nur eine zeitweilige Freilassung gibt. Wir mit den beschädigten Lebensgeistern, den vereitelten Gefühlen, dem blockierten Herzen und den aufgestauten Gedanken, wir, die uns danach sehnen, auszubrechen, in einer Flut von Wut oder gar Wahnsinn überzuströmen, doch gibt es für uns kein Wohin, nirgendwo auf der Welt, weil niemand uns so haben will, wie wir sind, und wir können nichts tun als die heimlichen Freuden unserer Sublimierung zu eigen zu machen.

Das ist poetisch, ganz ohne Poesie zu zitieren, große Namen nennen zu müssen, und so treffen Mias Gedanken, die sie sich über die Zeilen des Mr. Niemand macht, auch auf die Gedanken des Leser zu: »Trotz all seiner Trostlosigkeit erreichte er, dass ich mich besser fühlte«.

Die leisen Momente

Was in den geschilderten Fällen durch Hustvedtgrößtenteils zu offensichtlich gestaltet wird und dadurch seinen Reiz verliert, funktioniert an anderen Stellen, so z. B. in der Gesamtkonzeption des Romans, um einiges besser. Es sind gerade die leisen, quasi fast unsichtbaren Momente, die den Roman retten. Der Roman hat keine sichtbare Kapiteleinteilung, doch mit der Zeit wird deutlich, dass die Aufteilung dennoch auf einem Prinzip basiert, weniger offensichtlich als durch klassische Unterteilungsstrukturen, aber dennoch genauso effizient. Durch die Technik, Absätze zu setzen, entsteht die Gliederung so selbstverständlich, dass sie fast organisch wirkt.

Im Grunde gibt es in dem Roman fünf Hauptthemen. Diese setzen sich zusammen aus Rückblenden über die Zeit mit Boris und den ›Jetzt-Momenten‹ mit dem Lyrikkurs, der Nachbarin Mias und deren Kindern, den Gesprächen mit ihrer Mutter und deren Freundinnen und dem Kommunizieren mit der mystischen Stimme Mr. Niemands aus den Weiten des Internets. Diese Hauptthemen tauchen über den ganzen Roman verteilt immer wieder auf und bilden die Stringenz desselben, ohne statisch zu wirken. Die szenischen Wechsel bzw. das Springen zwischen den einzelnen Themen, manchmal schon nach drei Sätzen, bildet Mias Biographie in einer Collage ab, so dass kein geglättetes Abbild derselben entstehen kann, sondern tatsächlich eine Schau auf das komplexe Innere eines Menschen erreicht wird. Zwischendurch setzt Hustvedt immer wieder Brüche durch komplett zitierten E-Mail-Verkehr, Telefongespräche mit der Psychologin Dr. S., stream of consciousness, die, wenn sie nicht gerade wie ein Lexikonartikel verfasst sind, eine gewisse Sensibilität in der Sprache erahnen lassen, von der man gerne mehr gelesen hätte.

Das ist nicht die vorsätzliche Blindheit einer neuen Anziehung; es ist die Blindheit einer durch Jahre parallelen Lebens geschmiedeten Intimität, von dessen Verletzungen und Linderungen gleichermaßen.

Die Selbstbestimmung des Lesers ist unantastbar

Das ständige Ansprechen des Lesers als weiterer Verfremdungseffekt schadet allerdings auf Dauer mehr als es das Innovative des Romans unterstreicht – auch kommt hierbei wieder der Verdacht auf, dass Hustvedt dem Leser nicht allzu viel zutraut:

Bald, sagen Sie, werden wir an einen Pass oder eine Weggabelung kommen. Dort ist dann Action. [...] wenn Sie jetzt hier bei mir auf dieser Seite sind, ich meine, wenn Sie nicht aufgegeben haben und mich, Mia, nicht im hohen Bogen durchs Zimmer geworfen haben [...] dann möchte ich die Hände nach Ihnen ausstrecken und Ihr Gesicht in beide Hände nehmen und es mit Küssen bedecken.

Solche Unterstellungen nerven, zumal es nicht unbedingt an Action, sondern an Innovation mangelt – man möchte als Leser selbst entscheiden, was man an den einzelnen Stellen des Romans gerade für Erwartungen hegt, Vermutungen äußert, Urteile bildet. Die lauten Momente bleiben die schwächsten Momente des Romans.

Zum Schluss noch einmal die Männer: Boris, der etwas gefühlskalte Wissenschaftler, der mit seiner Kollegin sein Ego aufzupuschen versucht und nachher gesenkten Hauptes zurückkehrt, Stefan, sein sensibler Bruder, der sich umgebracht hat und alle traumatisiert zurücklässt, der Vater Mias, ein Tyrann, der Mann der Nachbarin, ein Choleriker, der seine Launen allzu lauthals an seiner Frau auslässt, im Grunde kommen sie nicht gut weg in diesem Roman, die Männer. Dennoch, trotz allen Mokierens über das andere Geschlecht, folgt letztendlich das Zurückrudern, ohne Männer möchte keine Frau sein in diesem Roman, aber ihnen stärker gegenübertreten. So bietet Hustvedt keine Lösung, wie die Barriere der Geschlechter zu überwinden sei, vielmehr wird der Eindruck vermittelt, dass diese Barriere zu akzeptieren ist, ohne sich dabei als schwächeres Glied zu fühlen.

Siri Hustvedt: Der Sommer ohne Männer. Roman. Reinbeck bei Hamburg: Rowohlt Verlag, 2011. 251 Seiten. ISBN 978-3-498-0301-0, 19,95 Euro.

Einer, keiner, hunderttausend

Marcel Diel — Thu, 24 Nov 2011 23:01:00 +0000

Der obige Titel gehört zu einem Roman von Luigi Pirandello, der 1909 begonnen, aber erst 1926 veröffentlicht wurde. Auf Italienisch lautet er Uno, nessuno, centomila. Bei der Gelegenheit ist anzumerken, dass der spätere Literatur-Nobelpreisträger mit 22 Jahren, also 1889, in Bonn zu studieren begann und dort 1891 promovierte. Pirandello schlug sich immer mit dem schwierigen Menschsein herum, und der Held des Buches, Vitangelo Moscarda, fängt ein neues Leben an, landet in der Psychiatrie und findet, dass einen Namen zu haben einem Todesurteil gleichkomme; frei sei man, wenn man jeden Augenblick neu werde. Bin ich einer oder keiner, und was sage ich zu den hunderttausend, deren Weg ich kreuze? Ist der Autor oder der Mensch viele oder ist er gar alle? Wenn er alle wäre, dann wäre er gleichzeitig ein Niemand. In dem Buch Der dritte Polizist von Flann O’Brien (1911–1966), das ich gerade begeistert gelesen habe, fällt dem Erzähler sein Name nicht mehr ein. Die Polizisten wollen ihn hinrichten, da hat er die Erleuchtung und meint, wer niemand sei, den könne man auch nicht hinrichten. Genial. Das leuchtet dem Polizisten fast ein. Aber nur fast. Natürlich erinnert das an Homers Odyssee, wo der Titelheld dem Zyklopen Polyphem, gefragt nach seinem Namen, Niemand sagt (ούδεις), was dann lustig wird, wenn Polyphem von anderen gefragt wird, wer ihn verletzt habe: Niemand, sagt er.

Grab eines Unbekannten (Inconnu), verstorben (décédé) am 19. Juni 2005. Gesehen auf dem Friedhof von Les-Saintes-Maries-de-la-Mer, Oktober 2011. (Foto: Manfred Poser)

Hast du aufgehört oder es?

Die Selbstnegation gehört zur Literatur. Roland Barthes (1915–1980) hat so schön geschrieben, der Schriftsteller sei der »Joker«, der wie im Kartenspiel keinen Wert habe, aber im richtigen Kontext das Spiel entscheiden könne. Der echte Autor macht sich der Geschichte untertan. Er ist ein Kanal für das, was in ihn hineinfließt, und je weniger Persönlichkeit er dazutut, umso besser. In Rudyard Kiplings Autobiographie Something about me gibt es diese hübsche Stelle, wo der Autor seinem Vater verkündet, er habe die Geschichte nun beendet. Der Vater fragt: »Did it stop or you?« Kipling entgegnet, es sei it gewesen. »Dann sollte es nicht zu schlecht sein«, kommentiert der Vater. Vorher konnte man lesen: »Nachdem ich die grundsätzliche Idee in meinem Kopf weggeschlossen hatte, übernahm der Federhalter das Kommando, und ich sah zu, wie er Geschichten schrieb über Mowgli und Tiere, die sich später zum Dschungelbuch auswuchsen.« Vermutlich genießt diese spirituelle Theorie des Autors als channel heute nicht mehr viel Ansehen. Aber kann man ruhigen Gewissens behaupten: Das habe ich geschrieben? Wir alle kommen von irgendwo her und werden aus einem ungewissen Fundus gespeist, den man das kollektive Unbewusste (nach Carl Gustav Jung) oder den universellen Geist nennen könnte. Daher kommt auch die Anmerkung von Jorge Luis Borges, alle Bücher dieser Welt könnten aus der Feder eines einzigen Autors stammen, gehören wir doch alle gewissermaßen zu einer spirituellen Gemeinschaft. Jedenfalls ist es ein Genuss, etwa Jane Austens mit ruhiger Meisterschaft geschriebene Romane zu lesen: Da sind keine Schlacken drin und alles passiert scheinbar, wie es passieren muss. Auf der anderen Seite können auch dezidiert individuelle Werke wie Der dritte Polizist den Eindruck vermitteln, sie müssten genauso sein und nicht anders. Aristoteles meinte, bei großen Werken könne man nichts fortnehmen. Dies gilt, wenn der Autor (oder die Autorin) den Text vorher zurechtgeschnitten hat. Ernest Hemingway schwor auf die Wirkung äußerst karger Prosa und meinte, bei einem Eisberg sei nur ein Achtel des Eises sichtbar, sieben Achtel hingegen bewegten sich unter Wasser fort, und diese unsichtbare Masse gebe dem Werk Dynamik und Bedeutung – ziemlich esoterisch. Der unsichtbare Text ist wohl das, was die gedruckten Worte mit sich tragen, und natürlich muss ich da wieder an die jüdische Torah denken, die ohne die mündliche Überlieferung nicht zu denken ist. Das Gedruckte ist nur etwas, das viele Interpretationen zulässt.

Alle Bücher der Welt von einem Autor? Die Bücherwand von Fritz Schütte in Berlin-Treptow. (Foto: Frieda Poser)

Kipling übrigens war nicht Hemingways Meinung und wandte sich gegen das radikale Kürzen: Er schrieb, man würde es instinktiv spüren, wenn etwas fehle, was der Autor zu Beginn in seinen Text hineingedacht habe. Ich habe kürzlich einen meiner Romane um zehn Prozent gekürzt und fand, dass viele Stellen ohne Probleme wegfallen konnten; dafür gab es andere Passagen, die für mich untrennbar zu der Geschichte gehörten und einfach nicht fehlen durften. Man ist immer in der Gefahr, seine Sätze für heilig zu halten. Dann hackt man einen Absatz mutig weg, und es ist, als wäre er nie dagewesen.

Unsichtbar bleiben

Dann suchte ich ein Zitat, schlug meine Kladde auf, und sofort war es da: »Dafür hat Hegel in Sätzen wie ›Je schlechter der Künstler ist, desto mehr sieht man ihn selbst, seine Partikularität und Willkür‹ prophetisch plagiiert« (Theodor W. Adorno in seinen Noten zur Literatur). Der Autor will unsichtbar bleiben. Ich hatte das Wort vom Unsichtbarsein in mir, schlug zufällig Ein Lesebuch von Günter Eich auf und hatte das Gedicht Huhu vor mir.

Wo die Beleuchtung beginnt, bleibe ich unsichtbar. Aus Briefen kannst du mich nicht lesen Und in Gedichten verstecke ich mich. Den letzten Schlag Gab ich euch allen. Mich triffst du nicht mehr, solang ich auch rufe.

Ich hatte aus Interesse Stellen übers Unsichtbarsein gesammelt wie jene aus Friedrich Doucets Buch Die Toten leben unter uns:

»Auch ein Sich-Unsichtbarmachen, ein Auftreten wie unter der aus der Siegfriedsage bekannten Tarnkappe, ist für Lamas lediglich ein psychoenergetisches Problem. Nötig ist dazu, wie sie erklären, durch Konzentration jegliche, also auch wirklich die allergeringste geistige Regung zu unterdrücken. Gelingt dies, so weckt man auch keine Empfindungen bei seiner Umgebung. [...] Folglich wird, wer keinerlei Gedankenempfindungen ausstrahlt, nicht gesehen; er bleibt unsichtbar.«

Der Autor ist darum wie ein Toter – in der Geschichte der Mystik, ob in der jüdischen, ostasiatischen oder orientalischen, heißt es immer wieder, man müsse schon zu Lebzeiten sterben, nichts solle einen in dieser Welt interessieren, dann werde man recht handeln. Man schreibt gut, wenn man nur die Geschichte schreiben will und nicht an Verkaufszahlen, den eigenen Ruf oder daran denkt, was die Leser goutieren könnten. O Musen, beschwor man in der Antike zu Beginn eines Werks, steht mir bei! Nur eine der neun ist zuständig, bei uns am ehesten Kalliope (καλλιοπη – für epische Dichtung, Philosophie und Wissenschaft). Wenn sie uns küsst, müssen wir uns ihr widmen, denn eifersüchtig ist sie, diese Muse, und, da sie sich schnell ärgert, flüchtig.

Der Ausländer des Daseins

Stephan Rauer — Mon, 14 Nov 2011 22:00:00 +0000

Es gibt nicht so furchtbar viele Schriftsteller und zugleich überzeugte Nazis, die heute noch lesbare Texte produziert haben. Pound, Celine, Hamsun. Sonst noch wer? Warum gab es so wenige davon? Wie waren diese Ausnahmen überhaupt möglich?

Mit der letzten Frage befasst sich die ungefähr auf die Hälfte zusammengestrichene deutsche Ausgabe der Hamsun-Biographie des norwegischen Journalisten Inger Sletten Kolloen, die im April 2011 im Landt-Verlag erschienen ist. Dass er zu keiner klaren Antwort kommt, ist sicher eine der Stärken dieser Biographie. Diese verkaufte sich laut Pressemitteilung seines deutschen Verlegers in Norwegen über 70.000 Mal. Man braucht kein Prophet zu sein, um vorherzusagen, dass die Auflage der deutschen Ausgabe nur einen Bruchteil dieser Verkaufszahlen erreichen wird. Zu Lebzeiten allerdings waren ja viele von Hamsuns Romanen in Deutschland noch Mega-Erfolge gewesen. So rührte die Biographie in Norwegen anscheinend an ein starkes Bedürfnis, seinen Frieden mit einem der berühmtesten Norweger machen zu wollen. An welches Bedürfnis aber könnte sie in Deutschland rühren sollen?

Andreas Krause Landt und sein Verlag

Andreas Krause Landt ist ein ehemaliger Journalist der Berliner Zeitung, der nach eigenem Bekunden wegen unüberwindlichen Schwierigkeiten in der Redaktion der Zeitung diese verließ und einen eigenen Verlag gründete, nachdem er 2007 den von der Jungen Freiheit verliehenen Gerhard-Löwenthal-Preis für Journalisten angenommen hatte. Das Programm des Landt-Verlags ist mit rechtskonservativen Themen und Autoren verknüpft, so sind etwa der Briefwechsel zwischen Ernst Jünger und Margaret Bovary, Jörg Schönbohms Erinnerungen, ein Buch des Historikerstreit-Historikers Nolte zum Islamismus erschienen. Über Landts eigene programmatische Ausrichtung geben ein Merkur-Artikel (2005) und das in der von Götz Kubitschek geleiteten Edition Antaios erschienene Bändchen Mein jüdisches Viertel, meine deutsche Angst Auskunft.

Landt geht es in beiden Texten darum, einen eigenen Weg aus der seiner Ansicht nach angstdiktierten und unproduktiv rückwärtsgewandten spezifisch deutschen Form von Vergangenheitspolitik zu weisen, die eine positive deutsche Identität nachhaltig verhinderten. Dabei bestreitet er das, was er die »Einzigartigkeitsthese« des Holocaust nennt (ohne einen Hinweis auf die seit Jahrzehnten intensive Historiker-Debatte zu geben, fordert (etwas unklar bleibt von wem eigentlich) mit »Verzeihen, Vergeben und Vergessen« nun endlich anzufangen und kämpft gegen »unsere […] Wächter und Ankläger, die, teils großzügig mit Steuergeldern ausgestattet, unsere öffentliche Meinung kontrollieren.«

Die Herausgabe der Hamsun-Biographie muss man sich so also wohl als ein Stück Gegenöffentlichkeit vorstellen. Auslöser des neueren autobiographisch gefärbten Textes von Landt, der insgesamt die älteren Positionen noch einmal zusammenfasst, dürfte die Entdeckung gewesen sein, nicht nur von einem auf dem Balkan anscheinend in Gräuel verwickelten Großvater mütterlicherseits, sondern auch von einer Budapester jüdischen Großmutter väterlicherseits abzustammen. Der Hauptgestus beider Texte ist der eines ›man sollte endlich einmal die wichtigen Fragen stellen dürfen‹: Fragen nach der Berechtigung von Schuldgefühlen der Nachgeborenen etwa, die Frage, ob nicht »die Erhebung des Holocaust zum Hauptthema der Vergangenheitsbewältigung« »Geist in der Breite« (was immer das heißen mag) gekostet habe usw. Landt schlägt abschließend vor, Hitler endlich zu begraben, indem man in Deutschland die deutsche Angst endlich »loslasse«, »wie ich mit ernstem Blick nach hinten und ruhigem Blick nach vorn«. Die Herausgabe der Hamsun-Biographie soll also wohl zu diesem (nicht brandneuen, schon in den 50er Jahren des letzten Jahrhunderts in der Bundesrepublik weit verbreiteten, vielleicht aber ja nun neu aktuellen) Anliegen etwas beitragen können. Aber was eigentlich? Dazu, v.a. aber zu Kolloens Biographie, im Folgenden einige Anmerkungen anstelle einer Rezension. Eine allgemeine Orientierung über Hamsuns Biographie, die doch nur wieder auf ein Wiederkäuen der immer gleichen Koordinaten hinausliefe, ist wohl verzichtbar, verwiesen sei stattdessen auf die Beiträge von Eckart Löhr auf literaturkritik.de, den in der Kritischen Ausgabe Nr. 13 (2005) erschienenen Beitrag von Marko Milovanovic sowie auf die Anmerkungen der Übersetzerin Gabriele Haefs.

Kolloens Hamsun-Biographie

(1) Hamsun, der in Deutschland in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts enorme Auflagen erzielte, wird hier heute, so zumindest mein Eindruck, kaum noch gelesen. Es gibt so besehen keinen »Fall Hamsun«, der einer breiten Öffentlichkeit noch auf den Nägeln brennen würde. Das ist bedauerlich, denn Hamsuns Romane sind großartiger, mit hellen, überraschenden, präzisen Formulierungen vollgepackter, vielschichtig komplizierter und so gar nicht nur »tümelnder« Lesestoff. Dann zumindest, wenn man bereit ist, über gelegentliche ideologische Einsprengsel hinwegzugehen, antibritische Ausfälle etwa und anderes eher krudes Zeug, das der Erzähler seinem Personal gelegentlich in den Mund legt. Selbst das ganz untypische Segen der Erde stellt dem Einödbauern Isaak in seiner biblischen Unverrückbarkeit mit dem Amtmann Geißler eine jener typischen Hamsunschen Gestalten eines ungreifbaren, artistischen, modernen Projektemachers gegenüber. Der wie stets bei Hamsun nicht zu greifende, polyphone Erzähler urteilt diesen nicht ab, alles bleibt in der Schwebe. Dieses In-der-Schwebe-Bleiben ist in den anderen Romanen des späteren Hamsun noch weitaus ausgeprägter, stets sind es die wirren großartig phantasierenden Projektemacher wie August (Landstreicher-Triologie), Holmengra (Segelfoss-Romane) oder Oliver (Die Weiber am Brunnen), die eher bodenständige, schlichtere Gegenfiguren blass aussehen lassen. Zur verengten Rezeption im damaligen Deutschland finden sich in Kolloens Biographie nur wenige Hinweise, viel erhellender sind hier die frühen Texte der Emigranten Leo Löwenthal (1937) und Peter de Mendelssohn (1953). Die Biographie Kolloens ist eben für ein norwegisches Publikum verfasst. Ihre Stoßrichtung ist vor allem auf das ausgerichtet, was er gleich zu anfang so beschreibt: den »Weg des Genies, das die Weltliteratur verändert hat, und des Politikers, der wegen Landesverrats verurteilt wurde« verstehbar zu machen. Dieser »Landesverrat« also ist es, den die Biographie, scheint mir, durch Ausleuchtung der Person Hamsun verständlich und so ›kommensurabel‹ machen möchte. Den ›globaleren Verrat‹ Hamsuns an seinen begeisterten Lesern auch außerhalb Norwegens (Gorki, Thomas Mann, Tucholsky und viele, viele andere) versucht de Mendelssohn in seinem Text zu fassen über die Frage »Ist die Kunst wichtiger als die Gesinnung, oder die Gesinnung wichtiger als die Kunst?« Was heißt es also, heute Hamsun zu lesen, wenn man weiß, dass dieser die KZ-Inhaftierung Ossietzkys so kommentierte:

Es ist vielleicht nicht ganz verkehrt, daran zu erinnern, dass Herr Ossietzky Deutschland sowohl vor als auch nach der Machtergreifung des Nationalsozialismus hätte verlassen können. Aber er wollte nicht. Er rechnete damit, dass die Leute aufschreien würden, wenn er inhaftiert würde. Und seine Rechnung ging auf.

Inwiefern erhellt also die Biographie auch über den innernorwegischen Kontext hinaus?

(2) Vermutlich verdankt sich die Kürzung des Textes für den außernorwegischen Markt auf ungefähr die Hälfte den skizzierten unterschiedlichen Interessenlagen in und außerhalb Norwegens. Kolloens Biographie greift auf eine erheblich breitere Materiallage zurück als die Biographien vorher. So sind erstmals die erst vor einigen Jahren aufgetauchten 5.000 Dokumente aus Hamsuns Archiv eingearbeitet. Berücksichtigt sind auch erstmals die Aufzeichnungen aus seiner Psychoanalyse. Die Ausgabe verzichtet auf jegliche Belege für in Anführungsstriche gesetzte (und z.T. durch Auslassungszeichen als Kürzungen gekennzeichnete) Zitate. Dieses für einen Text, der vielleicht eine neue grundsätzliche Behandlung initiieren soll, eher untypische Verfahren irritiert auch einen ›nur so‹ interessierten Hobby-Hamsunisten wie mich, man wüsste gerne, wer gerade spricht usw. Ganz abgesehen davon, dass bei den umfangreichen Kürzungen v.a. im ersten Teil manche Fäden liegen geblieben und Verbindungen unschlüssig sind, so erscheint die deutsche Ausgabe des Großunternehmens, bei dem Kolloen führende Hamsun-Spezialisten einbezog, gewissermaßen verkümmert (vgl. dazu auch die Rezension von Aldo Keel in der NZZ. Das gilt auch grosso modo für die Behandlung der Texte Hamsuns selbst, vieles bleibt zumindest in der deutschen Ausgabe hier nur skizziert, angedeutet, ungenau, thetisch. (Man vergleiche etwa die Darstellung von Hamsuns letztem ›großen‹ Roman Der Ring schließt sich bei Kolloen mit der in Walter Baumgartners kleiner RoRoRo-Monographie: Zwar kommen beide übereinstimmend zu dem Ergebnis, dieser Text hätte den Nationalsozialisten eigentlich als »entartet«, als haarsträubend gelten müssen, eine zusammenhängende Erklärung aber über den Charakter der Hauptfigur hinaus gibt zumindest die gekürzte Fassung von Kolloens Darstellung im Gegensatz zu Baumgartner nicht.)

(3) Ein großer Pluspunkt der Biographie ist ihr narrativer Gestus: Kolloen erzählt packend, bringt viele anschauliche Details, schlägt Bögen. Deutlich geht es ihm darum, den Autor Hamsun verstehen zu wollen. Und tatsächlich formt sich aus den vielen Geschichten das Bild eines Autors, der von Kindheit an antibritisch geprägt wird, Amerika Auswanderung als Verlust von Wurzeln erlebt, von Beginn an seine Schriftsteller-Karriere auf Skandal und Randale hin bürstet, unersättlich Frauen und sonstige Intensitäten jagt, breite kulturkritische Einstellungen vertritt gegen ziemlich alles, was jeweils modern ist, von Kapitalismus und Demokratie über die Frauenemanzipation bis zum Zeitungswesen und zum Höllenleben in den Städten. Mehr noch als über Juden und Amerikaner zieht er über die Engländer her. Beim Gelage im Anschluss an die Nobelpreisverleihung wird er einem Akademiemitglied kumpelhaft auf die Schulter klopfen und ihm mitteilen, er sei doch eigentlich ein richtig netter Jude. Früh entdeckt der autodidaktische Underdog Hamsun, dass er ein bürgerliches Publikum nicht über bildungsbürgerliche Themen erreichen wird. In früher Furcht, für nicht originell gehalten zu werden, entwickelt er seine seltsame Mischung aus hypertrophem Interesse an seelischen Nervositäten, an Nervenleiden, am Unbewussten und Nicht-Rationalen einerseits, aus Propaganda einer irgendwie heilen, ursprünglichen, naturnahen Gegenwelt andererseits, orientiert sich an Nietzsche, Schopenhauer und Dostojewski. Dabei gönnt er seinen Figuren das nicht, was er doch außerhalb seiner Romane stets propagiert: In den Romanen gibt es »von der modernen Waren- und Dienstleistungsgesellschaft keinen Weg zurück zur bäuerlichen Gemeinschaft«, wie Kolloen schreibt. Das Buch liest sich packend, allerdings geht dieses Packende gelegentlich einher mit unklarer Erzählerperspektive durch zu viel erlebte Rede ohne Belege: »Endlich war Ibsen tot«.

(4) Unklar bleibt bei all dem allerdings der genaue Mehrwert zumindest der gekürzten Fassung gegenüber den Vorarbeiten anderer auf Deutsch zugänglicher Lebensdarstellungen. Immerhin hat ja der Engländer Robert Ferguson 1987 eine dickleibige Hamsun-Biographie vorgelegt, die nicht weniger emphatisch an ihrem Objekt entlang eine Geschichte erzählt. Stichprobenhafte Vergleiche, so beispielsweise die Darstellung des Treffens mit Hitler (auf die sehr detaillierte Darstellung Fergusons verweist Baumgartner fair und knapp in einer Fußnote), lassen fragen, was Kolloen hier darüber hinaus eigentlich Neues bringt, außer der Deutung, das Treffen sei die größte Niederlage in Hamsuns Leben gewesen. So mein Eindruck anhand der deutschen Kurzfassung, den detaillierte philologische Analyse dann bestätigen oder verwerfen mag. Aber auch die breite Dargestellung der psychoanalytischen Behandlung Hamsuns ergibt über die knappen Hinweise Baumgartners hinaus eigentlich keine neuen Aspekte, wenn auch beispielsweise ein zitierter Traum wie der erste, den er seinem Analytiker erzählt, von großer Anschaulichkeit ist:

Da trug jemand ein Kind, aber nicht richtig, wie ich fand. Das Kind war ungeheuer fest gewickelt, es konnte sich nicht bewegen. Ich sagte: »Wickelt das Kind los, damit es sich bewegen kann«. Kinder müssen sich doch bewegen können, das Allerbeste wäre es, sie gar nicht zu wickeln, aber dieses Kind war wie ein Paket verschnürt, so wurde es unter dem Arm getragen. Man hat niemals Ruhe vor der Masse. Ich bin meiner Ansicht nach zu fest gewickelt. Zu steif.

In Zusammenhang mit der Darstellung von Hamsuns Analyse kommt Kolloen zum Zentrum seiner Argumentation. Danach kann der Analytiker Hamsun zeigen, dass das »Beste an seinem Werk […] aus dem gewaltigen Spannungsfeld zwischen den Gegensätzen in seiner Persönlichkeit« entstand. So wollten sich, schreibt Kolloen, seine Figuren oft anders verhalten, als er es geplant hatte:

Sein Schöpfer wusste, das musste so sein. Er besaß mehrere Erzählerstimmen, deshalb konnte er es sich erlauben, die Kontrolle zu verlieren. […] Oft sprach er mit [seinen Figuren] und legte ihnen Worte in den Mund. So führte er ständig einen Dialog mit sich selbst. Er musste sich öffnen, auf eine Weise, wie er es im Leben nie vermocht hätte.

So ist ein Vorteil der letztlich journalistischen Herangehensweise von Kolloen, dass manche Zusammenhänge im Detail schlagartig erhellt werden, so etwa, wenn detailliert beschrieben wird, wie sich Hamsun die Frau seines Lebens von Beginn der Beziehung an gewissermaßen zurechtdressiert, oder auch die Darstellung der Reaktion von Ossietzky, der in seiner Pankower Wohnung 1938 im Sterben liegt und von einem norwegischen Ehepaar Besuch bekommt. Die beiden bedauern das peinliche Verhalten Hamsuns, Ossietzky aber winkt ab: »Ich kenne ihn nicht als Menschen, sondern nur als phantastischen Dichter.« Anschließend lässt er sie, für den Fall, dass sie Hamsun je begegnen sollten, Grüße ausrichten. Oder auch Hamsuns ambivalente Haltung zu Juden: Trotz allem expliziten Antisemitismus, der sich vor allem darin äußert, sich gegen ›ungesunde Blutmischung‹ zwischen Aborigines und Juden auszusprechen, verhilft er dem jüdischen Lektor des Bruno-Cassirer-Verlags Max Tau zu einer Aufenthaltsgenehmigung für Norwegen. Sprechend auch eine kleine Reaktion aus dem selben Jahr während eines Besuchs in Deutschland, die Kolloen festhält: Vor einem Haus stehen zwei Bänke mit großer gelber Aufschrift, nur für Juden. Als Hamsun sich setzen will, weist ihn sein Sohn Tore darauf hin. »Was für ein verdammter Unsinn«, soll Hamsun gerufen haben.

(5) Was bleibt also nach der Lektüre von knapp 500 Seiten fesselnder Widersprüchlichkeit? Die Widersprüche müssen kaum auszuhalten gewesen sein: »Ein Bekannter fand ihn in seinem Hotelbett, zusammengekrümmt wie ein Embryo mit einem ›in riesige Fetzen gerissenen Weinen‹, wie er noch nie ein Kind oder einen Erwachsenen habe weinen hören.« Dieser Bekannte, in der deutschen Stummelversion nicht genannt, der ihn 1905 findet und in eine Klinik bringt, ist wohl der Publizist Christian Gierløff, der später während Hamsuns Prozess eine Zeitlang der nächste Vertraute des Dichters sein wird, nachdem der 90-Jährige erneut völlig zusammenbricht: »Hamsun lag auf dem Bett, halb angekleidet, die Arme ausgebreitet. Er war sehr bleich, sein Mund halb offen, das Gesicht tränenüberströmt.« So entsteht während der Lektüre neben Kopfschütteln Mitgefühl.

Der breit dargestellte Prozess gegen den Vaterlandsverräter läuft schließlich auf die Essenz eines einzigen Satzes hinaus: »Ich finde es erbärmlich, zu bereuen.« Diese Haltung teilt mit Hamsun in den 50er Jahren für eine Zeitlang das Dreigespann Carl Schmitt, Ernst Jünger und Gottfried Benn, wie Helmut Lethen in seinem Benn-Buch dargestellt hat. Gegen deren ›Verhaltenslehre der Ehre aus Kälte‹ aber steht Hamsuns Haltung zwar einerseits nicht weniger kalt, was die Opfer von Krieg und Nationalsozialismus angeht, nur bei Hamsun aber scheint ein erheblicher Graben zwischen dieser Kälte im Biographischen und der Welt der fiktionalen Texten zu klaffen: Hamsuns Erzähler sind aufgeladen nicht nur mit Moderne und Ironie, sondern auch mit Emotionalität und gelegentlicher Empathie. Der elitäre Gestus, mit welchem Schmitts, Jüngers, und (mit Abstrichen) Benns Texte ihr Publikum traktieren, ist Hamsuns Texten fremd. Warum also hat Hamsun es für »erbärmlich« gehalten zu bereuen? Anscheinend hat er, das legt zumindest sein letztes Buch Auf überwachsenen Pfaden nahe, alles, was er während der nationalsozialistischen Okkupation Norwegens geschrieben hat, auch im Nachhinein für richtig gehalten und sich für die Opfer nicht zuständig gefühlt. Auch Kolloens Biographie verhilft hier zu keinem freundlicheren Bild.

(6) Wie sollte sich also eine unkonventionelle rechtskonservative Haltung wie die eines aufgeschlossenen Lesers von Publikationen des Landt-Verlags diesen Autor aneignen können? Wie die Sezession-Autorin Kositza über den trennunscharfen Begriff von »Leben«? Bei all dieser deutlich auch unglücklichen Widersprüchlichkeit? Nagel in Hamsuns frühem Roman Mysterien endet als »Ausländer des Daseins«. Freud wiederum hat das Unbewusste als »unser inneres Ausland« bezeichnet. Vielleicht ist Hamsun mit seinen Texten, mit seiner Biographie und v.a. mit all seinen Widersprüchen eine Art innerer Ausländer der neuen Rechten, kein Musterbeispiel also für Genialität von rechts, sondern eher eine Beunruhigung.

P.S.

Was aber meint Andreas Krause Landt, wenn er seinen auf Mallorca verfassten Rapport über die eigenen Versuche, sich einen Weg durch das Dickicht deutscher Identitätsfindungsbemühungen zu schlagen, abschließt mit dem Satz »Die Sonne scheint. Wir gehen an den Strand«? Während Hamsun den Tourismus in der in seinem, Landts, Verlag erschienenen Biographie doch abschießt? Norwegen, so kolportiert Kolloen Hamsuns Position, stehe im Zeichen des Tourismus, die Fremden füllten Straßen, Hänge, Flussufer, Höfe, Berghütten … Vater und Sohn öffneten ihnen demütig die Zauntür und stünden mit der Mütze in der Hand da, um den Kupferschilling aufzufangen. Im Haus bedienten Mütter und Töchter die ausländischen Herrschaften …:

Jetzt können wir Kaffee kaufen und ihn bezahlen, wir können Vorhänge vor die Fenster in unserer Hütte hängen, wir können mit Chauffeuren Englisch spieken. Aber wir haben unsere Genügsamkeit aufs Spiel gesetzt, unsere gute Ruhe, unsere kleinen und stillen Gewohnheiten, wir haben unseren Fleiß verloren, unser Inneres preisgegeben …

Landts Merkur-Essay trägt den Titel: Holocaust und deutsche Frage. Ein Volk will verschwinden. Am 11.09.2010 wiederum veröffentlichte Patrick Schirmer Sastre in der Berliner Zeitung einen spöttischen Kommentar zu Theo Sarrazins Bestseller über das Volk, das sich abschaffen will, vermutlich ganz in Hamsuns Sinne: Mallorca schafft sich ab. Um also mit dem Titel von Hamsuns letztem großen Roman nun selbst endlich auch zu schließen: »Der Ring schließt sich«.

Inger Sletten Kolloen: Knut Hamsun. Schwärmer und Eroberer. Übersetzt von Gabriele Haefs. Berlin: Landt-Verlag, 2011. 496 S. ISBN 978-3-938844-15-1. 29,90 Euro.

Bin ich viele?

Marcel Diel — Thu, 10 Nov 2011 23:01:00 +0000

Im Sommer traf ich nach vielen Jahren bei einem Fest in Zürich Peter Brugger wieder, den Neuropsychiater. Wir sprachen über einen gemeinsamen Bekannten, der uns nicht kennt und überhaupt bereits im August 1933 in Rom gestorben ist. Ludwig Staudenmaier heißt er, geboren 1865, Professor für Chemie, und berühmt wurde sein Buch Die Magie als experimentelle Naturwissenschaft (hier als PDF). Es ist der Bericht eines schrecklichen Experiments: Staudenmaier führte eine Persönlichkeitsspaltung bei sich herbei und weitere, bis er in fünf bis sieben Einzelpersönlichkeiten zerfallen war, die sich bekämpften. Das zermürbte den Experimentator. Er floh und zerbrach.

Stadt aus Glas

Gleich nach dem Fest schlug ich wieder ein Buch auf, Stadt aus Glas von Paul Auster (1987). Da meldete sich das Thema sofort wieder. Erzählt wird von dem Autor Daniel Quinn, der unter dem Namen William Wilson Detektivromane mit dem Helden Max Work schreibt. Einmal bekommt er einen Anruf von einem, der Paul Auster sprechen will. Quinn gibt sich als Auster aus und lernt im Verlauf des Buches auch den echten (?) Autor Auster kennen, und später, als die Geschichte einem seltsamen Ende zutreibt, erfährt der Leser, dass der Erzähler der Geschichte ein Bekannter Austers und Quinns ist ... Ein verwirrendes Spiel mit Identitäten und Stimmen.

: Wer bin ich? Der Autor, ratlos, in einer Ausstellung in Offenbach, 2009. (Foto: Gabriele Juvan)

Das kann uns heute nicht mehr verblüffen. In der Literatur ist alles Denkbare bereits durchgespielt worden, und vielleicht müsste man tatsächlich bei Don Quijote von Miguel de Cervantes Saavedra beginnen, Anfang des 17. Jahrhunderts verfasst, in dem der Autor sich vorkommen lässt – wie Auster in der Stadt aus Glas –, jedoch die Autorschaft mehreren dunklen Quellen zuschreibt. Ein Urheber eines Romans verteilt ja sich selbst auf mehrere Personen, die gewissermaßen als Interpreten seiner psychischen Landschaft fungieren. Die postmodernen Spiele mit Selbstreflexivität und vielfältigen Bezügen grassierten in den 1980er Jahren; ich denke da an Antonio Tabucchi, dessen Werke mich damals gefesselt haben.

Man könnte spekulieren, dass die Austerschen Verknotungen und die Tabucchischen Rückverweise Ausdruck einer zunehmend klaustrophobisch wirkenden westlichen Welt waren, Zeichen einer Krise, die durch den Fall des Kommunismus erst offenbar wurde. Alles öffnete sich, und nun sind die Grenzen der Banalität die Grenzen der uns bekannten Welt. Doch es gibt eine weitere Parallele aus den 1980er Jahren, die an Staudenmaier und die Zersplitterung des Autors denken lässt.

Multiple Personality Disorder

Jean-Martin Charcot hatte 1882 gefunden, dass in Fällen von Hysterie der Bewusstseinsstrom sich aufspalten könne. Alfred Binet und Max Dessoir sprachen 1890 vom doppelten Bewusstsein beziehungsweise dem Doppel-Ich, und Pierre Janet führte den Begriff der Dissoziation ein, auf deutsch: Abspaltung. Das ist eine Fähigkeit des Menschen. Täglich tun wir viele Dinge automatisch. Wir verlieren uns in Tagträume. Typische Erscheinungen von Dissoziation sind Amnesien, Fugues (unerklärbares Verschwinden), Somnambulismus und Multiple Personality Disorder. Ein Mädchen wird vom Vater missbraucht, das ist entsetzlich; es leugnet die Tat und tut so, als ob sie einer anderen geschehen wäre. So kann es weiterleben, denn den Vater braucht man als intakte Gestalt. Es entsteht ein abgespaltener Komplex, eine rudimentäre Person gar. Wenn die Bedingungen des Missbrauchs wieder aufleben, ist alles wieder da. Leider erstickte Sigmund Freuds Verdrängung die Dissoziation; ich bleibe ich, habe etwas nur verdrängt und versteckt. Zudem glaubte Freud an sexuelle Triebkräfte in Kindern, und Missbrauchserinnerungen konnten als Projektionen fehlgedeutet werden. 1906 veröffentlichte Morton Prince ein Buch über »Miss Beauchamp« (Clara Norton Fowler), und ein Namensvetter, Walter Franklin Prince, stellte 1915 den Fall Doris Fischer dar. Es waren Frauen, die verborgene Persönlichkeiten besaßen, und nicht nur eine. Die Krankheit hieß Multiple Personality Disorder, jedoch wurde sie von 1910 bis 1970 kaum mehr diagnostiziert, Schizophrenie – zwei Personen in einer – dafür umso häufiger. In den 1980er Jahren kam es plötzlich zu einer Welle von MPDs. Kindesmissbrauch rückte in den Fokus, bedingt durch die Frauen-Emanzipation und eine Psychologisierung der Gesellschaft. Was vorher nicht gesehen werden wollte, wurde nun übertrieben. Menschen wurden auch zu Unrecht angeklagt, weil gut meinende Therapeuten Traumata zu Erinnerungen an Missbrauch umdeklarierten. Doch es gab auch genügend echte Fälle. Sexueller Kindesmissbrauch ist Realität. 97 Prozent der »Multiplen« – meist Frauen – waren oft missbraucht worden. In den 1980er Jahren wurden viele Bücher über MPD veröffentlicht. Ich habe sechs bis acht gelesen. Die meisten Patientinnen hatten sechs bis sechzehn Persönlichkeiten, die alters (von lateinisch alter, anders; das alter ego), und diese alters »switchten« hin und her; manchmal war eine Person nur wenige Sekunden da, dann wieder ein paar Minuten. Und jede neue Person weiß nichts von der anderen; eine Lounge oder ein schwarzes Brett wird benötigt, um sich über Alltagsfragen zu einigen.

Bin ich viele? Der Autor (in Gelb) mit anderen Radlern in Rom bei einer Fahrrad-Demonstration. (Foto: Jürgen Löffler)

Für den Therapeuten bedeutete das Stress in Reinkultur. Manch einer wurde in einer Nacht von zehn verschiedenen alters angerufen. Andere frohlockten. Der Ehemann einer MPD-Patientin soll gesagt haben, mit ihr verheiratet zu sein, sei wie einen Harem zu besitzen, bei dem man nur eine verköstigen müsse.

Therapie und Ausblick

Bei der Therapie geht es darum, eine »Fusion« zu erreichen. Zerstörerische Teilpersönlichkeiten sollen verschwinden, denn immer wieder gibt es homicidal und suicidal alters, was nicht verwundern kann. Der »Inner Self Helper« musste unterstützt werden, und im besten Falle war eine Patientin nach fünf Jahren wieder eins: sie selbst. Es ist, als wäre ein Autor in seinen Roman eingetreten, hätte sich darin verloren und befreite sich nach Abschluss wieder davon. Aber auch im Buch deuten sich Verschmelzungen an, beliebt bei Auster, wo immer wieder Beobachter und Beobachteter miteinander verschmelzen, Autoren mit ihren Figuren, und ohnehin ist das ein wichtiges Motiv bei Jorge Luis Borges, an den Auster gern erinnert. Aus dem Einen entsteht das Viele, das wieder in die Einheit eingeht: eigentlich ein natürlicher Vorgang, wenn wir an die gnostisch-kabbalistische Vorstellung des fernen Gottes denken, En Soph, der die Welt erschafft, um sich anbeten zu lassen. Am Ende der Zeiten wird womöglich die ganze komplexe Schöpfung wieder in Gott zurückgenommen – um von neuem zu entstehen. Wie bei vielen Psychopathologien am Rande des Verständlichen fehlten bei MPD nicht die Versuche, das Krankheitsbild wegzuerklären. Die Psychiater sollten schuld sein, die Teilpersönlichkeiten seien iatrogen entstanden: von ihnen erzeugt. Doch so einfach ist es nicht. Man sollte noch darauf hinweisen, dass Besessenheit auch möglich wäre. Martin Luther noch hielt alle Geisteskrankheiten für Fälle von Besessenheit, und hinter Fällen von Stimmenhören und bizarren Persönlichkeitsveränderungen könnte man durchaus den Einfluss von Dämonen vermuten. Woher kommt nun unsere Persönlichkeit? Und der Autor, der diese spaltet und wieder vereint, was ist er? Alle vielleicht – oder niemand? Davon demnächst mehr.

Die stufenweise Ankunft in der schwedischen Kultur

Ute Friederich — Fri, 04 Nov 2011 07:00:00 +0000

Eine ›deutsche‹ Buchmesse

Ein wunderbarer Moment tauchte unverhofft auf, als ich meine Reisepläne organisierte: Skandinaviens größte Buchmesse in meiner Nähe! In Göteborg, weniger als drei Zug-Stunden von Växjö aus, hieß es vom 22. bis 25. September »Välkommen till Bok & Bibliotek Bokmässan«. Schmunzelnd schüttelte ich den Kopf, als ich den diesjährigen Schwerpunkt entdeckte: »Drei Länder Eine Sprache – Deutschland, Österreich, Schweiz«. Obwohl ich doch endlich mein Schwedisch vertiefen und so viel Schwedisch wie möglich sprechen, lesen und hören wollte, blieb meine Freude über die Messe ungetrübt. Am Samstag Morgen ging es also auf in Schwedens zweitgrößte Stadt. Während der Fahrt bietet die Sicht aus dem Zugfenster die typisch schwedischen Motive: Spiegelglatte Seen von der Sonne beschienen und Nadelwälder breiten sich aus soweit das Auge blicken kann. Und plötzlich, ganz unerwartet, erreicht man eine Stadt, betritt eine große Bahnhofshalle und steht inmitten schnell umherlaufender Menschen. Ich war in Göteborg angekommen. Ich stolperte beim Verlassen des Bahnhofsgebäudes auf volle Einkaufsstraßen, gar riesige Shoppingmalls und viele Menschen. Doch wenn man sich nur ein paar Straßen durch die Massen schlängelt, kommt man auf einen Platz von dem man in kleinere, gemütlichere Gassen einbiegen und so den Einkaufenden und den lauten Geschäften entkommen kann. Durch die Sträßchen schlendernd genoss ich die behagliche Atmosphäre der Stadt. Obwohl Göteborg eine der drei größten Städte Schwedens ist, ähnelt sie in Teilen einer ruhigen und friedlichen Kleinstadt. Schon auf dem Weg zum Hostel kam ich am Svenska Mässa-Gelände vorüber und die Vorfreude auf den nächsten Tag stieg.

Foto: Lina Rieth

Sonntag, um Punkt 9 Uhr eroberte ich das Reich der schwedischen Buchmesse! Begrüßt von der deutschen Flagge, den Schweizer Buchverlagen und dem österreichischen Bücherreich fühlte ich mich so heimisch, als wäre ich auf der Leipziger Buchmesse eingetroffen. Deutsche Diskussionen umringten mich und die Autoren auf den Plakaten der Stände waren mir weitgehend bekannt. Hier und da entdeckte ich sogar vertraute Gesichter: die Schweizer Autorin Melinda Nadj Abonji, die im vergangenen Semester einen Vortrag in der Bonner Uni hielt und Felicitas Hoppe, die noch kürzlich die Kritische Ausgabe mit einer Lesung erfreute. Die Ähnlichkeit der ganzen Geschehnisse zum Treiben in Leipzig war nicht zu leugnen, also fühlte ich mich pudelwohl!

Je weiter ich mich in das Gewusel begab, desto schwedischer wurde es allerdings. Ich stieß auf die großen bekannten schwedischen Verlage und auf Gesellschaften mit dem Fokus auf die klassischen hohen schwedischen Literaten. Erstaunlicherweise fand ich auch so einige ungewöhnliche Stände, denn hier war wirklich jeder vertreten. Vom »Nordiska rådets litteraturpris«, dem größten skandinavischen Literaturpreis, über die schwedische Post, das Europaparlament bis hin zu Museen und Umwelt- und Menschenrechtsorganisationen präsentierten sich in den vielen Hallen, die unauffällig ineinander übergingen, die unterschiedlichsten Institutionen. Verlaufen musste man sich jedoch nicht, da man beim Eintreten eine Übersichtskarte bekam und überall Tafeln zur Orientierung angebracht waren. Wie auf deutschen Buchmessen fanden überall Lesungen, Vorträge und Diskussionen statt. Kleine Cafés waren in einigen Ecken platziert, in denen kleine Bühnen eingerichtet waren und Musik dargeboten wurde. Da ich bald genug deutschsprachiges Buchgut gesehen hatte, begab ich mich lieber wieder in die Ecke der schwedischen Klassiker. Genau hier stieß ich auf mein Projekt für die langen und dunklen Nächte, die mich bestimmt auch im Småland erwarten. Bei dem Stand der Wilhelm Moberg-Gesellschaft erwarb ich die ersten zwei Romane der Tetralogie Wilhelm Mobergs über die schwedischen Auswanderer und Einwanderer in die USA in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Mit den Büchern, einigen Kugelschreibern, Infoheften und Bonbons fuhr ich zufrieden zurück ins Småland. Begeistert von diesem ereignisreichen und erquickenden Wochenende war ich bereit für weitere schwedische Eigenheiten und erhielt neuen Schwung um mich der schwedischen Kultur anzunähern.

The Swedish Way to Party

Partys mit Schweden sind interessant und erlebenswert. Zugegebenermaßen spricht man beim Tanzen nicht wesentlich viel Schwedisch, geschweige denn lernt man die Schweden wirklich kennen. Doch es ist es allemal spannend zu erleben, dass sich die sonst sehr ruhigen, zurückhaltenden Schweden abends zu einem heiteren Volk wandeln und offen und gesprächig auf einen zukommen. Mit viel Alkohol und sehr viel Spaß zeigen sie eine ganz andere Seite ihres Gemüts und so habe ich mich letztendlich tatsächlich ein wenig auf Schwedisch unterhalten. Da ich jedoch die Hoffnung nicht aufgegeben hatte, auch einmal mit nüchternen Schweden im alltäglichen Umfeld eine Konversation auf Schwedisch zu führen, ergriff ich die Möglichkeit, mich in einer »Nation« zu engagieren. Die Studentengruppen mit Namen schwedischer Regionen gehen auf das 17. Jahrhundert zurück, als es in Schweden nur wenige Universitäten gab, in denen folglich Menschen aus dem ganzen Land zusammenkamen. Die Studenten schlossen sich ihrer Herkunft nach zu Gruppen zusammen, in denen sie sich austauschen und einander um Rat fragen konnten. Die Gruppen als solche blieben, sind sie jedoch heute einander sehr ähnlich. Meine Wahl fiel auf »Smålands«, da sie sich vor allem durch ihre Liebe zur Musik hervorhebt. So erwies sich meine Wahl als vorzüglich, insofern dass ich mich als Mitglied an einem oder mehreren ›utskott‹ (deutsch: Ausschüssen) beteiligen und so Veranstaltungen, Ausflüge und Konzerte mit planen kann. Bei einem Kaffee traf ich drei Schweden des ›bandmöteutskotts‹, wir planten Konzerte und organisierten das Drumherum, wobei ich zum größten Teil zuhörte, doch ab und an mein Schwedisch ein wenig erproben konnte. Bis zum Semesterende stehen einige Abende im Pub mit Live-Musik an, ein paar kleine Konzerte mit Bands aus der Umgebung und somit weitere Planungstreffen. Mein Schwedisch sollte da schon zum Einsatz kommen dürfen.

Ein schwedischer Tag, natürlich mit Zimtschnecken

Um auch mal ein bisschen mehr zu sehen vom schönen Småland, beschloss ich Västervik aufzusuchen, ein nettes, typisch schwedisches Örtchen direkt am Meer. Dort beherbergte mich eine Schwedin, die mich offen und herzlich empfing. Von der Ankunft bis zur Abfahrt sprach ich kein Wort Englisch, kein Deutsch, bara svenska (nur Schwedisch). Ab und zu verlief die Kommunikation etwas holperig oder ich zeigte ratlos auf einen Gegenstand, dessen schwedischer Name mir unbekannt war. Auf diese Weise war die Verständigung dennoch erfolgreich, mein Kopf vermochte den Wechsel von Englisch zu Schwedisch zu vollziehen und es war ein großer Spaß. Ich sah das Meer und viele bunte Häuschen und erlebte einen schwedischen Alltag. Zum krönenden Abschluss buken wir Kanelbullar (zu Deutsch: Zimtschnecken). Mit dem Gebäck im Gepäck begab ich mich zurück nach Växjö, wobei ich auf der Busreise durchs Småland so einige vom Namen her bekannte Orte durchquerte, zum Beispiel Mariannelund und Vimmerby, nur Lönneberga lag nicht auf direktem Wege. Nach diesem Ausflug ins schwedische Leben fühlte ich mich gut vorbereitet auf meine erste Schwedisch-Prüfung am Tag darauf: eine Grammatikklausur. Sie bezeichnete den Anfang der nun kommenden Examen und Hausarbeiten in den nächsten Wochen, womit die Kurse bereits abgeschlossen seien werden. Auch wenn ich von der Uni ein wenig mehr erwartet habe, betrachte ich die Situation aus der Sicht des Reiselustigen, da mir somit genug Zeit verbleibt das schöne Schweden zu bereisen.

Nun heißt es erst einmal Halbzeit; zwei Monate sind ins Land gezogen. Die zu beobachtende stetige Entwicklung meiner Annäherung an und in die schwedische Welt lässt doch hoffen, dass es bis zum Ende wirklich immer schwedischer und schwedischer für mich wird.

Erwachsenwerden zwischen Politik und Privatem

Benedikt Viertelhaus — Wed, 02 Nov 2011 20:50:32 +0000

Mit fünfzehn will man es sein, um jeden Preis, fünfzehn Jahre später wehrt man sich gegen das, was man laut Gesetz, Gesellschaft und Geburtsurkunde längst ist: Erwachsen. Aber was bedeutet Erwachsensein? Der äußere Wachstum misst sich in Jahren, woran misst sich der innere? Ist Erwachsensein etwas Erstrebenswertes oder sollte es aufgeschoben werden, so lange wie möglich?

Endlich erwachsen werden

»Eigentlich sollten wir erwachsen werden« – mit diesem Satz sorgte das Magazin NEON vor acht Jahren für Furore und traf den Nerv seiner Zielgruppe, nämlich ihren größten Stolz und ihre größte Scham zugleich. Erwachsen werden: Ja, das wissen und wussten die Mittzwanziger und Umdiedreißiger. Sollten: Das ist der Imperativ der Mitmenschen, der Eltern, der gesellschaftlichen Erwartungen im Generellen. Das ist das schlechte Gewissen nicht nur einer, sondern gleich mehrerer Generationen, über die achtziger Jahre und den Mauerfall hinweg bis heute. Und die Geschichte geht weiter: Nun titelte das NEON-Nachfolgemagazin NIDO: »Wir sind eine Familie«. Die Schlussfolgerung vom Noch-Nicht-Erwachsen-Werden-Wollen bis hin zum Standard-Lebensentwurf Familie ist recht konventionell. Sie ist aber auch die Reflexion dessen, was allgemein als Erwachsensein definiert wird: Die Verantwortung für sich selbst und andere zu übernehmen, ist der erste Schritt. Vor dem Hintergrund der aktuellen Diskussion lohnt es sich, zwei Romane neu und in vergleichender Perspektive zu lesen, die das Erwachsenwerden zum Tenor ihrer Handlung machen: liegen lernen (2000) von Frank Goosen und Herr Lehmann (2001) von Sven Regener. Jenseits einer ähnlichen Thematik lässt schon die oberflächliche Betrachtung der beiden Autoren Gemeinsamkeiten entdecken: Derselben Generation zugehörig (Goosen: Jg. 1966; Regener: Jg. 1961) stammen sie beide aus Westdeutschland, wenngleich aus unterschiedlichen Gegenden. Goosen, in Bochum geboren, aufgewachsen und zur Universität gegangen, beschreibt in liegen lernen einen jungen Mann, der im Ruhrgebiet geboren, aufgewachsen und zur Universität gegangen ist. Regener hingegen wurde in Bremen geboren und zog später nach Berlin – ebenso wie sein Protagonist, Frank Lehmann, der als gebürtiger Bremer zum Wahlkreuzberger wurde. Beide beschreiben, was sie kennen. Beide binden autobiographische Elemente in ihre Romane ein; erzählen von männlichen Westdeutschen ihrer Generation.

Persönlicher Prozess und politisches Geschehen

Die Dreißigjährigen als politisch desinteressierte, gelangweilte Generation, die achtziger und neunziger Jahre als Zeit, in der auf den Illustrierten »entweder nackte Frauen oder Atompilze« (LL, 39)1 zu sehen waren: In liegen lernen und Herr Lehmann wird diese Zeit geschildert aus der Perspektive derer, die dabei waren. Während in Herr Lehmann lediglich von den letzten Wochen vor der Wende erzählt wird, umfasst liegen lernen die gesamte Ära Kohl, beginnend kurz vor Anfang seiner Amtszeit, schließend kurz vor ihrem Ende. liegen lernen wird mit einer dem Ende entnommenen Episode eröffnet: Der Ich-Erzähler betrachtet seine eigene Situation, in die ihn die zu erzählende Geschichte geführt hat. Doch endet das Buch nicht mit dieser Szene, die ihn als »verantwortungsloses, bindungsunfähiges, triebhaftes Arschloch« (LL, 9) im Dreck liegen lässt. Das letzte Kapitel führt den Protagonisten dorthin, wohin er seit Beginn steuert: In die Verantwortung, aus dem Leben als bindungsunfähiges und triebhaftes Arschloch hinaus. Als Maßstab dieses Prozesses dienen seine Beziehungen zu Frauen: Von Britta, Jugendliebe und Leitmotiv des Romans, über die biedere Gisela, die vitale Gloria, die unkomplizierte Roberta bis zu Tina, die sich ein Kind mit ihm und Pflichtbewusstsein von ihm wünscht. Beide Autoren verbinden den privaten Prozess ihrer Protagonisten mit dem aktuellen politischen Geschehen. Bei Regener findet nahezu analog zu den Geschehnissen, die zur historischen Wende führen, ein Umbruch im Leben seiner Hauptperson statt. Zuvor berechenbar und monoton gerät seine Welt langsam aus den Fugen. Wie auch in der Politik auf den ersten Blick nebensächliche Episoden zum großen Knall führen können, entfaltet sich auch privat die Bedeutung scheinbarer Nichtigkeiten erst allmählich: Die Begegnung mit einem Hund, die Begegnung mit der schönen Köchin Katrin, die Entdeckung der Liebe, die ersten Hinweise auf die Krankheit seines Freundes Karl, der missglückte Grenzübergang, das Ende der Liebe und die Krise Karls. Die deutsche Geschichte und Lehmanns Geschichte finden immer wieder Entsprechungen. Am 5. November 1989, dem Tag nach der großen Demonstration auf dem Alexanderplatz, gerät auch Herr Lehmann mit der DDR-Macht in Konflikt, entdeckt die Geheimnisse Katrins und Karls. Am 9. November, dem Schlusskapitel des Buches, resultieren beide Geschichten in einem Fall, der zugleich Hoffnung auf Neubeginn verspricht: Karl bricht zusammen, Herr Lehmann wird dreißig und übernimmt erstmals in seinem Leben Verantwortung. Diese Eindeutigkeit einer Konfrontation des politischen Geschehens mit dem Privatleben fehlt in liegen lernen. Allein dadurch, dass der Roman eine weitaus längere Zeitspanne behandelt als Herr Lehmann, ist es nicht möglich, jedem politischen Ereignis eine Parallele in der Privatsphäre eines Individuums zuzuweisen. liegen lernen begrenzt die Verbindungen zwischen Privatem und Historisch-Politischem folgerichtig auf Motive: Helmut als Vorname des Protagonisten und des amtierenden Bundeskanzlers; Geschichte als das von beiden gewählte Studienfach. Und die Scheidung von Helmuts Eltern, vom Ich-Erzähler kommentiert mit den Worten: »Auf nichts war mehr Verlaß. Wenn es so weiterging, würde bald vielleicht sogar Helmut Kohl abgewählt!« (LL, 262).

Das westdeutsche Desinteresse

In Herr Lehmann wird die westdeutsche Mentalität durch die Kreuzberger Kneipenszene widergespiegelt. Lehmann lebt dort in seiner kleinen, sicheren Welt. Für die Ereignisse außerhalb – sei es jenseits der Mauer oder auch nur jenseits des Kneipenmilieus – hat er kein Interesse. Diese Welt wehrt sich gegen Änderungen, hält mit aller Macht fest an Ritualen, die Sicherheit und Bestand versprechen zu einer Zeit, die kurz vor dem Umbruch steht. Und genau der spielt eine auffällig geringe Rolle. Herr Lehmann wird oftmals als Wenderoman bezeichnet, was bei Betrachtung der äußeren Form auch ein durchaus korrekter Terminus scheint. Die Handlung spielt in Westberlin im Jahre 1989, steht also örtlich wie auch zeitlich in enger Verbindung mit der Wende. Jedoch – es interessiert keinen. Weder Lehmann, noch seinen Freundeskreis; die beschriebene Ignoranz ist auszudehnen auf ganz Kreuzberg, oder sogar noch weiter, auf Westdeutschland, die westdeutsche Mentalität dieser Zeit im Generellen. Und gerade dadurch, dass im Bewusstsein des Protagonisten und seines Umfeldes die Wahrnehmung der Ereignisse in Ostdeutschland vollends fehlt, wird sie umso stärker ins Bewusstsein des Lesers gerückt. Dieser wartet auf die Sensation, den Riesenknall. Doch der bleibt aus. Vier Seiten vor Schluss erzählt ein Kneipengast: »Die Mauer ist offen.« (HL, 280)2 Lakonisch heißt es weiter: »Es gab aber keine große Aufregung, alle machten weiter wie bisher.« (HL, 281) Beinahe noch demonstrativer tritt das Desinteresse in liegen lernen zutage. Helmut erfährt die Neuigkeit bei einem Videoabend mit Roberta, kommentiert sie mit den Worten: »Das war ja abzusehen [...]. Dann sahen wir uns an, was Sigourney mit dem Alien machte, und dann schliefen wir ein.« (LL, 222)

Die Schwierigkeit, Entscheidungen zu treffen

Gerrit Bartels bezeichnet liegen lernen in der taz als »Roman über die Schwierigkeit, Entscheidungen zu treffen, Vorstellungen von der Zukunft zu haben, erwachsen zu werden«.http://www.taz.de/pt/2001/02/06/a0121.nf/text, 10.12.2005 (Stand Oktober 2011)." href="#footnote3_hk19wgs">3 Und vielleicht hängt das alles zusammen. Die Entscheidungsunfähigkeit Helmuts zieht sich von der Wahl der richtigen Süßigkeit über die Wahl des richtigen Studienfaches bis hin zur Wahl der richtigen Frau. Seine Entscheidungen, wenn er sie denn trifft, sind willkürlich, unüberlegt und übereilt. Seine Mutter möchte permanent wissen, was er eigentlich will; Helmut erwidert: »Nicht nur du, Mama, nicht nur du.« (LL, 27) Denn er weiß: »Entscheidungen zu treffen, Vorstellungen von der Zukunft zu haben« (LL, 27), eben nicht nur alles auf sich zukommen zu lassen, sondern sich bewusst, mehr noch, im Bewusstsein der eigenen Verantwortung für etwas zu entscheiden und die Konsequenzen der Entscheidung zu tragen – all dies gehört zum Erwachsenwerden. Helmuts Weg dorthin ist gepflastert von Irrtümern, Entscheidungsunfähigkeit, Apathie und einem Hang zum Fatalismus. liegen lernen spiegelt das Lebensgefühl einer Zeit wider:

Die Achtziger waren vor allem um die Mitte herum und gegen Ende finster, und die Sommer waren schlecht, aber ich lernte in ihnen das Zusammenleben und das Ficken, das Liebsein und das Lügen. Man kann es sich eben nicht aussuchen. Wäre ich mit den Beatles aufgewachsen, hätte ich vielleicht auch an eine bessere Welt geglaubt. (LL, 127)

Helmut hat den Glauben an eine bessere Welt nicht verloren, sondern nie besessen. Er zeichnet sich aus durch Mangel an Engagement und Begeisterung, fügt sich aber gerade aufgrund dieses Mangels umso besser in seine Umgebung, seine Zeit ein. Als er endlich etwas und jemanden findet, für den es sich lohnt, sich zu engagieren und zu begeistern – Britta, mitsamt ihrer Öko-AG, ihrer Nicaragua-Arbeitsgruppe, ihren progressiven Eltern und ihrer aufgeklärten Einstellung – jagt er dem so lange vergeblich hinterher, lebt so lange ein Leben, in dem er sich nicht festzulegen braucht, in dem er sich stets Rückzugsmöglichkeiten offen hält, bis er von seiner Freundin Tina und deren Kinderwunsch zu einer endgültigen Entscheidung gezwungen wird. Das Erwachsenwerden ist angesichts der Umstände von Zeit und Ort, in denen sich Helmut und Lehmann befinden, besonders schwierig. In Jana Hensels Zonenkinder beispielsweise wird die Wende als Ereignis benannt, durch das die Kindheit beendet ist und der Prozess des Erwachsenwerdens einsetzt. Bereits im ersten Satz führt Jana Hensel diese Thematik mit der Schilderung vom »letzten Tag meiner Kindheit«4 ein, womit zugleich die letzten Tage der DDR bezeichnet werden. Das Jahr 1989 als Grenze zwischen Kindheit und Erwachsenwerden- beziehungsweise sein, das mehr oder weniger abrupte Ende einer Kindheit wird nicht nur in diesem ostdeutschen Buch immer wieder Gegenstand von Diskussionen. Für den knapp dreißigjährigen Westdeutschen hingegen liegt eine andere Situation zugrunde: Die Gemeinsamkeiten Lehmanns und Helmuts bestehen auf der einen Seite in ihrer Ausgangssituation, dem Umfeld und der Zeit, in der beide aufgewachsen und älter, nicht jedoch erwachsener geworden sind. Die Umstände, die etwa einen gleichaltrigen Ostdeutschen oder einer anderen Generation zugehörigen, zum Beispiel in der Nachkriegszeit aufgewachsenen Dreißigjährigen vielleicht viel früher gezwungen hätten, erwachsen zu werden, lassen Lehmann und Helmut wie auch ihren westdeutschen Generationsgenossen die Freiheit, das Erwachsenwerden nach Belieben hinauszuzögern. Während wiederum andere, obschon unter denselben Umständen, zur selben Zeit aufgewachsen, aus privaten oder beruflichen Gründen, durch Familie oder Arbeit, Verantwortung zu übernehmen lernen, ist es auf der anderen Seite der Charakter dieser beiden Figuren, der eine weitere Ähnlichkeit zwischen ihnen darstellt und einen weiteren Grund dafür bietet, weshalb sie mit dreißig Jahren immer noch das Leben eines Jugendlichen führen. Gemeinsam ist beiden die Antriebslosigkeit, die in liegen lernen bereits im Titel zum Ausdruck kommt, eine Art von Nihilismus, verbunden nicht nur mit der Unfähigkeit, sondern mehr noch mit dem Unwillen, Entscheidungen zu treffen. Das gleiche gilt für den Prototypen Frank Lehmann: Knapp dreißig Jahre alt, führt ein Leben ohne Bindungen oder Pflichten. Er arbeitet als Barmann, wohnt alleine in einer kleinen Wohnung in Kreuzberg; abends trifft er seine Freunde und zieht mit ihnen durch die Kneipen. Seine Eltern sieht er selten, er hat keine Frau, keine Kinder oder sonst irgendeine feste Beziehung, trägt keine Verantwortung für einen anderen Menschen.

Verzögertes Erwachsenwerden

So schwer es den Protagonisten fällt und so lange es dauert: Am Ende haben es beide geschafft. Und bei beiden ist das Motiv, das sie erwachsen werden lässt, dasselbe: Verantwortung für einen anderen Menschen, für Tina, für Karl, übernommen zu haben. Während Goosen sich also für den von der Gesellschaft geprägten klassischen Weg – die Frau, die Familie – entscheidet, erweitert Regener die Botschaft ins Generelle: Sein Protagonist ist dem Familienkonzept keinen Schritt näher als zu Beginn des Buches, hat im Gegenteil eine gescheiterte Beziehung mehr hinter sich. Dennoch ist er erwachsen geworden, durch sein Verantwortungsbewusstsein seinem Freund Karl gegenüber. Die Problematik des verzögerten Erwachsenwerdens tritt allein in den Titeln hervor. Die Anrede Herr Lehmann seitens seiner Freunde ist ein Scherz; seitens des Autors aber eine ironische Anspielung auf Lehmanns Alter, dem er sich durch sein gelebtes Alter zu entziehen versucht. Die Kombination aus Herr und Du ist laut Lehmann »das Übelste, was es gibt« (HL, 42). Und gerade hierdurch tritt die Diskrepanz zwischen Lebensstil und eigentlichem Alter zutage. Während in liegen lernen ein spezifischer Moment festzumachen ist, ein Moment der Erkenntnis und Entscheidung, handelt es sich bei Herr Lehmann um einen allmählichen Prozess, der nicht konkret wahrnehmbar ist. Und doch hat der Leser, nachdem er all die inneren Kämpfe Herr Lehmanns mit sich selbst wie auch seine äußeren Kämpfe in Diskussionen und Handgreiflichkeiten miterlebt hat, am Ende das Gefühl, dass Herr Lehmann unfreiwillig erwachsener und verantwortungsbewusster geworden ist. Während er zu Beginn allem, was ihm in seinem Alltagstrott stören könnte, zu entfliehen versucht, will und muss er sich dem Leben nun stellen. »Ich gehe erst einmal los«, heißt es am Schluss, »der Rest wird sich schon irgendwie ergeben.« (HL, 285)

1. Goosen, Frank: Liegen Lernen. Roman. 5. Auflage. München 2004. S.39. – Nachfolgend als LL zitiert.
2. Regener, Sven: Herr Lehmann. Ein Roman.16. Auflage. München 2003. S.280. – Nachfolgend als HL zitiert.
3. Bartels, Gerrit: Locker durchkommen http://www.taz.de/pt/2001/02/06/a0121.nf/text, 10.12.2005 (Stand Oktober 2011).
4. Hensel, Jana: Zonenkinder. 4. Auflage. Hamburg 2004. S.11.